PUBLICACIONES PERIODISTA ANGELA MARIA JOSE CALDERON

Sting, más que música… apoyo social

2011-02-22T09:04:00.000-08:00

Sólo un selecto grupo de personas disfrutaron de la presentación anoche en Bogotá de este artista británico, un evento en pro de la educación

Por: Angela Maria Calderon
Periodista EL NUEVO SIGLO

Sting fue elegido para este concierto no sólo por ser un ícono musical, sino también por la historia de sus iniciativas filantrópicas, y su disposición para apoyar la plataforma de responsabilidad social de Diageo, conocida como Learning for life. En esta oportunidad, el artista compartió el escenario con Beto Cuevas, quien también se unió esta causa a través de su arte, para ayudar a crear conciencia social en sus seguidores. Aprovechando su visita a Colombia, para la única y exitosa presentación que tuvo lugar anoche en Bogotá, EL NUEVO SIGLO habló con él sobre la perspectiva que tiene al haberse vinculado a este proyecto y sobre los planes que tiene a futuro dentro de su carrera musical.

E.N.S: Estando involucrado en otros proyectos de beneficencia, ¿por qué escogió participar en Buchanan’s Forever y Learning for Life?
STING: Siempre quise actuar en Colombia, por eso acepte esta invitación la cual no defraudo ninguna de mis expectativas pero sobre todo decidí hacerlo porque el propósito social busca dejar un legado duradero a través de la educación y es un proyecto que está cambiando la vida de muchas personas, por eso decidí participar.

E.N.S: ¿Qué piensa sobre los proyectos locales apoyados este año?
STING: Pienso que están centrados en mejorar la educación, proporcionando formación y capacitación a las personas de escasos recursos que de otro modo no tendrían acceso a ella. Esta es una forma increíble de romper el ciclo de la pobreza y mejorar las vidas de los individuos y sus familias, ya que el problema de miseria en el mundo se centra básicamente en la falta de conocimiento. El programa que más me llamó la atención es el que se está llevando a cabo en Colombia, que ofrece apoyo a las comunidades desfavorecidas, proporcionando los conocimientos y equipos necesarios para ayudar a las micro-empresas. Esto fue lo que me motivó ya que soy educador y me gusta enseñar por medio de la música, pues pienso que una sociedad puede llegarse a cambiar por medio del conocimiento y eso es precisamente lo que apoya este proyecto.

E.N.S ¿Alguna vez pensó que estaría en la posición de ayudar a la gente a través de la música?
STING: Hago música, en primer lugar, porque me gusta y me hace feliz. También porque sé que por medio de ella se puede enseñar. Pero a medida que uno avanza por la vida y alcanza el éxito y más gente te escucha, te das cuenta de que tienes una plataforma para decir las cosas que crees, que enseñan y que sobre todo pueden ayudar a mejorar la concepción que tenemos del mundo y de quienes nos rodean.

E.N.S: En su opinión, ¿cómo influencia hoy la música al mundo? ¿Cree que ésta puede ayudar a un cambio?
STING: Sí creo que la música puede cambiar el mundo. Como músicos, sembramos semillas en las mentes de las personas sobre cómo se puede influir en el futuro, a través de una canción. A menudo estás tocando para las personas que se convertirán en los creadores de opinión, los gobernantes de una sociedad, y si les muestras lo que es la justicia, los derechos humanos, la ecología et, son cosas que en el futuro pueden ayudar a cambiar la sociedad

E.N.S: Está compartiendo el escenario con grandes artistas latinos, ¿cómo se siente al respecto?
STING: Creo que es importante, cuando se llega a un país, mostrar respeto por esa cultura. Sin duda tengo un gran conocimiento y respeto por la música latinoamericana en particular. La música es una comunidad global y, por lo tanto, compartir escenario con gente que se identifica con el lugar en el que voy a cantar es algo que siempre me gusta hacer.

E.N.S: Su trabajo cruza muchos estilos diferentes. ¿Puede decirnos cómo ha evolucionado su música a través de los años?
STING: Mi música ha evolucionado a partir de mi propia curiosidad. La curiosidad es lo que me impulsa. Siento curiosidad por la música del pasado, por lo que está pasando ahora, y por lo que será la música en el futuro.

E.N.S: Cuéntenos sobre su último disco y otros proyectos en los que esté trabajando.
STING: Este verano estoy haciendo algo sorprendente para mí. Estoy de gira con una orquesta de 50 piezas, con violines, chelos, trombones, etc. Yo nunca he hecho esto antes, y es un desafío para mí, uno que me gustó. Estaremos primero de gira en Norteamérica y luego en Europa.

Patricia Conde y Bibi Russell, embajadoras de la moda social

2011-02-16T21:46:00.000-08:00

Por: Ángela María Calderón y Jenny Andrea Aguirre
Periodistas EL NUEVO SIGLO

Las reconocidas diseñadoras trabajan por rescatar la cultura y brindar mejores oportunidades a tejedores y artesanos en condiciones de vulnerabilidad.

A Patricia Conde y Bibi Russell las une un mismo objetivo: la erradicación de la pobreza por medio del desarrollo del conocimiento y el comercio responsable, con condiciones laborales dignas para los trabajadores del mundo de la moda y la artesanía.

Labor que les ha otorgado múltiples reconocimientos internacionales como el ser embajadoras de la ONU, por llevar a varios rincones del planeta el proyecto ‘Moda para el Desarrollo’, que promociona el trabajo de miles de artesanos y tejedores sumidos en la pobreza.

Uno de esos rincones es Colombia, en donde tienen el Centro de Moda para el Desarrollo en Cartagena, mientras que en Bogotá Russell fue designada por la Alcaldía como asesora permanente de los artesanos.

Por esta razón EL NUEVO SIGLO habló con ambas diseñadoras en exclusiva para que contaran como ha sido el impacto de su labor, y sobre todo para saber el por qué de su vocación por la llamada ‘moda social’.

EL NUEVO SIGLO: ¿De dónde nace la idea de montar un Centro de Moda para el Desarrollo en Cartagena?
PATRICIA CONDE: La idea nace de la Presidenta de la organización Women Together, Joana Caparrós, de hacer exportable un programa que se llama ‘Moda para el desarrollo’, creado por la UNESCO. Un proyecto que se encaminó durante muchos años unido a la Campaña del Microcrédito y que ha tenido un gran éxito en Asia de la mano de la ex top model y diseñadora bengalí Bibi Russell.

ENS: ¿Qué pueden hacer los artesanos y diseñadores colombianos para competir en el mismo nivel contra los grandes monopolios y las grandes marcas?
BIBI RUSSELL: Cada país tiene que sacar sus dotes, cada país tiene sus propios recursos naturales; aquí tienen el algodón y fibras, tienen muchas piedras y semillas, entonces hay que lograr que la gente entienda que tenemos que nuestra identidad propia.

ENS: ¿Quiénes pueden trabajar en este lugar?
PC: Cualquier artesana o artesano que desarrolle una técnica propia y lo requiera tendrán desde el Centro de Innovación la información y la formación que necesite para optimizar sus recursos y se intercambiarán las experiencias creativas y productivas de todas las comunidades para que se aporten mutuamente ideas y técnicas que optimicen su trabajo.
BR: La filosofía de este Centro es la universalización de la creatividad. La artesanía como fuente de inspiración para la industria. El objetivo es crear un ‘think tank’ de diseño y creación textil y de complementos para la comercialización a partir de tejidos y elementos realizados por colectivos de artesanos y tejedores de Latinoamérica y Asia bajo la dirección de diseñadores y expertos industriales en el mundo de la moda.

ENS: ¿Qué diseñadores están vinculados con esta causa?
P.C: Desde Agatha Ruiz de la Prada, Donna Karan, entre otros. Se unirán diseñadores internacionales que irán variando en un banco de horas que se está creando.

ENS: ¿Qué las motivó a crear y lanzar líneas de ropa que ayude a la sociedad?
PC: Mi motivación nunca ha sido tener más fama o más reconocimiento, sino ayudar a los demás. Lo primero que hice para alcanzar este gran sueño fue viajar a la India y elaborar cada una de las piezas en sus talleres de confección. Allí logré crear puestos de trabajo para mujeres cabeza de familia, con la condición de que mientras trabajaran en el taller, llevaran sus hijos a la escuela. De esta manera pretendo no sólo imponer una moda al vestir, sino mostrarle al mundo que ayudar a una persona necesitada no es darle una limosna sino ayudarle para que pueda ser alguien útil a la sociedad.
BR: Desde muy pequeña tuve el sueño de poderle ayudar a la gente; entonces, al haber sido una modelo tan famosa, la gente oye mi nombre que es tan conocido y siente que puede aprovechar y ayudar a otros a surgir.

ENS: ¿Aunque ustedes son embajadoras de la ONU para Asia y Europa, qué están haciendo en Latinoamérica?
PC: Sí, este ha sido uno de los motivos de mi viaje a Colombia, pues sé que existe mucha necesidad. Lo que la gente no sabe es que este país es mi segundo hogar, por eso ya he venido trabajando desde hace un tiempo con proyectos sociales en Barranquilla y Cartagena.
BR: Para mí esos reconocimientos son un tributo para la gente que trabaja conmigo. En cuanto a lo de trabajar en Latinoamérica, por el momento estoy dedicada a mi labor con los artesanos de Bogotá, labor que me fue encomendada directamente por la Alcaldía.

E.N.S:¿Cómo desearían ser recordadas?
P.C: Me gustaría que me recuerden con una sonrisa, no tanto por mi labor en cine o TV sino por lo que he hecho por la gente con mi labor social. En diez años me veo viviendo acá en Colombia, con una familia establecida, enseñándole a mis hijos a ser solidarios con los demás.
BR:Para mí lo más importante es tener el amor y el afecto que me dan los artesanos, cuando yo no veo mucho tiempo a mis hijos ese amor llena este espacio y me da la fuerza para seguir adelante.

ARTE Y ESTILO

15 razones para salir con un/a periodista

2010-06-02T14:22:00.001-07:00

1- SIEMPRE tenemos tema de conversación.

2- AMAMOS la verdad y la transparencia.

3- Podemos realizar investigaciones SOBRE LO QUE QUIERAS en tiempos record.

4- Soñamos con una sociedad informada y con opinión fundamentada.

5- Nuestros agitados y movidos días NUNCA serán predecibles.

6- Somos capaces de intercambiar ideas, sin caer en lo peyorativo.

7- Tenemos respuestas respaldadas PARA TODO.

8- Tenemos soluciones para TODO.

9- Tenemos entrada para hablar CON QUIEN SEA.

10- Poseemos la capacidad de carretear y seguir siendo responsables con nuestra labor social.

Bonus Track - Escribimos y hablamos como otros SUEÑAN.

11- SIEMPRE ganamos en cultura chupística.

12- Tenemos pases liberados a TODOS los eventos a los que nuestros amigos quieren ir.

13- Tenemos el DON DE LA PALABRA.

14- NUNCA se nos puede engañar, porque sabemos sobre todo.

15- Vayamos donde vayamos, SIEMPRE conocemos gente.

RESPUESTAS SIN EDITAR ENTREVISTA EXCLUSIVA A ANGEL MARTIN Y DANI MATEO

2010-05-22T00:32:00.000-07:00

RESPUESTAS SIN EDITAR ENTREVISTA EXCLUSIVA A ANGEL MARTIN Y DANI MATEO XD Estas respuestas no pudieron salir publicadas en la entrevista por espacio pero aca les dejo las entrevistas completas

La entrevista fue realizada via mail y se enviaron un total de 30 preguntas las cuales ellas me respondieron via e mail tambien asi que nada espero que les guste

RESPUESTAS SIN EDITAR DE DANI MATEO

¿Cuales fueron sus comienzos como humoristas?

Fueron… ¿Humildes? No. Tristes sería la palabra más adecuada. Yo trabajaba en bares dónde la gente quería hacer de todo menos escucharme. Allí aprendí buenos trucos para reclamar la atención y también para esquivar botellazos.

¿Como llegaron a la televisión?
Un día tuve que salir corriendo de un bar perseguido por un cliente al que le había disgustado especialmente mi actuación. Cuando noté que empezaba a faltarme el aire, me refugié en unos estudios de televisión que abrían toda la noche. Era Paramount Comedy y como se estaba calentito me quedé.
¿Que ha sido lo más difícil de enfrentar en cuanto al manejo de humor se refiere?

Quizá lo más difícil es caer bien. Ser gracioso es relativamente fácil si se le dedicas el tiempo y el esfuerzo suficiente. Todos podemos serlo, al menos una vez. Pero caer en gracia… Eso ya es una lotería.

¿cómo enfrentan el hecho de hacer humor, con tantas diferencias que hay en el género?

Yo no creo que ninguno de los que nos dedicamos a esto pensemos mucho a qué género de humor nos queremos dedicar. Ni siquiera creo que pensemos mucho… A secas. Tú intentas hacer reír con todos los recursos de qué dispones y son otros los que te etiquetan.

¿Cuales son las cualidades o cosas mas importantes que se deben tener en cuenta a lo que hacer humor se refiere?

Ir siempre limpio y llevar ropa interior del mismo día o del anterior, como mucho. Oler bien siempre ayuda. Por lo demás no hay normas. Puedes ser encantador o insultante, histérico o pausado, inteligente o bobalicón…

¿Que diferencias hay entre el humor “normal” y el que ha sido definido como “inteligente”?

No soy muy partidario del término “humor inteligente”. Me parece algo prepotente. Yo soy un gran seguidor del “humor tontorrón”. En cualquier caso, sí me gustan los humoristas que, además de hacer reír nos muestran su punto de vista sobre la vida.

¿Qué humorista admiran?

Pepe Rubianes, Andreu Buenafuente, Faemino y Cansado, Pepín Tre, Eugenio, Gila, Will Ferrell, Robin Williams… No pararía.

¿Cuál es la proyección que piensan darle a su profesión?

Con no salir proyectado por la misma puerta por la que entré me conformo. Hasta entonces seguiré haciendo lo que me propongan lo mejor que pueda. Espero, eso sí, no bajarme del escenario.

Hasta el momento han actuado de manera individual, han pensado en alguna vez trabajar juntos en un monologo?

Hemos actuado muchas veces juntos, lo que pasa es que también es bonito hacer cosas por separado. Más que nada por tener algo de qué hablar ¿no? Madre mía, parecemos una pareja de hecho…

¿Cuál es la frontera del humor?

No la hay. Creo que hay humor de interior, humor fronterizo y humor sin fronteras. Y todos los tipos de humor tienen cabida. De hecho, una de las misiones del humor es, precisamente, romper las fronteras que nos imponen/emos en nuestra vida cotidiana. Si al subirte a un escenario te impones los mismos límites que en una entrevista de trabajo… mejor no te subas.

Dani: ¿Por qué siendo periodista, decidiste convertirte en humorista? ¿crees que hay alguna similitud en ambas profesiones?

Hay muchoperiodistas que dan risa y muchos cómicos que te informan de lo que ocurre en el mundo. Yo vi que, como periodista, sería tan malo que pertenecería a los primeros, así que me pasé al segundo grupo. Digamos que no soy periodista por respeto al periodismo.

¿Cuales son las diferencias que hay entre hacer humor en televisión y hacerlo en un escenario?

La retroalimentación, que suena a la típica palabreja que utiliza tu mecánico para cobrarte de más. Ver la reacción de la gente después de cada chiste te ayuda a no perder el olfato, a cambiar de dirección sobre la marcha, te mantiene en forma. Para mi es una gimnasia necesaria.

¿Qué le podrían aconsejar a un apersona que esta comenzando a ser humorista?

Que lo intente. No es un camino sin retorno. Se trata de empezar sin dejar de hacer otras cosas. Uno puede ser oficinista de día y cómico de noche. Y si la suerte, que es una amante promiscua y caprichosa, decide cogerte del brazo… Déjate llevar. Si no, siempre puedes volver a la oficina y tenerlo como hobbie. Es mejor pasar las noches actuando en bares que apedreando gatos.

¿Creen que los programas de zapping donde se analiza la realidad de la televisión son necesarios para refrescar la oferta televisiva o en algunos casos mejorarla?

No creo que sirvan para un carajo, la verdad. Mientras los programas ridiculizados sigan teniendo un 20% de share la cosa seguirá exactamente igual. Pero reírse de las miserias del medio es relajante.

La televisión española se caracteriza por tener muchos programas del corazón, un fenómeno que no es muy común en la televisión latinoamericana ¿Cuáles creen que son los factores que producen dicho fenómeno periodístico?

Es el castigo de Dios por el genocidio de la conquista de América. Vosotros tuvisteis a Hernán Cortés y a Francisco Pizarro y nosotros a Víctor Sandoval y a Lidya Lozano.

¿ustedes creen que el hacer una crítica periodística con humor es la vía para evitar que se sigan realizando programas del corazón?

No.

¿Cual es la manera que utilizan para enfrentar la critica?

Hay muchos tipos de críticas. Las hay elaboradas y que provienen de gente a la que respeto. De esas, intento aprender. Las que son fruto del rencor, la envidia o el puro odio de gente con la que no quiero tener ningún trato… Me resbalan.

¿según ustedes, que le hace falta al periodismo?

Al periodismo nada, está bien como está. A ese sucedáneo de periodismo - al que curiosamente sólo llaman periodismo los que lo practican - que es “la prensa del corazón”, le hace falta un buen espejo. Muy grande.

¿Qué piensan de que se intente censurar la crítica por medio de la vía legal?

Opino lo mismo de que se permita el espionaje escudándose en un presunto “interés público”. Es una vergüenza.

¿Qué creen que es lo mas difícil de ser guionista?

No. A mi me parece que ser astronauta debe tener lo suyo también ;)

¿estarían dispuestos a introducir contenidos de programas del corazón latinoamericanos en ‘se lo que hicisteis’?

Por favor. Mándenmelos. Estamos necesitados de imágenes…

Dentro de su trayectoria como humoristas ¿han pensado en hacer una gira por Latinoamérica?

Bueno… Digamos que aún me queda aprender un poquito para subirme al Gran Rex y no cagarme en los pantalones. Además, un público desconocido siempre da más miedo. Pero me encantaría, la verdad.

¿En que se inspiran para hacer los guiones de sus monólogos?

Yo intento fijarme mucho en la gente, buscar temas interesantes, ver de qué se habla en la calle y luego copio los monólogos de Ángel.

Por lo general los humoristas en su vida cotidiana son diferentes a lo que muestran en el escenario, en el caso de ustedes ¿para lo mismo?

Sí. No te habrás dado cuenta al leer mis respuestas. En el escenario soy medio idiota y en mi vida privada lo soy del todo. J

¿Qué mensaje le envían a sus seguidores en Colombia y Latinoamérica?

Les diría que muchas gracias por seguir a dos tíos a los que no conocen hablando de gente a la que conocen aún menos. Es increíble, la verdad. Les debemos una visita.

RESPUESTAS SIN EDITAR ENTREVISTA EXCLUSIVA A ANGEL MARTIN Y DANI MATEO

2010-05-22T00:03:00.000-07:00

RESPUESTAS DE ANGEL MARTIN

¿Cuales fueron sus comienzos como humoristas?

El día que me presenté con un traje cruzado color pistacho en octavo de EGB fue, sin saberlo, mi primer paso hacia la comedia. A pesar de que no era mí intención conseguí que todo el mundo (profesores incluidos) se rieran de mí. Me encantaría pensar que se reían conmigo pero no es cierto. Ese día se rieron de mi. El paso definitivo fue cuando el día de mi comunión me presenté en la iglesia con un traje reversible. Creo que Jesucristo estuvo a punto de bajar de la cruz y darme dos hostias.

¿Como llegaron a la televisión?

Me acosté con un directivo y le hice todo lo que me pidió. Fue muy romántico.

¿Que ha sido lo más difícil de enfrentar en cuanto al manejo de humor se refiere?

El hecho de no saber a quién te diriges. Hacer humor en televisión me parece muy complicado. No sabes quién te está viendo. Nuestro programa, a pesar de no tener muchísima audiencia, tiene cerca de un millón de personas que nos ven cada día. De ese millón, sólo conozco personalmente a unos diez. Sé lo que puede hacerles gracia a esos diez pero no sé qué puede divertir al resto. Supongo que vamos acertando porque al día siguiente vuelven. Tal vez un día hagamos una broma que no guste a 999. 990 personas y al día siguiente sólo nos vean los diez que conocemos. Sin embargo, cuando hago “Stand Up” (en España lo llamamos “monólogos”) es un poco más sencillo porque la respuesta del público es inmediata y puedes intuir por dónde pasearte.

¿cómo enfrentan el hecho de hacer humor, con tantas diferencias que hay en el género?

En nuestro caso creo que somos como una de esas bolsas de frutos secos donde puedes encontrar pipas, cachuetes, almendras… intentamos hacer un poco de todo.

¿Cuales son las cualidades o cosas mas importantes que se deben tener en cuenta a lo que hacer humor se refiere?

Creo que lo más importante es saber distinguir el humor del mal gusto.

¿Que diferencias hay entre el humor “normal” y el que ha sido definido como “inteligente”?

En mi caso utilizo el termino “humor inteligente” para engañarme a mí mismo si alguna broma es una mierda. En lugar de volver a casa pensando: “he escrito una broma de mierda. La cambiaré”; vuelvo pensando: “he escrito una broma demasiado inteligente. La cambiaré”. Pero en el fondo sé que nadie se ha reído porque era una broma de mierda.

¿Qué humorista admiran?

Pepe Rubianes, Buenafuente, Gila y un señor que vive cerca de mi casa y le grita a los gatos.

¿Cuál es la proyección que piensan darle a su profesión?

En España ser cómico es diferente a ser cómico en EEUU. Aquí somos los últimos monos. En EEUU, los cómicos que empiezan haciendo “Stand UP”, pueden acabar actuando en programas como” SNL” para después hacer sus propios proyectos. En España los cómicos que hacen “Stan Up” pueden acabar haciendo… “Stand Up”. En España es muy dificil que un grupo de cómicos tengan la posibilidad de juntarse y crear algo. Envidio a gente como Judd Apatow, Ben Stiller, Seth Rogen, Adam Sandler… te aseguro que esos tipos en España no habrían conseguido sacar adelante ni la mitad de sus proyectos. Habrá que intentar cambiar eso aquí, ¿no?

Hasta el momento han actuado de manera individual, han pensado en alguna vez trabajar juntos en un monologo?

Hemos actuado juntos muchas veces. No con un espectáculo pensado especialmente para eso. Pero muchas veces hemos actuado juntos incluso después de la actuación.

¿Cuál es la frontera del humor?

La casa de Hugo Chávez. En ese recinto no está permitido bromear.

Ángel: ¿A qué edad comenzó tu vocación de cómico?

Conscientemente a eso de los 23. Inconscientemente el día del traje color pistacho.

¿Qué le podrían aconsejar a un apersona que esta comenzando a ser humorista?

Las bromas no son como tus hijos. Si un hijo te sale mal, tienes que joderte y quedártelo. Si una broma te sale mal, ponle las maletas en la puerta y cambia la cerradura.

La televisión española se caracteriza por tener muchos programas del corazón, un fenómeno que no es muy común en la televisión latinoamericana ¿Cuáles creen que son los factores que producen dicho fenómeno periodístico?

Ustedes no tienen programas del corazón porque tienen las telenovelas y con eso creo que es suficiente. Si después de una telenovela pusieran un programa del corazón el cerebro humano podría estallar. En España somos muy cotillas (chismosos). Nos encanta saber qué hacen los demás en todo momento. Lo necesitamos. Es más… si a muchos matrimonios que acaban de tener un hijo, el médico le preguntara: “¿Qué prefieren: que les demos a su hijo o saber que está pasando en la habitación de al lado?”, te aseguro que España estaría llena de niños que no tienen padres.

¿ustedes creen que el hacer una crítica periodística con humor es la vía para evitar que se sigan realizando programas del corazón?

Me encantaría pensar que hay alguna posibilidad de que esos programas dejen de emitirse pero me temo que en España, eso es imposible.

¿según ustedes, que le hace falta al periodismo?

Más profesionales de verdad.

¿Qué piensan de que se intente censurar la crítica por medio de la vía legal?

Cualquier intento de censura resulta despreciable pero cuando ese intento viene de alguien cuya idea del entretenimiento es el insulto, es ridículo y lamentable. Desgraciadamente en España ultimamente se recurre a la justicia para las estupideces más grandes que uno se pueda imaginar. Antes, cuando la gente tenía tiempo libre decia: “¿Vamos al cine o damos un paseo?” ahora dicen: “¿Vamos al cine o denunciamos algo?”.

Ángel, tu tienes una trayectoria en el cine español, y haz comenzado tu propia productora ¿cuales son tus proyectos en el séptimo arte?

He hecho dos cortometrajes, si llamamos a eso “trayectoria en el cine Español”. El día que haga algo de más de diez minutos me llamarás “actor consagrado”. Aún no he trabajado en cine. Espero poder hacerlo pronto. La idea de crear una productora surgió precisamente por lo difícil que es hacer cosas aquí en España. Pensé: “Si nadie va a darte la oportunidad… dátela tú”. Y en eso estamos. La idea de “Juego Sucio” (mi productora) es sacar adelante pequeños proyectos un poco más independientes. Veremos cómo acaba la cosa.

¿Qué creen que es lo mas difícil de ser guionista?

Explicarle a tus abuelos que eso también es un trabajo.

¿estarían dispuestos a introducir contenidos de programas del corazón latinoamericanos en ‘se lo que hicisteis’?

Teniendo en cuenta la duración del programa estaríamos dispuestos a introducir cualquier cosa. Incluso un pequeño circo de pulgas.

Dentro de su trayectoria como humoristas ¿han pensado en hacer una gira por Latinoamérica?

Nunca ha surgido esa posibilidad. Sería genial y complicado. Cuando uno escribe monólogos lo hace utilizando expresiones o elementos caracteristicos de su país así que tendríamos que adaptar muchas de las bromas para que se entendieran en otro país.

¿En que se inspiran para hacer los guiones de sus monólogos?

En cualquier cosa que permita hacer humor.

Por lo general los humoristas en su vida cotidiana son diferentes a lo que muestran en el escenario, en el caso de ustedes ¿para lo mismo?

Creo que sí. En general los cómicos no tienen nada que ver con lo que muestran en el escenario. No estamos todo el día haciendo bromas. Me gusta pensar que los bufones de los Reyes antiguos también eran muy diferentes en su vida cotidiana. Me gusta imaginar a un bufón llegando a su habitación, dejando el gorro con cascabeles en una silla y diciendo: “Voy a leer un rato para desconectar de tanta tontería”.

¿Qué mensaje le envían a sus seguidores en Colombia y Latinoamérica?

Me ha sorprendido saber que teníamos un grupo de seguidores al otro lado del charco así que tengo un plan para darles las gracias. Voy a coger a un grupo de personas que no tenga nada que hacer. Ahora mismo en España, encontrar a gente sin nada que hacer es sencillo. Tenemos más de cuatro millones de parados. Contrataré a esos cuatro millones de personas, iremos al Oceano Atlántico cada uno con su pitillo, nos acercaremos a la orilla y nos lo beberemos. Cuando el Atlántico esté seco, contrataré unos autobuses que vayan a buscarlos y les traigan aquí para tomarnos juntos unas cervezas. Podría usar aviones, pero teniendo en cuenta que aquí está haciendo un tiempo horrible, seguro que se retrasarían. Vayan acercándose a la orilla que nosotros ya hemos empezado a beber y la cerveza caliente no vale nada. Gracias por seguirnos.

CUANDO EL HUMOR HACE VER LOS ERRORES DEL PERIODISMO Ángel Martín Y Dani Mateo y su parodia a la realidad iberoamericana

2010-05-20T19:45:00.000-07:00

Por Ángela María Calderón
Periodista de EL NUEVO SIGLO

Al mejor estilo de Santiago Moure y Martín de Francisco, dos jóvenes españoles revolucionan la crítica televisiva española por medio de la sátira

ÁNGEL MARTÍN y Dani Mateo hacen ver -a diario- a los profesionales de la información todos los errores que cometen a la hora de transmitir las noticias a la comunidad. Por medio del programa Se lo que hicisteis, estos dos humoristas se ríen de sí mismos y de la actualidad española, llegando así a convertirse en dos referentes de la escena del humor en la actualidad.

EL NUEVO SIGLO hablo con ellos en exclusiva para conocer un poco más de su visión sobre el periodismo, sus planes fuera de las cámaras y las actividades que llevan a cabo de manera paralela con su carrera televisiva.

EL NUEVO SIGLO: ¿Cuáles fueron sus comienzos como humoristas?

ÁNGEL MARTIN: El día que me presenté con un traje cruzado color pistacho en octavo de bachillerato fue, sin saberlo, mi primer paso hacia la comedia. A pesar de que no era mí intención, conseguí que todo el mundo (profesores incluidos) se rieran de mí. Me encantaría pensar que se reían conmigo pero no es cierto. Ese día se rieron de mí.

DANI MATEO: Fueron… ¿Humildes? No. Tristes sería la palabra más adecuada. Yo trabajaba en bares dónde la gente quería hacer de todo menos escucharme. Allí aprendí buenos trucos para llamar la atención y también para esquivar botellazos.

E.N.S: ¿Que ha sido lo más difícil de enfrentar en cuanto al manejo de humor se refiere?

A.M: El hecho de no saber a quién te diriges. Hacer humor en televisión es complicado -a mi parecer- ya que no sabes quién te está viendo. Nuestro programa, a pesar de no tener muchísima audiencia, tiene cerca de un millón de personas que nos ven cada día. De ese millón, sólo conozco personalmente a unos diez. Sé lo que puede hacerles gracia a ellos pero no sé qué puede divertir al resto. Sin embargo, cuando hago “Stand Up” (en España lo llamamos “monólogos”) es un poco más sencillo porque la respuesta del público es inmediata y se puede intuir por dónde seguir el espectáculo.

D.M: Quizá lo más difícil es caer bien. Ser gracioso es relativamente fácil si se le dedica el tiempo y el esfuerzo suficiente. Todos podemos serlo, al menos una vez. Pero caer en gracia…Eso ya es una lotería.

E.N.S: ¿Cuáles son las cualidades o cosas más importantes que se deben tener en cuenta para hacer humor?

A.M: Creo que lo más importante es saber distinguir el humor del mal gusto.

D.M: Yo no creo que ninguno de los que nos dedicamos a esto pensemos mucho a qué género de humor nos queremos dedicar. Ni siquiera creo que pensemos mucho… A secas. Tú intentas hacer reír con todos los recursos qué dispones y son otros los que te etiquetan.

E.N.S: ¿Cuál es la proyección que piensan darle a su profesión?

A.M: En España ser cómico es diferente a ser cómico en los Estados Unidos, ya que los cómicos que empiezan haciendo “Stand UP”, pueden acabar actuando en programas como “SNL” (Saturday Nigth Live) para después hacer sus propios proyectos. En España, por el contrario, los cómicos que hacen “Stan Up” pueden terminar haciendo lo mismo. En mi país es muy difícil que un grupo de cómicos tengan la posibilidad de juntarse y crear algo. Envidio a gente como Judd Apatow, Ben Stiller, Seth Rogen, Adam Sandler… Aseguro que ellos acá, en España, no habrían conseguido sacar adelante ni la mitad de sus proyectos. Habrá que intentar cambiar eso aquí, ¿no?

D.M: Con no salir proyectado por la misma puerta por la que entré me conformo. Hasta entonces seguiré haciendo lo mejor que puedo con todo lo que me propongan. Espero, eso sí, no bajarme del escenario.

E.N.S: ¿Hasta el momento han actuado de manera individual, han pensado en alguna vez trabajar juntos en un monologo?

A.M: Hemos actuado juntos muchas veces. No con un espectáculo pensado especialmente para eso. Pero muchas veces lo hemos hecho incluso después de la presentación.

D.M: Como bien dice Ángel hemos actuado muchas veces juntos, lo que pasa es que también es bonito hacer cosas por separado. Más que nada por tener algo de qué hablar ¿no? Madre mía, parecemos una pareja de hecho.

E.N.S: ¿Qué le podrían aconsejar a una persona que está comenzando a ser humorista?

A.M: Las bromas no son como tus hijos. Si un hijo te sale mal, tienes que quedártelo. Si una broma te sale mal, ponle las maletas en la puerta y cambia la cerradura.

D.M: Que lo intente. No es un camino sin retorno. Se trata de empezar sin dejar de hacer otras cosas. Uno puede ser oficinista de día y cómico de noche. Y si la suerte, que es una amante promiscua y caprichosa, decide cogerte del brazo, déjate llevar. Si no, siempre puedes volver a la oficina y tenerlo como hobbie. Es mejor pasar las noches actuando en bares que apedreando gatos.

E.N.S: La televisión española se caracteriza por tener muchos programas del corazón, un fenómeno que no es muy común en la televisión latinoamericana ¿Cuáles creen que son los factores que producen dicho fenómeno periodístico?

A.M: Ustedes no tienen programas del corazón porque tienen las telenovelas y con eso creo que es suficiente. Si después de una novela pusieran un programa del corazón, el cerebro humano podría estallar. En España somos muy chismosos. Nos encanta saber qué hacen los demás en todo momento. Lo necesitamos. Es más… si a muchos matrimonios que acaban de tener un hijo, el médico le preguntara: “¿Qué prefieren: que les demos a su hijo o saber que está pasando en la habitación de al lado?”, te aseguro que España estaría llena de niños que no tienen padres.

D.M: Es el castigo de Dios por el genocidio de la conquista de América. Ustedes tuvieron a Hernán Cortés y a Francisco Pizarro y nosotros a Víctor Sandoval y a Lidya Lozano.

E.N.S: ¿Qué piensan del hecho que se intente censurar la crítica por medio de la vía legal?

A.M: Cualquier intento de censura resulta despreciable pero cuando ese intento viene de alguien cuya idea del entretenimiento es el insulto, es ridículo y lamentable. Desgraciadamente en España últimamente se recurre a la justicia para las estupideces más grandes que uno se pueda imaginar. Antes, cuando la gente tenía tiempo libre decía: “¿Vamos al cine o damos un paseo?” ahora dicen: “¿Vamos al cine o denunciamos algo?”.

D.M: Opino lo mismo de que se permita el espionaje escudándose en un presunto “interés público”. Es una vergüenza.

E.N.S: Dentro de su trayectoria como humoristas ¿han pensado en hacer una gira por Latinoamérica?

A.M: Nunca ha surgido esa posibilidad. Sería genial y complicado. Cuando uno escribe monólogos lo hace utilizando expresiones o elementos característicos del lugar donde se presenta, así que tendríamos que adaptar muchas de las bromas para que se entendieran en otros países.

D.M: Bueno, digamos que aún me queda aprender un poquito para subirme al Gran Rex y no asustarme, además, un público desconocido siempre da más miedo. Pero me encantaría, la verdad.

E.N.S: ¿Qué mensaje le envían a sus seguidores en Colombia y Latinoamérica?

A.M: Me ha sorprendido saber que teníamos un grupo de seguidores al otro lado del charco, así que tengo un plan para darles las gracias. Voy a coger a un grupo de personas que no tenga nada que hacer. Ahora mismo en España, encontrar a gente sin nada que hacer es sencillo. Tenemos más de cuatro millones de desempleados. Contrataré a esos cuatro millones de personas, iremos al Océano Atlántico cada uno con su pitillo, nos acercaremos a la orilla empezaremos a beber. Cuando el océano esté seco, contrataré unos autobuses que vayan a buscarlos y les traigan aquí para tomarnos juntos unas cervezas. Podría usar aviones, pero seguro que se retrasarían. Les diría que se vayan acercando a la orilla que nosotros ya hemos empezado a beber y la cerveza caliente no vale nada. Gracias por seguirnos.

D.M: Les diría que muchas gracias por seguir a dos personas, a los que no conocen hablando de gente a la que conocen aún menos. Es increíble, la verdad les debemos una visita.

PORTADA Y PAGINAS DIAGRAMADAS DE LA ENTREVISTA A ANGEL MARTIN Y DANI MATEO

AGE1,4,5

La exploración geométrica de Fanny Sanín

2010-03-13T22:03:00.000-08:00

Los asistentes podrán deleitarse con la abstracción de cada una de las pinturas de la creadora bogotana. CON 10 obras en acrílico y 19 en papel, perfectamente balanceadas, con formas geométricas en torno a un eje vertical, la artista Fanny Sanín trae de regreso, a la Galería Alonso Garcés, su talento a Colombia.

En su muestra, la artista expone su comprensión perfecta de la tonalidad que le permite avenirla de forma inesperada creando una armonía rítmica. Cada pintura es precedida por una serie de dibujos, donde la artista encuentra la combinación perfecta de figuras y color, logrando una magistral composición.

Durante los últimos 40 años, Sanín ha desarrollado su trabajo sobre la abstracción geométrica constructivista y sus variantes en el arte cinético que la hizo adaptar algunos de los principios del minimalismo y del conceptualismo. Así su obra ha tenido cambios sutiles en el desarrollo de las pinturas abstractas, incluyendo la incorporación de formas diagonales y tinte horizontal.
Recopilación de 40 años de trabajo

Su obra se destaca por haber ocupado un papel protagónico en la escena de las artes plásticas en Colombia desde el comienzo de los años sesenta, donde impuso una posición de constante intercambio con el pensamiento global, con la escena del arte internacional, pero referenciada de una forma sutil y profunda a reflexiones propias de su origen latinoamericano.

Sanín hace parte de una generación de artistas que dio los cimientos a las artes plásticas en Colombia, junto a Edgar Negret, Eduardo Ramírez Villamizar y Omar Rayo, entre otros, y abrieron a partir de mediados de los años cincuenta la posibilidad exponer sus obras en el extranjero sin tener que abandonar la sensibilidad local.

El trabajo de la artista le permite al visitante explorar las infinitas posibilidades de ver un ordenamiento de formas duras de la geometría desde el interior del universo propio de la pintura que le sirve de metáfora de un sistema de signos que se repliega sobre sí mismo. Es sorprendente cómo logra que no se repita ninguna figura entre sus cuadros. El estudio de la geometría utilizando una técnica bidimensional desde la pintura y el dibujo le permite a Sanín explorar a través de una racionalidad espacial.

La creación de los sistemas espaciales con distintos manejos de la profundidad, recrea la armonía sensorial de cada una de las estructuras, apoyándose en cómo se comporta la sociedad en torno a la percepción de los colores.

Gran colorista

Gracias al color cada una de sus piezas tiene un carácter definido dándole un ritmo y vibración interna permitiendo así que despierten en el imaginario y percepción colectivos sentimientos que al verlas nuevamente el espectador pueda descubrir algo nuevo en ellas.

Las piezas que exhibe de su último periodo, que abarcan varios años de producción desde el 2006 hasta hoy, quizás tengan una connotación mítica y espiritual. El juego con el color y las formas nos llevan al interior de un espacio muy íntimo, intelectualmente muy cercano a la experiencia sensible de un paso hacia otro lado que va más allá del orden de lo que existe. Un lugar trascendente más allá del propio universo de las pinturas.

La artista

Fanny Sanín nació en Bogotá en 1938, en 1960 recibió el grado de Maestra en Bellas Artes de la Universidad de los Andes. Desde entonces se ha consolidado como una de las artistas contemporáneas más importantes de Latinoamérica. Sanín ha expuesto individualmente en la Galería de Arte Moderno en Monterrey (1964); en la AIA Gallery de Londres; en la Unión Panamericana (OEA) en Washington (1969), de igual forma participó en la exposición Works on Paper - Women Artists en el Brooklyn Museum de Nueva York (1979).

Debido a su gran trayectoria como artista recibió en 1983 el Premio de Colombia, el honor más alto otorgado a un colombiano viviendo en el extranjero y fue honrada con una gran exposición retrospectiva en el Museo de Arte de Bogotá en 1987. Su trabajo ha sido presentado en docenas de exposiciones individuales y en casi 150 colectivas por toda América y Europa.

Piedad Tarazona y su Con Trato de Mujer

2010-03-13T22:02:00.002-08:00

INSPIRADA en el rol que desempeña hoy en día la mujer en la sociedad, la artista plástica Piedad Tarazona presenta su más reciente muestra de pintura abstracta, denominada Con Trato de mujer, basada en la investigación que adelantó sobre la situación del sexo femenino en distintos lugares del mundo.

Este es su compromiso de vida, su contrato como fiel exponente del género femenino. Mostrar la magia de la mujer, su delicadeza, color, intensidad y romanticismo. Es precisamente ese Trato de mujer el que está impreso en cada una de sus obras y es así como adquiere más valor la humanidad.

Piedad habla con metáforas en cada una de sus obras, permitiendo encontrar una excusa para opinar y plantear interrogantes frente al papel que juega la mujer en la sociedad actual, consiguiendo así el objetivo de transmitir esas incógnitas a los espectadores.

La artista se siente satisfecha, por el color, la fuerza y el tema de cada pintura. Considera que su trabajo es algo así como naif pop expresionista, un trabajo que le gusta al público por la sencillez que transmite al crearlo y porque logra impactar, sin ser pretencioso ni rebuscado.

"Cuando cerré el capítulo del amor, me quedó sembrada la idea de hablar de nosotras, ya que logré entender que el amor proviene de nosotras. Entonces, buscando cosas viejas, encontré un poema que se llama Y Dios me hizo mujer. En ese momento se me llenó el corazón de agradecimiento a la vida por haberme permitido ser parte del sexo que le da ternura y amor al mundo. Por eso me terminé de convencer de que somos la fuente del amor. Así que empecé a investigar cómo éramos vistas en otras partes del mundo y cómo nos trataban en otras sociedades, además de mi experiencia personal y la de historias de mujeres que han influido en mi vida”, afirma Piedad al describir el origen de su obra.

Durante la investigación para su muestra, la artista buscó temas relacionados con el aborto, la opresión de la mujer en el Medio Oriente, su papel en la guerra santa, el rol que juega el sexo femenino en oriente y en occidente, así como la situación con las mujeres indígenas. También estudió el comportamiento de la sociedad con respecto al género, el desprecio que hay por las niñas en China, el maltrato promovido por el Islam, la prostitución, la igualdad y la desigualdad, que a pesar de la revolución femenina, aún quedan rezagos en la sociedad de discriminación hacia la mujer.

Para la artista, las únicas armas que tenemos las mujeres son “la inteligencia, el amor y el deseo de sacar adelante a nuestras familias. Nosotras somos las más poderosas y fuertes, pero también somos delicadas, queremos que se nos cuide y cuando la violencia nos golpea, nos quedamos sin palabras, aunque llenas de ideas”.

La investigación sobre la mujer, dice Tarazona, “se convirtió en parte de mi diario vivir, quiero permanentemente oír historias de amor, de lucha, superación, éxito, triunfo, y todas las mujeres tenemos historias, por eso todas mis obras tienen historia".

Piedad Tarazona sigue pintando lo que le gusta, lo que le llena el corazón y lo que quiere transmitir, pero esta vez lo hace valiéndose de las flores y sus colores. “A mí no me interesa pintar lo que se esté comercializando en el mundo del arte, sino lo que tiene sentido para mí y deja un mensaje en el espectador, un mensaje con Trato de mujer”, sostiene.

Lluvia fotográfica de Juan Guillermo Escobar

2010-03-13T22:02:00.001-08:00

MONTADAS en cajas de luz hechas en aluminio, las imágenes de A mí la lluvia, como se titula la última colección de Juan Guillermo Escobar, ofrecen una visión alternativa del medio fotográfico y exigen una interacción permanente entre el espectador y la foto.

Inspirado por tres conceptos, este artista colombiano de reconocimiento internacional, expone un proyecto que se separa de la percepción convencional de la fotografía como relatora de historias.

Escobar utiliza dos conceptos básicos en la composición de sus obras, el primero de ellos se refiere a la idea de cómo se le puede añadir tiempo a una fotografía. “Las imágenes no son fácilmente identificables y requieren segundos más del espectador, forzándolo a tomarse su tiempo para leer los elementos de color, texturas e información”, afirma el artista con relación a cada una de sus piezas. El segundo, en cambio, alude a la intención de separar la fotografía de su función descriptiva, usándola como un medio completamente alejado del reportaje visual.

Así, la intención de Escobar es reconciliar la fotografía con la pintura, usando técnicas pictóricas que rompan la rigidez del diálogo entre los dos medios. Los elementos clásicos de la pintura, como la textura, la abstracción y la aplicación de los colores, se encuentran en estas imágenes fotográficas, como si fueran hechas con acrílicos y brocha, permitiendo que la luz y los objetos aparezcan menos rígidos y más abstractos que en su estado natural.
Reconciliando la pintura con la fotografía

Escobar usa de referencia para su trabajo la obra del artista David Hockney, el cual expone la idea de que “la fotografía es un medio con una inminente carencia de tiempo.” Esto alude al debate que cuestiona a esta técnica como un arte, puesto que tomar una buena imagen requiere 1/60 de segundo, mientras que una pintura, o una escultura, pueden tomarse años en completarse.
“Mis imágenes tienen la intención de hacer referencia a este tema cambiando la interacción del espectador con la foto. Esto sucede al no existir en la imagen un mínimo de elementos que nos den información del quién y en dónde aparecen en la foto”, sostiene el artista.

Esto nos introduce al tercer concepto de A mí la lluvia, el de reconciliar la fotografía con la pintura. Esta idea fue presentada inicialmente por el pintor Gerald Richter, quien en su trabajo utiliza el movimiento y la composición típicos de la fotografía, pero aplicados a la presentación de sus pinturas. Las imágenes de Escobar proponen lo contrario, ya que al usar elementos característicos de la pintura, permite que la luz y los elementos en la foto aparezcan con un aspecto abstracto y natural a la vez.

Estos conceptos interactúan constantemente entre ellos y se fusionan en el resultado visual de la instalación fotográfica, convirtiéndose en ideas completamente dependientes la una de la otra para existir. El resultado final es un grupo de imágenes coherente que requiere un tiempo y una interpretación alternativa de los observadores, demandando una interacción con el contenido y la luz proyectada por cada una de las imágenes.

El artista

Entre los premios otorgados a Juan Guillermo Escobar están incluidos la mención honorífica de 2008 y 2009 del International Photography Awards, y su publicación por ser finalista en el libro Best Photography 2009 en los Estados Unidos. En 2004 recibió el Deans Purchase Award del Museo de Arte Lowe en Miami y el año anterior fue finalista nacional en Estados Unidos por la Mejor Fotografía Universitaria 2003.

Recientemente, sus obras han sido expuestas en la Bienal de Ámsterdam en 2009, en Capítulo 2 de la Asociación Fotográfica de Londres en el 2008, en la Galería 1839 de Londres en el 2008, y en la Galería Picasso Mio en Madrid en el 2007.

Las 13 abstracciones de color y luz, cada una de 56 x 83 x 9 centímetros, demuestran cómo estos tres conceptos interactúan constantemente entre ellos y se fusionan en el resultado visual de A mi la lluvia.

Tributo nacional a los pioneros del surrealismo

2010-03-13T22:01:00.001-08:00

La Galería El Museo recibe las exposiciones individuales de dos de las figuras más representativas de la escena abstracta en Colombia.

PARA EXALTAR el trabajo de los artistas colombianos Alejandro Obregón y Bernardo Salcedo, pioneros del surrealismo dimensional, la Galería El Museo expone sus trabajos más representativos.
De Alejandro Obregón muestran pinturas de diferentes épocas de su proceso plástico que dan cuenta de las diversas etapas del artista, mientras que en el caso de Salcedo, la exposición se centra en su trabajo tridimensional, caracterizado por la construcción de ensamblajes a partir de objetos y fotografías.

La obra de Bernardo Salcedo se ha destacado por producir desplazamientos en la forma de entender los objetos como unidades materiales estáticas, en la medida en que éstos cobran un nuevo sentido a partir de su interacción como componentes de la obra. Al superponer piezas aparentemente banales y valiéndose de la importancia que cobran los títulos, como un elemento más en el proceso de resignificación, la obra adquiere un nuevo sentido, cargado muchas veces de humor e ironía.
Salcedo trasciende la dimensión estética al expandirse a campos simbólicos e ideológicos, que a partir de objetos crean ensamblajes que aluden a otra manera de entender la realidad.

Los objetos escultóricos de Salcedo escapan a las formas de categorización de los esquemas establecidos por el arte. Sus objetos no pueden ser definidos simplemente como esculturas o fotografías, sino que habitan un lugar que ocupa el límite entre dichas disciplinas.

Los ensamblajes realizados a partir de fotografías se dividen en dos series. La primera, titulada Intervenciones, parte del uso de fotos de paisajes, mientras que la segunda, Señales particulares, se basa en la utilización de fotografías de personas anónimas en las que su identidad se ve anulada mediante el ocultamiento de los rostros por medio de los objetos que el artista superpone.

Salcedo realizó además otro tipo de ensamblajes cercanos a una tradición surrealista, en los que se manifiesta la relación entre el hombre y la máquina, haciendo evidente su interés por el tiempo, lo mecánico y la fragmentación.

El insistente uso del formato pequeño puede ser explicado tan sólo mediante una pregunta que él mismo se planteaba: “¿Qué otra dimensión podrían tener los fetiches?”. Su trabajo recuerda especialmente la obra de grandes artistas reconocidos durante las primeras vanguardias del siglo XX como Marcel Duchamp o Man Ray.

La obra de Bernardo Salcedo está cargada de significados que, sin ser demasiado obvios, se hacen evidentes dentro de la misma obra, por lo que el mismo artista se negaba muchas veces a dar una explicación demasiado exhaustiva sobre sus piezas, argumentando “que el artista es un ser mudo y la obra no es un jeroglífico”.

¿Quienes son?

Bernardo Salcedo nació en Bogotá en 1939 y falleció en 2007. Estudió Arquitectura en la Universidad Nacional de Colombia, en donde además realizó estudios de Sociología y Antropología. En 1965 se graduó y a partir de ese momento su obra ha formado parte de importantes muestras nacionales e internacionales.

Sobre Alejandro Obregón se puede decir que, después de 18 años de su muerte, su obra es en definitiva un referente en el panorama del arte latinoamericano.
Obregón nace en Barcelona en 1920 y muere en Cartagena en 1992. Desde su participación en el V Salón Nacional de Artistas en 1944, su presencia ha sido protagonista en el marco de la plástica en Colombia convirtiéndose en una figura canónica tanto para artistas como para críticos e historiadores del arte.

Su obra ha sido estudiada por Marta Traba, Walter Engel, Casimiro Eiger, Álvaro Medina, Pierre Restany y Carmen María Jaramillo, entre otros.

Sus piezas se encuentran en colecciones tan importantes como la del MOMA (Museo de Arte Moderno de Nueva York), la del Salomón R. Guggenheim Museum en Nueva York, la del Museo de Arte de las Américas de la Organización de Estados Americanos o el Museo de Arte Jack S. Blanton de la Universidad de Texas.

La obra de Alejandro Obregón determinó la modernidad en nuestra pintura, modificando las estructuras plásticas de su generación y de las generaciones venideras. Su lenguaje, influido por las tendencias modernas europeas y enriquecido por el color y el movimiento del trópico colombiano, denunció de manera única la delicada situación política y social que vivía Colombia en las décadas de los 50 y 60.

El estilo Ruiz de la Prada ahora en la jardinería

2010-03-13T21:57:00.000-08:00

Por Ángela María calderón
Periodista EL NUEVO SIGLO

Las gazanias, petunias lilas y zulias fueron algunas de las especies que utilizó, por sus colores, en el diseño del jardín en el claustro de Usaquén de Bogotá. ÁGATHA RUIZ DE LA PRADA es considerada en el mundo como una diseñadora vanguardista y arriesgada por haber eliminado de su paleta de colores el negro y, a cambio, resaltar los tonos vivos y estrafalarios que evocan la infancia.

La creadora española visitó Colombia para diseñar en el claustro de Usaquén, un jardín en el que, gracias a las gazanias, petunias, zulias y otras especies florales, impuso su estilo y llenó de vida un espacio dedicado a la reflexión espiritual.

Aprovechando esta visita, EL NUEVO SIGLO habló con la diseñadora sobre su experiencia con la creación del jardín, sus nuevas colecciones y sobre todo su trayectoria, imponiendo moda no sólo en las prendas sino en todos los productos que tiene su marca.

EL NUEVO SIGLO: ¿Por qué decidió hacer un jardín en Colombia?
AGATHA RUIZ DE LA PRADA: Marcial Muñoz, Director de Zona D10 en Bogotá, me pidió que 'agathizara' el claustro. Vine a verlo y entonces vi una Virgen en medio, en un sitio muy romántico, y me encantó porque me considero una ecologista y nunca lo había hecho. Nunca se me olvidará que el primer jardín lo hice en Colombia.

ENS: ¿Cómo fue su experiencia diseñando un jardín?
ARDP: Aunque mi especialidad son los trajes, esta experiencia fue para mí única y retadora, ya que al momento de crear dependes de los tonos y comportamiento de las especies a través del tiempo; por eso me tocó escoger con detenimiento cada una de las plantas con las que trabajaría, ya que me tocó entender que un jardín es algo que tiene vida y que con el paso del tiempo. podía cambiar ya que uno se imagina las flores en su estado inicial y muchas veces no piensa en cuando crecen y que pueden dar un giro drástico a todo lo ideado en un comienzo. El jardín está vivo y al final hace lo que desea.

ENS: ¿Qué la inspira a la hora de crear sus diseños?
ARDP: Mi fuente de inspiración es lo que veo, lo que hago, la gente que conozco, lo que no es evidente al primer momento y luego encuentro de manera desprevenida. Eso es lo que me inspira a la hora de crear cada uno de mis diseños, cosas que para muchos parecen irreverentes pero que en realidad reflejan mi mundo interior.

ENS: ¿La moda es cuestión de gustos o de temporadas?
ARDP: Pienso que el tema de las temporadas debe ser reevaluado y más en países donde no existen las temporadas, donde lo que en Europa consideramos como verano o primavera es un clima permanente. Pienso que la moda es más cuestión personal, donde cada cual puede usar lo que quiere de acuerdo a sus gustos y, claro está, a lo que crea que le queda bien.

ENS: ¿Qué opinión tiene de los diseñadores colombianos?
ARDP: Aunque conozco a varios que en mi opinión representan maravillosamente la cultura colombiana, no puedo hablar detalladamente de uno por uno, pero lo que sí puedo decir es que el movimiento de la moda en Colombia es grandioso ya que hay muchos jóvenes talentos con ideas que revolucionarán el mundo.

ENS: ¿Por qué decidió no incluir en sus diseños el color negro?
ARDP: Porque no me gusta, pienso que es lúgubre, que aunque hace lucir bien a muchas personas y que es un color estupendo para cualquier ocasión yo nunca lo usaría, pues a mí me gusta ver prendas que hagan alusión a la vida y eso lo hacen las tonalidades vivas. A mí los colores me ofrecen una visión del mundo más positiva, me hacen sentir más feliz.

ENS: ¿Tiene algún modelo de belleza y medidas corporales preconcebidos a la hora de realizar sus vestidos?
ARDP: Absolutamente no. La persona que quiera usar mis prendas debe sentirse cómoda en ellas sin importar las medidas corporales que tenga; yo no diseño para mujeres flacas sino para todo tipo de mujer que quiera sentirse viva a la hora de vestir. Mi objetivo es incluir en mi marca a toda clase de personas y si me fijo en medidas y modelos corporales pienso que sería tomar una actitud xenófoba con mis creaciones.

ENS: ¿Cuál cree que ha sido la clave de su éxito en estos 30 años?
ARDP: Bueno, en el mundo hay personas que se sienten identificadas con mis diseños, al igual que hay gente que no le gustan. Pienso que en eso radica el éxito de todo. Si uno con sus ideas logra crear polémica y a pesar de eso la gente entiende el mensaje que quieres transmitir, ya has tenido éxito en tu objetivo y eso es lo que ha pasado conmigo; a pesar de que la gente critica lo que hago nunca he dejado de ser un referente en el mundo de la moda, así que me siento satisfecha ya que esa controversia es la que ha permitido que tenga éxito en todo lo que hago durante estos 30 años.

ENS: ¿Cómo es su relación con las nuevas generaciones de diseñadores?
ARDP: Es excelente, siempre me rodeo de ellos ya que en el mundo de la moda todos los días nace un nuevo talento, así que me gusta escucharlos, aprender de ellos, pues aunque se acercan a mí para aprender de mi experiencia creo que soy yo la que termina aprendiendo más de ellos, de su frescura y de sus ideas.

ENS: ¿Se puede crear tanto sin copiar a nadie?
ARDP: En mi opinión, la gente que hace parte del mundo de la moda envejece haciendo cosas poco creativas. En el diseño las ideas pasan muy rápido de un diseñador a otro y eso, aunque no está bien, es aceptado dentro de la moda ya que todo se relaciona y si uno quiere ingresar a él debe estar preparado para que tomen ideas de uno para diseños de los demás. En mi caso no me fijo en nadie, sólo dibujo lo que me viene a la mente y eso es lo que está plasmado en cada una de mis creaciones.

ENS: ¿En qué pasarela del mundo considera que es más difícil convencer al público?
ARDP: París, sin duda, es la pasarela mas exigente de todas, ya que es la ciudad de la moda por excelencia y hay grandes expertos allí, por lo que todo es mirado con más detalle y la única forma de convencer a los parisinos es con tu creatividad, y claro está demostrar qué es lo que te diferencia de los demás diseñadores en el mundo.

ENS: ¿Qué vínculo especial la une con Colombia?
ARDP: Me encantan los momentos que vivo en este país, en especial por la gran cantidad de colores que ustedes usan, son todos muy alegres y evocan la felicidad, eso es lo que me vincula a este país, la manera tan especial en que los manejan. En esta ocasión, por ejemplo, al momento de hacer realidad mi jardín pude ver cómo los diferentes tonos toman vida bajo el cielo gris bogotano que al carecer de una luz solar fuerte permite que cada color haga parte del espacio y ocupe un lugar especial.

LA AYUDA NO DEBE SER REGALAR, SINO CAPACITAR Patricia Conde y su moda con sentido altruista

2010-03-04T08:49:00.000-08:00

Por: Ángela María Calderón
Especial para EL NUEVO SIGLO

La actriz y creadora española lanzará la línea de ropa juvenil. El 5% de las ventas de esta colección serán dirigidas a obras sociales en la India.

PATRICIA CONDE se autodefine como una mujer sencilla y luchadora. Nacida en Valladolid (España) ha logrado escalar las montañas del éxito gracias a sus múltiples talentos y facetas. Su carisma, humor, capacidad actoral y sobre todo, solidaridad, han sido las herramientas con las que ha contado para brindar apoyo y ayuda a los demás, por medio de sus proyectos sociales sostenibles y valiéndose del arte y la moda.

A sus 30 años, es una figura reconocida en el mundo del espectáculo de España. Pese a que muchos la ven como el típico estereotipo de mujer rubia presentadora de TV, ella es mucho más que eso y así lo ha demostrado en no sólo en el medio del espectáculo sino en su trabajo social por los más necesitados.

Es precisamente esta última labor lo que la hizo acreedora a su designación como embajadora de Woman Together de la ONU para Asia y Europa. Su principal tarea consiste en divulgar el desarrollo de los Objetivos del Milenio, establecidos por las Naciones Unidas. Su trabajo, como representante de esta organización que apoya a mujeres cabeza de familia y que se encuentran en situación de riesgo, fue lo que la motivó a cumplir uno de sus mayores sueños: crear su marca de ropa y comercializarla para que un porcentaje de ésta se destine a una causa social.

La nueva línea de ropa juvenil será lanzada a fin de este mes, en Madrid, España. El 5% de sus ventas será donado a la Organización que lidera.

En su visita a Colombia, Patricia Conde habló, en exclusiva con EL NUEVO SIGLO, sobre sus creaciones, su labor altruista, y la manera como ha logrado combinar su trabajo como actriz, en el programa de televisión Sé lo que hicisteis, con su plan social.

EL NUEVO SIGLO: ¿Qué la motivó a crear y lanzar una línea de ropa con su nombre?
PATRICIA CONDE: Desde niña siempre soñé con crear mi propia colección. Como mi madre es modelo, siempre estuve relacionada con el mundo de la moda, lo que me ha impulsado desde siempre a crear mi propia ropa y a inventar lo que me gusta llevar puesto. Al comenzar con mi labor de embajadora de la ONU. y al ver cómo la gente se interesaba en las prendas que usaba día a día en el programa de televisión, decidí crear y lanzar al mundo una colección, pero con un fin social. Mi motivación nunca ha sido tener más fama o más reconocimiento, sino ayudar a los demás. Lo primero que hice para alcanzar este gran sueño fue viajar a la India y elaborar cada una de las piezas en sus talleres de confección. Allí logré crear puestos de trabajo para mujeres cabeza de familia, con la condición de que mientras trabajaran en el taller, llevaran sus hijos a la escuela. De esta manera pretendo no sólo imponer una moda al vestir o un estilo para una u otra temporada, sino marcar diferencia, mostrarle al mundo que ayudar a una persona necesitada no es darle un pan o un pescado, sino enseñarle a pescar o a elaborar ese pan, para que pueda ser alguien útil a la sociedad.

E.N.S.: ¿Cómo comienza ese sueño del diseño de modas?
P.C.: Cómo dije anteriormente, desde mi niñez me encantó el diseño. Desde mi interior sabía que, debido a mis ocupaciones, algún día lo iba a realizar, y al fin llegó ese día. Una de las cosas que hicieron posible la realización de mi sueño fue un viaje que realicé a África hace seis años. Allí pude palpar la necesidad que existe entre esta gente y empecé a descubrir y reafirmar que por medio de mi sueño adolescente, podía aportar algo a la sociedad. Siempre he considerado que de cierto modo soy de las pocas personas que lo ha tenido todo: unos padres amorosos y un trabajo estable. Eso es algo que muchas personas no tienen.

E.N.S: ¿Cuál es su fuente de inspiración?
P.C: En realidad me fijo en todo lo que me rodea. Estoy abierta a ver cómo el mundo quiere mostrarme su diseño: por ejemplo, cuando camino y veo una flor preciosa, ésta puede inspirarme para el diseño de una falda o blusa. Entonces la cojo, la llevo a casa y dejo que mi imaginación vuele. Así he creado la mayoría de las prendas. Así mismo dibujo lo que me gustaría usar y no he visto en ningún lado. Así, poco a poco, fue naciendo la primera colección con mi nombre.

E.N.S: ¿Qué materiales predominan en las prendas?
P.C: Por ser elaboradas en la India, predomina la seda al igual que algunas gasas coloreadas con tintes naturales y muchas lentejuelas. Las prendas son muy coloridas, pues los hindúes usan trajes llenos de tonos vivos; esta tendencia cultural me animó mucho a combinar colores y texturas que veía en los saris (traje típico) de las mujeres del país asiático.

E.N.S: ¿Cuándo se lanzará al público la colección y como se venderá?
P.C: La colección va a salir en primavera, es decir, a finales de este mes. La distribución va a realizarse por Internet en mi página www.patriciaconde.es. Primero será distribuida en España, y posteriormente contemplada en otros países.

E.N.S: ¿Trabaja actualmente en su segunda colección?
P.C: Claro que sí. Yo me caracterizo por ser una persona hiperactiva, por eso todo el tiempo estoy creando, dibujando y pensando en cómo puedo hacer un diseño o de qué manera se vería mejor. En este momento tengo varias cosas interesantes para lanzar, sólo espero tener la posibilidad de mostrarlas este año.

E.N.S: Aunque usted es embajadora de la ONU para Asia y Europa, ¿le interesaría trabajar en Latinoamérica?
P.C: Sí, de hecho ya lo estoy haciendo. Este ha sido uno de los motivos de mi viaje a Colombia, pues sé que existe mucha necesidad. Lo que la gente no sabe es que este país es mi segundo hogar, por eso ya he venido trabajando desde hace un tiempo con proyectos sociales en Barranquilla y Cartagena. Mi deseo es crear centros de ayuda en las principales capitales de Colombia, pero, como dije anteriormente, no soy de las personas que piensa que las cosas se deben dar sin esfuerzo, considero que ayudar a alguien de bajos recursos debe estar ligado a hacer de él una persona útil a la sociedad.
Así mismo, he creado campañas de ayuda para el terremoto de Haití, ahora pienso hacer lo mismo con lo ocurrido en Chile y tengo unos viajes pendientes a otros países de Latinoamérica para comenzar a trabajar de una manera activa con quienes lo necesiten.

E.N.S: ¿De qué manera cree que su ejemplo puede influir en sus seguidores?
P.C: A mí la fama no me interesa. Sí acepto que he tenido una carrera exitosa y que me he divierto haciendo lo que hago, pero ese es mi trabajo y lo tomo como tal. Pienso que lo más importante es lo que hagas por tu entorno, por cómo te prepares en tu carrera, cómo ejerzas tu profesión, la manera en que te lleves con la gente que te rodea.
A veces pensamos que los gobiernos de cada país son los que deben solucionar todos los problemas, pero no es así. Si todos trabajamos con un mismo fin, las cosas cambian. Siempre he pensado en hacer algo que marque la diferencia.

E.N.S: ¿Cómo desearía ser recordada y cómo se ve en 10 años?
P.C: Me gustaría que me recuerden con una sonrisa, no tanto por mi labor en cine o TV sino por lo que he hecho por la gente con mi labor social. Y en diez años me veo viviendo acá en Colombia, con una familia establecida, enseñándole a mis hijos a ser solidarios con los demás. En mi vida laboral, no sé, a lo mejor ya habré realizado la película que me haga sentir plena y que sea el tope de mi carrera. En mi trabajo social, creo que ya tendría sedes en cada país del mundo y con una que otra tienda de modas con mi marca personal en diferentes naciones, aunque me gustaría poner la primera en París.

E.N.S: ¿Las personas que deseen unirse a su causa, cómo pueden hacerlo?
P.C: Siendo concientes de que todos le debemos algo a la sociedad, que cualquier grano de arena que aportemos para cambiar el mundo, es útil. Sobre todo, entendiendo que lo único que cambia esta sociedad no es el dar ayudas, sino fomentar la educación y el trabajo en aquellas personas que no tienen recursos, esa es la única manera de salir adelante. Para mí es muy grato leer e-mail o cartas que me escriben niñas de 12 años diciéndome que aportaron 10 euros para Haití o que hicieron una colecta entre sus vecinos para enviar a esta parte o a la otra; eso es lo que me hace sentir que sí estoy haciendo algo y que no soy una cara bonita más en la televisión, sino alguien que lucha por un mundo mejor.

E.N.S: ¿Qué considera que le hace falta por hacer?
P.C: La película de mi vida. Tengo algunos guiones en mi escritorio que estoy considerando para realizar, pero aún no se ha tomado una decisión definitiva, pues quiero que el próximo largometraje en el que participe, sea algo que me haga sentir orgullosa de haber sido parte de ese proyecto. Y claro está, también formar una familia.

Sobre ella…

Patricia Conde comenzó a trabajar como modelo a los 14 años, y en 1999 participó como Miss Palencia, en el certamen de Miss España.

Gracias a su sentido del humor, pronto se hizo un hueco en el mundo de la televisión. Así saltó a la fama como reportera del programa El Informal, una producción de Globomedia para el canal de televisión Telecinco y encarnó el personaje de Lady Kaña en la serie del mismo nombre para La Forta en Televisión Española (TVE).

Estuvo al frente de Nuestra mejor canción: Vótala y Un domingo cualquiera, colaboró en Splunge, junto a Florentino Fernández y presentó con Ángel Martín la Gala de los premios TP de Oro en 2007 y las campanadas de fin de año en el canal de televisión la Sexta.

En su faceta de actriz, ha participado en algunos episodios de las series Casi perfectos, Mis adorables vecinos, Siete Vidas y Siete Días al Desnudo. Su debut cinematográfico está plasmado en la película Dirty links, mientras que en teatro ha participado en la exitosa gira de 5mujeres.com, en Noche de cómicos y en Los 39 escalones.

En 2007 fue galardonada con el premio Antena de Oro, otorgado por la Federación de Asociaciones de Radio y Televisión de España, y el Premio ATV a la mejor presentadora de programas de entretenimiento junto a su compañero Ángel Martín por su trabajo al frente de Sé lo que hicisteis…

En 2008 y 2009 volvió a ser galardonada como mejor presentadora de variedades y espectáculos con el TP de Oro. Desde al año anterior funge como embajadora de la ONU para la fundación Woman Together.

DIAGRAMACION DE LA PORTADA DEL MAGAZINE

Portada Patricia Conde Arte & Estilos

DIAGRAMACION DEL ARTICULO EN EL IMPRESO

Articulo Patricia Conde

PRENDAS PARA TODO TIPO DE MUJERES Patricia Henao, una diseñadora de ‘talla’ mayor

2010-03-04T08:36:00.000-08:00

Jeans con incrustaciones de cristales swarovski, lana y materiales industriales

Parecería increíble pensar en ropa femenina de diseñador creada para mujeres de talla grande y que, además, fuera de bajo costo. Sin embargo una bogotana se arriesgó a cubrir este segmento del mercado y los resultados son exitosos.

Sobre este tema, el diario EL NUEVO SIGLO dialogó con la diseñadora Patricia Henao, para que comentara cómo fue su experiencia en la creación de moda para mujeres de todas las tallas.

EL NUEVO SIGLO: ¿Cómo ha sido su trayectoria como diseñadora?
PATRICIA HENAO: Yo comencé hace unos años como diseñadora de joyas y siempre me interese en cómo decorar mi propia ropa y en cómo adaptarle mis creaciones. Fue ahí cuando decidí diseñar mis propias prendas, y, más adelante me di cuenta de que existía un vacío en el mercado: no existían propuestas para mujeres de tallas grandes. Desde entonces elaboro esas prendas en todas las tallas.

E.N.S.: El jean desde sus comienzos ha sido catalogado como un material ‘todo terreno’ por su textura rígida. ¿Cómo fue el proceso para hacerlo tan suave y con tanto movimiento?
P.H: Esto se logra a través de procesos industriales que generalmente se hacen con químicos. En mi caso, la pasión por la moda y la química me llevo a utilizar lo más natural, elementos que hacen lo mismo que los químicos pero que no contaminan el medio ambiente. Por ejemplo, en el caso de los jeans licrados, hago el proceso con celulosa que le da la misma elasticidad al jean que proporcionan los productos o tintes industriales.

E.N.S.: En cuanto a la lana ¿cómo es el proceso?
P.H: Yo trabajo con artesanos de Boyacá y Cundinamarca, ellos son los que se encargan de realizar los procesos correspondientes a la lana para que pueda ser utilizada en las prendas. Lo que hago al recibirla es un proceso de lavado y teñido con diversos elementos naturales como el agua, la celulosa, el azúcar, la sal, etc., para que tome los colores correspondientes y las texturas que deseo; luego las utilizo como aplicaciones en los jeans, chalecos, gorros o carteras.

E.N.S.: Últimamente se ven aplicaciones de metales, piedras preciosas, bordados y pinturas en los jeans. ¿Cómo se realizan estos procesos?
P.H: En el caso de la pedrería y de los taches, éstos se aplican con una máquina especializada para este fin. En el caso de los desgastados, el jean se somete a condiciones extremas, específicamente a un proceso de desgaste de la tela. Para aplicar las pinturas, en mi caso particular, hago los bocetos que deseo elaborar en las prendas y después los pasó a la tela. Decido improvisar y adaptarles bordados o apliques. Para los bordados, el material debe ser procesado de una manera especial, pues de lo contrario no resistiría el tejido. Después de lograr este proceso, se cose sobre el material el diseño seleccionado.

E.N.S: ¿Cómo en la moda todo cambia, qué alternativas existen actualmente para aquellas mujeres que desean lucir sus prendas en jean con apliques y modernizarlas después?
P.H: Es claro que esta moda de jeans decorados va a acabar a comienzos del año siguiente, por lo que la sugerencia que se puede hacer es que no dejen de lado los jeans clásicos y usen estos detalles en accesorios, bien sea, en el cinturón o las joyas que luzcan. En el caso de las pinturas es menos grave la cuestión, pues éstas, a medida que pasa el tiempo, por desgaste van desapareciendo y por ende se puede seguir usando el jean normalmente. En el caso de los rotos o huecos, la cuestión si es más complicada y entonces se recomienda que para seguir usándolos, adquiera prendas en donde éstos no sean tan grandes, aunque a mi parecer, los jeans rotos nunca pasarán de moda.

SUS OBRAS REPRESENTAN LA REALIDAD NACIONAL Tras los objetos perdidos de Eduard Moreno

2010-03-04T08:34:00.000-08:00

El artista exhibe piezas en gran formato elaboradas con una técnica muy poco convencional que incluye papel carbón, laminilla de oro y óleo

La Galería Mundo inaugura la exposición Objeto perdido del artista Eduard Moreno; una serie de pinturas que giran en torno a la memoria colectiva, a la nostalgia del paso inevitable del tiempo y al desgaste que éste produce tanto en los objetos como en nuestra existencia. Objeto perdido es una propuesta que se compone de una decena de obras en gran formato elaboradas con una técnica muy poco convencional que incluye papel carbón, laminilla de oro y óleo. La combinación de estos elementos y las particulares imágenes representadas pretenden evocar el concepto de memoria, del paso del tiempo y la nostalgia de los años dorados.

Una de las características notorias de esta serie es la reducción cromática, debido al uso de las hojas de papel carbón, que hacen de fondo en sus composiciones, las cuales conservan huellas y registros de su utilidad anterior y que afianzan el sentido que Moreno quiere dar a su obra.

“A veces me llega papel carbón de un juzgado en donde se habla de casos de soldados y personas que han perdido la vida en los procesos de recolección manual de coca, y es inevitable que la imagen que se plasme en este caso remita a su representación”, dice el artista.

Para Eduard Moreno, el arte debe hablar del lugar geográfico y del tiempo en el que se habita; en el caso de Objeto perdido, sus obras presentan algunas de las características que marcan la realidad nacional, como son los problemas de narcotráfico, las riquezas efímeras y las añoranzas de pasados mejores. En esta exhibición, la creación de un mundo existente por sí mismo es reforzada por la aplicación de técnicas como la superposición de imágenes, un efecto que se puede comparar con la aparición de escenas y recuerdos en la memoria que calan en las capas más profundas de la consciencia.

La composición no deja duda de una intención plástica y la técnica es cuidada y realista, lo cual, aunado al negro sobre el que pinta, crea un efecto de contraste. “Me gusta engañar al ojo profano. Las pinturas son hechas casi a la usanza del bodegón, pero de lo decorativo, de la belleza, pasan a hablar de la tragedia y del desplazamiento”, indicó Moreno.

Sobre el artista

Eduard Moreno Sánchez nació en Bogotá en 1975. Estudió en la Universidad Nacional de Colombia, en donde recibió el grado de Maestro en Artes Plásticas con una especialización en Pintura.

Posteriormente viajó a España gracias a la Beca de excelencia para Artistas Colombianos Carolina Oramas-Icetex 2005, con la que realizó cursos en Historia de Arte Contemporáneo en el Instituto de Artes de Madrid. Desde 1999 viene participando en exposiciones individuales y colectivas ganando diferentes distinciones entre las que se destacan: Primer premio V Salón de Arte Joven El Nogal 2009, Primer Premio en el 20 Salón Nacional del Fuego 2008 - Fundación Gilberto Alzate Avendaño, Bolsa de Trabajo Codensa 2008, Mención de Honor en el Concurso Premio Fernando Botero 2008, Mención de Honor en el Segundo Salón de Arte Bidimensional 2005-Fundación Gilberto Alzate Avendaño, Mención Especial en el X Salón Regional de Artistas de Bogotá 2003, Primer Premio en la primera y segunda versión de Barrio Bienal I.D.C.T. Bogotá 1999 y 2003 respectivamente; Mención de Honor en el 1º Salón de Pintura Joven Club El Nogal 2003. En este mismo año recibió el Primer Premio compartido en el Concurso Nacional de Poesía “Descanse en Paz la Guerra” de la Casa de Poesía Silva. Actualmente vive y trabaja en Bogotá donde también es docente en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Jorge Tadeo Lozano.

UNA MIRADA A LA CARICATURA Homenaje mundial a libertad de expresión

2010-03-04T08:33:00.000-08:00

Exposición estará abierta hasta el 12 de este mes en el Museo de Arte Moderno de Bogotá.

LA exposición de caricaturas Liberté d'opinion es una muestra de más de 30 ilustradores, quienes a través de sus dibujos, develan el conflicto entre la libertad de expresión y diversos dogmas universales.

A lo largo de la historia, las ilustraciones se han convertido en una herramienta formidable a favor de la tolerancia y la comprensión entre los hombres, por ser un medio que permite una comunicación inmediata con el emisor, sobrepasando las barreras idiomáticas.

La instalación muestra las creaciones gráficas de los dibujantes más destacados del mundo. En la primera parte de la exposición se pueden apreciar algunas reproducciones realizadas por miembros de Cartooning for Peace, asociación conformada por creativos que han sido censurados o amenazados.
Esta Asociación es liderada por el caricaturista del diario francés Le Monde, Jean Pantúreux “Plantú”.

Entre las creaciones que se exponen en la instalación se destacan sus dibujos, al igual que los de su compatriota Tignous. También los de Kichka (Israel), Kroll (Bélgica), Ana Von Rebeur (Argentina) y las del colombiano Vladdo. Cada uno de los trabajos de los artistas explora los espacios y los límites de reflexión y humor que genera la caricatura.

El dibujante de prensa debe ser astuto para que su mensaje llegue, resistiendo la censura oficial, las presiones económicas, y a veces incluso la autocensura, artificio que es utilizado para controlar la diversidad de opinión y pensamiento de la humanidad.

Y aunque se piensa que en los países democráticos se goza de una amplia libertad de expresión, pareciera que ello no es así, o al menos eso se desprende de las declaraciones de muchos de los caricaturistas quienes ponen límites a su trabajo, o autocensura, ante el temor de ser despedidos o demandados.

Un caso claro de esto ocurrió el 19 de enero del año 2005 en donde el dibujante austríaco Gerhard Haderer fue condenado como rebelde ausente a seis meses de cárcel por un tribunal griego, por haber representado a Jesús como un hippie fumador de cannabis.

En los gobiernos que tienen poco respeto por la libertad de expresión, los dibujantes son generalmente sancionados cuando violan tabúes o prohibiciones. En Marruecos y en Jordania, no se permite dibujar o evocar al rey ni tampoco a sus allegados. Del mismo modo en los países musulmanes está prohibido representar la figura de Mahoma. En septiembre del 2005, doce caricaturas del profeta del Islam fueron publicadas en el diario danés Jyllands-Posten. Cinco meses más tarde sus autores fueron condenados a muerte por la fatwa (pronunciamiento legal en Islam) de un tribunal de ese país. Uno de ellos, Kurt Westergaard, ha sido víctima de un segundo intento de asesinato el 2 de enero de este año.

Esta situación llevó al entonces secretario general de la ONU, Kofi Annan, a tomar la iniciativa de proponer una reflexión sobre la libertad y la responsabilidad de los dibujantes. De esta reflexión nació Cartooning for Peace, dibujantes por la paz, en donde una de sus misiones es defender y sostener la libertad de opinión de los dibujantes de todo el mundo, sean ellos cristianos, judíos, musulmanes, ateos o agnósticos.

Los visitantes a la exposición del MamBo podrán dialogar con algunos de los participantes de la instalación en los conversatorios organizados en el marco de la misma con Daryl Cagle de Estados Unidos y algunos caricaturistas de la zona andina como Rayma de Venezuela, Bonil de Ecuador y Alfredo Marcos del Perú. Los dibujos ofrecen distintas miradas sobre la construcción de paz, la guerra y el secuestro.

LA TECNOLOGIA AL SERVICIO DE LA MODA Elegancia 2.0 para el hombre de hoy

2010-02-25T05:31:00.000-08:00

Por Ángela María Calderón
Especial para EL NUEVO SIGLO

La llegada de las redes sociales permite que las personas en se puedan comunicar en tiempo real pero también posibilita a los diseñadores, enseñar a la gente a vestirse de manera adecuada.

BERE CASILLAS, diseñador español que se ha destacado en no sólo en su país sino en toda Europa la tendencia de la Elegancia 2.0, enseña a los hombres cómo escoger y lucir las prendas por medio de videos montados en diferentes portales. De esta forma, educa para la moda a los hombres en el mundo.

En diálogo exclusivo con EL NUEVO SIGLO, el diseñador expone las nuevas tendencias en prendas masculinas, que son una mezcla de elegancia, futurismo y comodidad.

EL NUEVO SIGLO: ¿En qué consiste la moda de la Elegancia 2.0?
BERE CASILLAS: Hace unos años, vistiendo a mis propios clientes, descubrí un detalle que me llamó poderosamente la atención: no por vestir bien un hombre era realmente elegante. También descubrí que un hombre que tuviera claro que es ser un caballero, podía dar un salto mas allá si usaba una ropa apropiada, porque la materia básica que se necesita para verse y lucir bien, ya está en su interior.
Resumiendo, la Elegancia 2.0 es un concepto que se divide en dos partes muy diferenciadas: la interior, que consiste en desarrollar al máximo el potencial que cada hombre puede sacar de sí mismo, actitudes ante los problemas, ante los proyectos laborales, ante la adversidad, ante una dama, saber estar, saber sonreír, saber hablar en el tono adecuado, en los momentos adecuados y sobre todo aprender a seducir, no sólo en el concepto sexual de la palabra.
Y, la segunda parte es el exterior, la forma en la que los demás nos ven, nos perciben y con la que transmitimos cómo somos realmente. Sólo con mirar detenidamente a un hombre, desde los pies a la cabeza, podemos llegar a sacar importantes conclusiones de cómo es ante la vida y, sobre todo, ante el trabajo. Parece mentira que algo tan obvio pase sin importancia para la mayor parte de los hombres, cuando es el espejo de su personalidad.

E.N.S: ¿Cómo nació la idea de crear este concepto?
B.C: La aparición en nuestra vida de las redes sociales, Twitter, Facebook, YouTube, Xing y, en España, Tuenti, fue para mí uno de los mejores regalos que la tecnología me ha dado. El poder de comunicación que podemos tener es impresionante, llegar a miles y miles de personas en el mundo en tiempo real, se han convertido en la catapulta del concepto de Elegancia 2.0.
En una empresa como la mía, situada en la ciudad de Granada, España, sin el apoyo de Internet y las redes sociales, hubiera sido absolutamente imposible llevarla a cabo, es decir, haber llegado a hacer realidad este concepto.
Voy aún mas allá, nunca imaginé que incluso en el continente americano se pudiera estar hablando de Elegancia 2.0 si no hubiera existido la magia de la tecnología. Ahora podemos comenzar a formar a hombres, desde nuestros sitios en redes sociales, desde nuestros canales de video y desde nuestros blogs.
Realmente es casi como un milagro, puedo hablar de moda, de tendencias, puedo explicarle a cualquier persona, en cualquier lugar del mundo, cómo se hace un nudo de corbata Alucinante, cómo se plancha una camisa perfectamente, cómo tiene que pedir a la tienda donde vaya a comprar un traje que le ajusten el largo del pantalón o el largo de la manga y así, hasta cómo tiene que doblar un traje para llevarlo de viaje y que lo encuentre impecable.

E.N.S: ¿Cuál ha sido su trayectoria como diseñador?
B.C: En 1983 comencé en el taller de sastrería de mi padre a trabajar, arranque desde lo más bajo, aprendiz de entretelas, cosiendo botones, ayudando en la plancha. Tres años después descubrí que esto de la sastrería me encantaba y desde entonces jamás he dejado de trabajar.
En 2004 comencé mi especialización en alta costura, creando mi propia línea de trajes de Ceremonia, siempre dentro de la empresa familiar y, por fin, en febrero de 2006 me independicé laboralmente de mi familia y abrí mi primera tienda bajo la marca "Bere Casillas Ceremonia". El proyecto final es abrir el máximo de tiendas que mi capacidad y mi edad me permitan.

E.N.S: ¿Cómo empezó este negocio y como lo dio a conocer?
B.C: En septiembre de 2008, por causalidad, en una conversación mantenida con un proveedor de mi tienda le expuse que tenia interés en entrar en Internet a vender. Me recomendó con mucha insistencia que siguiera a Roberto Cerrada, un magnifico consultor y estratega en la red. Tras escucharlo y comprender la esencia que encerraba el mundo de las redes sociales, me mostró el gran secreto que encierra la venta a través de una tienda electrónica. Desde ese momento me he dedicado a posicionar una marca de calidad y confianza desde internet.

E.N.S: ¿Qué se impone esta temporada?
B.C: Tengo que matizar que siempre hablo de lo que se mueve y se lleva en España e Italia. Supongo que todas estas tendencias llegan a América algo después. Es sabido que el Viejo Continente sigue marcando la moda casi en todo el mundo.
Afortunadamente se vuelve apostar tremendamente por los trajes, con y sin corbata. Marcando tendencia están los negros, grises oscuros y medios y el marrón oscuro, chocolate y canela volverán con una fuerza que desde prácticamente los 60 o 70 no se había visto. También se impondrán las americanas o sacos más cortos muy ajustados en cintura y fundamentalmente con uno o máximo dos botones, una o dos aberturas en la espalda. Pantalones sin pinzas o pliegues y ceñidos también desde muslos a bajos, estilo denominado en Europa, tipillo.

E.N.S: ¿Qué es lo más recomendable y necesario para que un hombre siempre luzca elegante?
B.C: Sobre todo cuidado en el aseo personal. Parece que estoy hablando de otro concepto, pero un hombre que no tenga presente esto, a pesar de que pueda lucir un magnífico vestuario, no tendrá nunca elegancia.
Muchos hombres piensan que vistiendo grandes firmas, compran con ellas la elegancia. No hay nada más vacío que eso. Primero se es elegante por dentro y después el reflejo se palpa hacia el exterior. Un equilibrio correcto entre lo uno siente por dentro y lo que transmite fuera es la clave perfecta para que comiencen a llamarte elegante y caballero.

E.N.S: ¿Que es lo que no debe hacerse para lucir siempre bien?
B.C: Este tema me encanta. Jamás un hombre que quiera lucir bien debe de descuidar los siguientes detalles: el corte de su cabello, el vestuario adecuado para su lugar de trabajo y la prenda a llevar para salir a cenar, o a un evento especial.
Nunca usar camisas de manga corta, aunque haga un calor tremendo. Es tan fácil como subir las mangas de la camisa unas vueltas hacia arriba, ese efecto es igual que llevar manga corta y sin embargo ganaremos tremendamente en elegancia. Está terminantemente prohibido usar manga corta con americana o saco.
Bajo ningún concepto usar sudadera para otra cosa que no sea hacer deporte o pasear por el campo, nunca y repito, nunca, usar ropa deportiva para salir de compras, aunque sea a la esquina. Un detalle que la mayor parte de los hombres descuidamos y sin embargo dice mucho de la persona son los zapatos que siempre deben estar limpios, impecables.
Consejos de amigo fuera de la forma de vestir: no hablar a voces, no reír estrepitosamente a carcajadas, no intentar llamar la atención (ésta sólo se llama sola cuando tienes todo correcto) y sobre todo, uno de mis grandes secretos, es que aunque todo este difícil y duro, nunca falte una sonrisa en tu rostro.

E.N.S: ¿Qué accesorios marcan tendencia?
B.C: Sin lugar a dudas este es el año del retorno de los gemelos o mancuernillas. Todo hombre que se precie de ser elegante en su vestir y que use traje a diario, tiene que comenzar a cambiar definitivamente los arcaicos botones de sus mangas y comenzar a sustituirlos por gemelos. Afortunadamente ya los tenemos de casi todos los estilos, formas y maneras: el metal en mate o mezclando brillo con mate, es lo que está causando sensación. Por otro lado, las corbatas se estrechan en torno a los 7 cm y 8 cm. Los chicos más jóvenes en España vuelven a apostar por la corbata muy estrecha: 2.5 a 3 cm.

E.N.S: ¿Como vestir informal sin dejar de ser elegante?
B.C: Utiliza una buena armonía en los colores de pantalón, camisa y jersey. No es correcto mezclar colores que no tienen relación entre si para usar en la parte de arriba, con la de abajo. Evitar por todos los medios ponerse camisetas con publicidad y si es posible, no usar camiseta. Para trabajar o salir es siempre mucho más elegante la camisa o polo.
El color del cinturón siempre debe ser el mismo de los zapatos.
A diferencia de lo que normalmente se predica en el campo de la moda, mi opinión sincera es que primero tenemos que creernos elegantes por dentro, aprender a mirar, sonreír, hablar y sentir la elegancia desde el interior. Ser una bestia con un vestido elegante es tan sólo una bestia bien vestida, pero no más.
Un hombre elegante jamás se pondrá una corbata en una camisa con botones en los cuellos. Éstos son para camisas que no utilizan corbata.
Pero, sobre todo, hay que ser uno mismo teniendo en cuenta que el mayor objetivo de los seres humanos es la seducción. Algo que hacemos permanentemente con nuestros amigos, jefes, parejas, hijos, etc. Por esta razón, debemos interesarnos en lucir de una manera agradable en la forma de comportarnos y vestirnos.

Fotos exposicion Variaciones de Johana Calle,

2010-02-18T12:58:00.001-08:00

DISEÑO, INNOVACIÓN Y NEGOCIOS SE TOMAN CORFERIAS El talento joven marca el ritmo de la moda

2010-02-18T12:32:00.000-08:00

Hasta el 21 de febrero, en Corferias, se reúnen noveles diseñadores y pequeños empresarios de la industria de la confección.

SALÓN FUTURO, en su tercera edición, crea un lugar para que las instituciones académicas que ofrecen programas relacionados con el desarrollo de la moda en Bogotá, puedan mostrar su nivel de competitividad, no sólo en sus stands, sino accediendo a las pasarelas con sus propias colecciones.

Se trata de una oportunidad para que los jóvenes diseñadores y pequeños empresarios pongan a prueba su talento ante los asistentes a la II Semana Internacional de la Moda de Bogotá.

Al igual que en la edición anterior, los expositores de Salón Futuro tendrán la oportunidad de contar con el fin de semana posterior al evento general, para realizar ventas al público que esté interesado en sus creaciones. Esta vez el evento se realizará de manera alterna al Salón de la Moda que también será realizado en Corferias.

Salón Futuro tendrá como jurado a los reconocidos diseñadores colombianos Pepa Pombo, Bettina Spitz, Juliana Rodríguez, Nuria Carulla, Manuel Medina y a los expertos en el tema de la moda, Arturo Tejada y Ángela Useche, quienes elegirán a los nuevos empresarios que participarán en este salón.

Los 98 expositores del evento, elegidos por el jurado, tienen preparada una gran muestra comercial, en la cual se podrá apreciar prendas para hombre y mujer, creadas para lucir en todas las ocasiones; accesorios, joyas elaboradas en plata, oro, alambre, cristales, acrílicos y mezclas con materiales reciclados; en marroquinería. Brillaran los bolsos, billeteras, morrales al igual que el calzado en diferentes técnicas; además, de ropa íntima y vestidos de baño que completarán la muestra. Son 98 los jóvenes empresarios que están incursionando en el mundo del diseño y la moda quienes participarán en el Salón Futuro en el marco de la Semana Internacional de la Moda logrando la oportunidad de exhibir frente a inversionistas y compradores todas sus creaciones.
El Salón Futuro promete en convertirse en una plataforma para jóvenes talentos en el mundo del diseño donde tendrán un espacio propicio para exhibir sus productos y presentar sus colecciones en pasarela.

Dentro de la muestra se podrá ver el talento de varios jóvenes que quieren imponer tendencias dentro de la moda nacional ese es el caso de Fernanda Arias que diseña accesorios de moda especialmente para mujeres. Sus pequeños y únicos diseños son elaborados a mano con técnicas y materiales poco convencionales como acrílico recuperados y sobrantes de producción.
Algunos de los insumos para las joyas son elaborados por amas de casa que buscan emplear su tiempo libre de una manera productiva y creativa. En el caso de las prendas femeninas, Gustavo Santa Zoque, piensa en la mujer actual que busca un estilo diferente y con un sello personal. A través de la ilustración y la gráfica de la naturaleza plasmada en zapatos, botas, bolsos y accesorios se obtiene un producto con características únicas para cada pieza elaborada cuidadosamente a través de procedimientos manuales.

Así mismo, Jorge Motta mantiene una propuesta femenina de cortes clásicos con detalles diferenciadores que hacen una prenda exclusiva, versátil y aplicable en varias ocasiones de uso; con excelentes materiales, texturas, acabados imprimiendo versatilidad y exclusividad en sus prendas con un look personalizado.

En el caso de las prendas masculinas Juan Pablo Dávila trabaja chaquetas en cuero y paño pintadas y estampadas a mano. Son piezas elaboradas con un sentido temático ya que todas son relacionadas con la historia del Rock y el Heavy Metal.

En el ámbito de los zapatos y accesorios elaborados en marroquinería, Margarita Torres presenta su colección de zapatos de gama alta para mujer. Sus creaciones son diseños exclusivos en los que logra combinar colores y detalles que hacen sentir especial a la mujer que los lleva, dado que son piezas cuidadosamente elaboradas.

HOMENAJE AL ELEMENTO BASE DEL DESARROLLO DE LA HUMANIDAD El papel, la piedra 'rosetta' del arte grafico

2010-02-18T12:30:00.000-08:00

Las bondades del papiro han sido alabadas desde el comienzo de los tiempos. Por esta razón, un grupo de artistas se reúnen para rendir culto a este material

LA Galería El Museo acaba de inaugurar la exposición colectiva “Lenguajes de Papel”, que reúne artistas nacionales y extranjeros que utilizan el papel como vehículo de expresión, convirtiéndolo en protagonista de su obra.

Se puede afirmar que el primer acercamiento al arte ha sido a través del papel; éste siempre ha sido el soporte más íntimo y cercano a la creación, sobre el que los artistas han aprendido a dibujar y le han dado rienda suelta a su imaginación. El papel les ha permitido infinidad de innovaciones y les ha posibilitado el acceso a mundos aún no definidos ni formulados.

Por su especial consistencia y versatilidad, el papel permite llegar a la máxima libertad, expresividad y espontaneidad posibles, pero al mismo tiempo es uno de los medios más exigentes en cuanto a la concentración y precisión que demanda al artista para lograr la ligereza, el orden, la armonía y la perfección en la definición de sus visiones. El papel no posibilita las correcciones, por lo que cada obra realizada sobre este soporte no sólo representa el resultado final de una idea, sino que además, permite entrever las huellas de los propios procesos creativos.

Con esta exposición se pretende rendir un homenaje al papel como vehículo fundamental del arte, como forma primaria en la condensación de una creación y como principio de la carrera artística, teniendo en cuenta que sobre este soporte se han creado desde los primeros bocetos del artista hasta obras terminadas. La instalación presenta una mirada actual a la más clásica de creación artística que, a través de diversos lenguajes, busca rescatar este material como medio fundamental de expresión y no como una simple herramienta de trabajo.

El ciclo cuenta con la participación de un selecto grupo de artistas que comienza con las obras de Lorenzo Jaramillo, y continúa con artistas iberoamericanos mucho más jóvenes que han logrado dominar el papel y hacerlo una pieza fundamental dentro de sus creaciones.

En palabras del artista Gonzalo García, quien participa dentro de la exposición “Pump Me Up”, su aporte a la exposición es una reflexión acerca de la tecnología “Mi obra reflexiona sobre la influencia de las TIC’S en la vida cotidiana, específicamente en el plano psicológico, explorando y desarrollando un trabajo que concibe los artefactos y herramientas que nacen día a día como mecanismos de empoderamiento personal y como metáforas de la incertidumbre de identidad del hombre actual. Pump Me Up aborda el tema de la presencia casi omnipresente de lo tecnológico a través de la sexualidad y el papel que desempeñan los dispositivos tecnológicos como ‘protagonistas’ de nuestras propias vidas”.

Por su parte el artista Esteban Peña opina que “la importancia de las artes visuales el punto es el elemento mínimo. La línea está hecha de puntos; todas las formas, tanto las simples como los volúmenes complejos, se componen de puntos. Lo que no podemos ver en detalle por su tamaño reducido aparece ante nosotros como un punto. El punto geométrico no tiene dimensión ni escala. Cuando hacemos que sea visible como mancha concéntrica señala una posición en el espacio. Si se desplaza describe el curso de una línea, pero es en esencia un punto. La línea puede describir un desplazamiento en el tiempo; el punto, por su forma, niega el movimiento”.

Por otro lado el artista Gustavo Villa, autor de la obra llamada “El breve espacio”, explica que su intención con este ejercicio es la de entregarse conscientemente a no actuar y así permitir que fluya la inspiración por medio del dibujo, “como una especie de legado del tiempo usado, cargando en todo momento dentro de mi bolsillo lápiz y papel, y mediante esa operación de entrega y captura, dejar la huella no sólo del momento si no de todas las cosas que constituyen un dibujo, como el gesto del medio ambiente con sus temperaturas o humedades, las condiciones de luz, los estados de ánimo”.

Así mismo el artista indicó que le interesa señalar la noción del pliegue o sutura de los planos del tiempo, mediante la composición resultante en el espacio, en una superficie llena de elongaciones. “Esto me hace pensar en el Origami, tal vez el dibujo más silencioso que hay, un acordeón, o una cartografía”.

ENTRE EL ROMANTICISMO Y LOS MUEBLES CLÁSICOS La habitación infantil: un viaje a la magia y color

2010-02-18T12:29:00.000-08:00

La distribución adecuada de los espacios es clave para que el niño se sienta seguro, abrigado y sobre todo, libre para correr y jugar

EL RETORNO de lo romántico en la decoración de los cuartos de los niños se manifiesta en el uso de muebles tradicionales con toques contemporáneos, que contrastan con los juguetes y accesorios modernos.

El tamaño de la habitación no es importante, lo que hay que tener en cuenta es la utilidad que tienen los muebles y la distribución de los mismos. Para esto es necesario determinar las cuatro actividades que realizan los niños en el momento de organizar la habitación: jugar, dormir, estudiar y almacenar sus juguetes.

Esta distribución debe realizarse con divisiones sutiles entre los espacios y los muebles de la habitación. Para el piso pueden utilizarse tapetes didácticos que determinen el espacio; en cuanto a las paredes se sugiere que sean de un solo tono para que contraste con el colorido del tapete y se sugieren diferentes grados de iluminación.

Para el rincón de juegos es recomendable tener aquellos elementos que el niño utiliza para divertirse a diario y por ello es importante saber cuál es su actividad favorita para así poderlo amoblar de una manera adecuada. Por ejemplo, si una de sus aficiones es leer, se le debe acondicionar una silla cómoda y una buena lámpara. Si su actividad favorita es jugar con carritos, debe adecuarse un espacio donde pueda moverse libremente y una superficie lisa para que de rienda suelta a su imaginación.

Para las niñas, se puede decorar el espacio de juegos con unos cojines en el suelo y un sofá pequeño tapizado en tonos pastel, que sea resistente y fácil de limpiar, para crear una pequeña sala.

En el caso del área de descanso de la habitación, que se encuentra definida por la cama, en necesario pensar en las posibles visitas de los primos o amigos. Por esto se recomienda un camarote o una cama auxiliar. Para vestir la cama, un edredón del tono de las paredes será suficiente. No se recomienda usar cubrecamas con motivos saturados con el personaje de moda ni dejarlos por semanas, ya que acumulan polvo y pueden ser prejudiciales para la salud.

Así mismo, es bueno tener una lámpara que sea acorde a la decoración de la habitación sobre la mesa de noche.
Para el área de estudio, lo ideal es servirse de la ventana que es fuente de luz natural. En las noches la lámpara debe tener una caperuza amplia y una tonalidad amarilla, para que pueda ver con claridad. Es necesario tener a disposición una mesa de trabajo donde se sienta cómodo para realizar sus tareas y que disponga de varios cajones para guardar los libros y útiles que usará en casa.

EL ARTE DE ESCRIBIR CON METALES Al interior de las Variaciones de Johana Calle

2010-02-18T12:19:00.000-08:00

Con elementos que simulan los signos de diversos sistemas se abordan textos musicales o taquigráficos que están presentes en cada uno de los cuadros desarrollados por la artista en su instalación.

LA GALERÍA Casas Riegner presenta en la exposición de Johanna Calle, un conjunto de obras recientes donde analiza el concepto del dibujo planteado a partir de diferentes formas de escritura.

Al examinar la representación de las caligrafías propuestas por la artista, encontramos variaciones que hablan de la singularidad del trazo. Ella aborda la taquigrafía, los manuscritos, los pentagramas, las cartas y rescata las cualidades estéticas del gesto escrito. Plantea el dibujo como un campo abierto a la experimentación de materiales como el metal o las sedas quirúrgicas.

El título de la exposición, Variaciones, contempla aproximaciones alrededor de temas, que al cotejarlos con los modelos a partir de los cuales se estructuraron, muestran sutiles diferencias. Algunos ejemplos de ello son los pentagramas o las partituras de piezas musicales escogidas. Se reconocen los códigos a partir de los cuales se les representa como -por ejemplo- en líneas paralelas. El espectador codifica un signo poético y el contexto permite que un elemento metálico se pueda leer como una nota musical.

A partir de elementos que simulan los signos de diversos sistemas se abordan textos musicales o taquigráficos, el registro de mapas, cartas personales o la representación gráfica de la actividad cerebral; las partituras son para la artista una definición que corresponde a cada uno de los instrumentos que se ejecutan dentro de ella.

En el caso del pentagrama compuesto por cinco líneas paralelas, o las notas representadas por puntos, el espectador logra codificar un signo poético dentro de cada una de las obras y contextualizar cada uno de sus elementos, permitiendo que una pieza metálica se pueda leer como una nota musical. Esto lo define Johana calle como la esencia del metalingüismo.

En esta exposición la artista aborda diversas formas para referirse al dibujo, ya que considera que es una disciplina abierta a la experimentación. Desde hace más de 15 años usa la escritura como dibujo, desarrollando así una técnica cercana al ensamblaje. En sus obras utiliza diferentes piezas metálicas sobre soportes que va ajustando a medida que aborda diferentes temas. El resultado es la combinación de dos modalidades: dibujar escribiendo y escribir con metales.

Calle selecciona elementos y materiales poco convencionales (agujas hipodérmicas, mallas de contención, alarmes, tornillos, chatarra, etc) que utiliza dentro de sus instalaciones para definir puntos y líneas. A partir de éstos logra desarrollar un conjunto de reglas que sirven únicamente para ciertas imágenes.

Johana Calle no cree en fórmulas inamovibles, sino más bien en reglas elásticas que pueden adaptarse a circunstancias particulares. Así logra crear sistemas cuya aplicación está limitada a una obra o a un grupo reducido de imágenes.

En esta exposición se puede ver la relevancia que le da la artista a formas menos empleadas de escritura, como es el caso de la taquigrafía, o los manuscritos, que han caído en desuso, mostrando de esta manera el interés por rescatar las cualidades estéticas que existen en un gesto escrito.

La artista denota su marcado interés por la música escrita. Así la lectura de algunas de sus obras debe hacerse de manera horizontal, como un texto impreso, pero al mismo tiempo, de manera vertical. En cada una de ellas participan nociones de escritura y matemáticas.

Sobre la artista

Johanna Calle ha expuesto extensamente de manera individual en Colombia, con Zona Tórrida en Casas Riegner y con Pretérita en la Fundación Alzate Avendaño en 2006; con Laconia en el IV Premio Luis Caballero en el 2007, con Variaciones Políticas Del Trazo en la Fundación Teorética de Costa Rica en 2008, curado por Virginia Pérez-Ratton.

Ha participado en exposiciones colectivas como Interrogating Systems en la Fundación Cifo Cisneros Fontanals Art Foundation en Miami, en 20 Desarreglos, curada por Gerardo Mosquera, Cartas De La Persistencia e Historia Natural y Política, en la Biblioteca Luis Ángel Arango en Bogotá, curada por José Roca. Además en Artists And War en el Museo de Arte de Dakota del Norte en el 2009.

Más recientemente expuso en la VII Bienal de Mercosur en Brasil en 2009, invitada por Victoria Noorthoorn.

Exposicion de arte de Miltos Manetas en Bogotá

2010-02-12T05:46:00.001-08:00

Audio de la entrevista realizada a Isabella Santodomingo

2010-02-12T05:17:00.001-08:00

PINTURA EN CERÁMICA CON UN TOQUE DIFERENTE Y ÚNICO La naturaleza inspira a Juanita Richter

2010-02-12T05:11:00.002-08:00

Durante 30 años la artista ha recreado fielmente la fauna y flora colombianas en sus creaciones sobre baldosa en cerámica y ahora incursiona sobre accesorios.

JUANITA RICHTER es la heredera de la escuela de su padre Leopoldo Richter, reconocido, pintor y ceramista alemán que hasta el día de su muerte no se cansó de plasmar la belleza del paisaje de la Sabana de Bogotá. Juanita por su parte se formó como aprendiz en un refugio ecológico creado por sus padres a las afueras de la capital del país, creciendo bajo la influencia del arte y la naturaleza.

Durante más de treinta años de contacto con la cerámica, el color y la inspiración han logrado evolucionar permitiendo que lo artístico se apropie de sus creaciones y que la cerámica sea el medio en donde canaliza y comunica sus ideas y pensamientos por medio del arte pictórico.

EL NUEVO SIGLO: ¿En que se inspira a la hora de hacer sus obras?
JUANITA RICHTER: Me inspiro en la naturaleza y la vida, ya que no hay nada más bello que plasmar en un lienzo o en una cerámica que el reflejo de lo que vemos a diario; por eso utilizo elementos cotidianos como las plantas, los animales o la misma humanidad para realizar mis creaciones. Podría decirse que mi obra durante estos 30 años gira en torno a dos temáticas centrales que surgen de la relación que tengo conmigo misma y con el entorno que me rodea.

ENS: ¿Cuál es la técnica que más aplica en sus obras?
JR: Bueno, yo me he especializado en pintura sobre cerámica, pero desde el año pasado he llevado mis pinturas a materiales muy apartados de la porcelana, como lo es la tela, por lo que muchas de mis obras ahora pueden verse en cojines, pañuelos y bolsos manteniendo la temática de los cuadros en cerámica, dándoles así un toque diferente y único a los accesorios de las personas que los adquieren.

ENS: ¿Cómo fueron sus inicios en el arte?
JR: Comencé a los 17 años a pintar de la mano de mi padre y a aprender de su experiencia, permitiendo de esta manera que mi trabajo tuviera una evolución en el manejo del mural, y ahora estoy experimentando con nuevos materiales como la tela, la seda y los platos y jarrones en cerámica.

ENS: ¿Qué cree que influenció en usted la obra de su padre Leopoldo Richter?
JR: Bueno, es claro que desde mis inicios él fue una fuerte influencia, al punto que he querido de cierta manera perpetuar su obra al continuar trabajando sobre cerámica al igual que él lo hacía, pero podría decir que el hecho de yo ser una mujer le da un toque especial y delicado a mis obras y creo que eso es lo que marca una gran diferencia entre su trabajo y el mío.

ENS: ¿Cuál cree que es el factor más importante en el desarrollo de la técnica de pintura sobre cerámica?
JR: Bueno, yo manejo baldosas de cerámica cruda, en donde el uso de esmaltes pasteles y mate es fundamental y para lo que es necesario tener una gran concentración y precisión en su aplicación, ya que al momento de llevarlos al horno para el proceso de quemado el color que resulta siempre es diferente al que se aplicó en su inicio, por lo que para mí siempre es una sorpresa lo que este proceso da como resultado, que creo que es la magia de esta técnica porque nunca se sabe qué va a resultar.

ENS: ¿Cómo definiría su obra en estos 30 años?
JR: Yo la definiría como realista, ya que intento alejarme lo más posible de lo abstracto ya que me dedico a pintar animales de nuestro país para así mostrar su belleza al mundo e intento reflejarlos lo más fiel posible. A pesar de que la obra de mi padre claramente influenció mis inicios en las artes plásticas, pienso que en estos treinta años el desarrollo y búsqueda de nuevas tecnologías y la perfección del trabajo de pintura sobre cerámica es lo que me diferencia de él y me hace diferente a muchos artistas que también trabajan esta técnica.

ENS: ¿Qué puede destacar de su última exposición?
JR: Bueno, yo siempre trabajo mis exposiciones de la mano de otros artistas; en esta ocasión lo hice junto a Clara Hancock, que pinta sobre seda, y el ver como se mimetizan y complementan el óleo y materiales como la seda fue lo que me animó a experimentar y plasmar mis ideas, como dije anteriormente, en otros materiales y formatos. Así mismo he empezado a pintar en platos y jarrones últimamente sin dejar de lado la pintura sobre baldosa, que es lo que he desarrollado en los últimos 30 años.

ENS: ¿Piensa en lanzar una nueva exposición próximamente?
J.R: Sí, de hecho estoy planeando una para marzo donde pienso participar con un artista plástico que realiza sus trabajos con acuarela; pero aún nada es seguro, ya que estamos en el proceso de ultimar detalles para la realización.

HOMENAJE A FELIZA BURSZTYN EN EL MUSEO NACIONAL El Ministerio de Cultura presenta esta exposición hasta el 28 de febrero de 2010.

2010-02-12T05:11:00.001-08:00

El Ministerio de Cultura presenta esta exposición hasta el 28 de febrero de 2010.

HACE 27años murió en París la artista bogotana Feliza Bursztyn, pero esto no ha impedido que sus esculturas elaboradas en chatarra y residuos de acero sean recordadas en el siglo XXI, al igual que no son olvidadas sus constantes discusiones sostenidas en la década de los 60 acerca del uso de material no convencional en el arte.

Su obra desde un comienzo explora las posibilidades de hacer arte con materiales diferentes al mármol y al bronce, transgrediendo así los cánones de la escultura en la época, plasmando una abstracción indisciplinada que involucra en cada figura espacio y espectador. Esta exposición hace parte del programa Homenajes Nacionales, en donde los curadores revelan al espectador tres propuestas básicas de la obra de Bursztyn a la hora de ser producida como lo son la poesía, el movimiento y el espacio.

La muestra es curada por tres jóvenes investigadores egresados de arte: Camilo Leyva, Manuela Ochoa y Juan Carlos Osorio, con la coordinación de la Curaduría de Arte e Historia del Museo Nacional, y propone una mirada diferente y del siglo XXI a la producción de la artista Feliza Bursztyn como escultora.

Los curadores piensan que su particular forma de hacer ceder el metal sin someterlo a la fundición, enseñó a las generaciones posteriores de artistas las múltiples y variadas posibilidades que tienen las limitaciones técnicas dentro del mundo de las artes plásticas.

La obra de Feliza muchas veces ha sido cuestionada por la manera en que experimentó con materiales inusuales en la escultura como la chatarra y los residuos del acero. De esta manera, Bursztyn logró cambiarle el sentido a la representación de las artes plásticas y abrió la puerta a nuevas perspectivas en el ámbito escultórico colombiano; por esta razón sus obras son consideradas como únicas y como artista es un caso irrepetible dentro del arte moderno colombiano.

En el año de 1979 las esculturas Siempre acostada, Las camas y La baila mecánica fueron presentadas como espacios ambientales para los espectadores. En esta oportunidad, es una de las primeras instalaciones realizadas en el país.

En éstas el lugar de exhibición se integra a las esculturas, el sonido, las luces y el movimiento. La obra se expande e involucra al espacio y al espectador. El ambiente creado por Bursztyn se acerca a lo absurdo y teatral, acentuado por la acción mecánica de las esculturas, la música y la penumbra.

El Museo Nacional realiza esta exposición en el marco del Programa de Homenajes Nacionales, en donde expone muestras de los grandes maestros del arte colombiano y explica aspectos especiales y particulares de sus producciones. Asimismo, destaca el aporte de la escultura como pionera en la exploración y la apropiación de un lenguaje plástico innovador.

¿Quien era Feliza Bursztyn?

Feliza Bursztyn nació en Bogotá en 1933. Estudió pintura en el Art Students League de Nueva York y escultura con el artista ruso Ossip Zadkine en la Academie de la Grande Chaumière de París. Su exploración de la materia comenzó gracias al trabajo con el escultor francés César Baldaccini y es a partir de 1961 que se decide por el uso de la chatarra en su obra. Bursztyn perteneció a una generación que cambió el escenario de la cultura colombiana.

La casa-taller en Bogotá de Feliza fue lugar de encuentro de escritores, artistas e intelectuales como Gabriel García Márquez, Alejandro Obregón, Marta Traba, Álvaro Cepeda Samudio, Santiago García, Jorge Gaitán Durán, Fernando Martínez Sanabria y Hernando Valencia Goelkel. El exilio de la artista a México en 1981 da cuenta de las condiciones políticas y sociales del país en ese momento.

Feliza muere en París el ocho de enero de 1982, dejando un legado escultórico que el Ministerio de Cultura y el Museo Nacional quieren resaltar.

EXPOSICIÓN FOTOGRÁFICA EN EL BANCO DE LA REPÚBLICA Sheikh, un ‘recopilador” del dolor del Tercer Mundo

2010-02-12T05:10:00.003-08:00

Por primera vez en Colombia se podrá apreciar el trabajo que este artista ha realizado en los últimos 20 años en varios continentes.

FAZAL Sheikh es uno de los personajes más representativos al interior del mundo de la fotografía documental ya que sus trabajos, a pesar de ser dignos de un reportaje periodístico, se alejan de él para reflejar la estética que capta la atención del espectador sobre temas difíciles de manejar, como lo son los dramas humanos que viven los continentes de África, América y Asia, por medio de retratos sencillos, directos, y de una composición equilibrada en la que evita magnificar el sufrimiento de sus protagonistas dejando un resultado final de empatía entre el fotógrafo y los personajes. Sheikh pone un rostro cercano al drama que viven estos países día a día y contribuye a que nos acerquemos un poco más a él.

Sheikh comenzó a estudiar fotografía en Princeton a mediados de los años ochenta y desde sus inicios se interesó por el autorretrato, pero su trabajo da un giro después de graduarse en 1987, cuando viajó por toda África y pasó varios meses haciendo fotos en Kenia y en los territorios reservados a la población negra en Sudáfrica. Su padre es natural de ese país, por lo que pasó varias veces sus vacaciones en Nairobi con su familia paterna. Aprendió a hablar suajili, lo que le ayudó a desarrollar de manera apropiada sus primeros proyectos en el continente africano y le dio facilidad para lograr comunicarse de manera acertada con las comunidades de refugiados que entonces documentaba.

Dentro de sus obras, los textos que acompañan las imágenes tienen una gran importancia. En ellos Sheikh describe el contexto que rodea a cada una de las fotografías, indica el lugar, el acontecimiento, los datos históricos, la información de la persona que retrata. En 1998 añadió un componente más y empezó a recoger las historias de sus protagonistas, para asociarlas con sus rostros.

Durante los últimos años, las fotografías Sheikh han captado la atención de la crítica y han estado presentes en los principales museos norteamericanos y europeos. En 2005 fue reconocido con dos de los más importantes galardones que puede recibir el trabajo de un fotógrafo: el MacArthur Fellowship y el Henri Cartier-Bresson International Grand Prix. La exposición que trae a Colombia reúne una colección de sus mejores fotografías entre las que se destacan una variedad de series que van desde el año de 1989 hasta el 2008 y estará a disposición del público en la Galería de Arte del Banco de la República desde el 27 de enero hasta el 28 de marzo, con entrada gratuita.

Lo que verá el público

Kenia (1989-1991) y Sudáfrica (1989) albergan los trabajos iniciales de Fazal Sheikh.
A Sense of Common Ground y África del Este (1992-1994). Es una serie de fotografías que el artista captó durante su primer viaje a Kenia a la frontera noroeste con Sudán. Durante los tres años siguientes de su travesía, recorrió diversos campamentos de refugiados de Kenia, Malawi y Tanzania a los que habían acudido miles de personas huyendo del genocidio de Ruanda.

The Victor Weeps, Afganistán (1996-1998). En el año de 1996, en busca del legado de su abuelo, Sheikh realizó un viaje por Nepal, Bután y Pakistán. Cuando llegó a la frontera entre Pakistán y Afganistán se encontró con que en la zona se habían establecido más de un millón de refugiados afganos en poblados creados tras la invasión soviética de su país en 1979.

Simpatía, Brasil (2001). Los protagonistas de esta serie son los inmigrantes del Gran Sertão brasileño. En lugar de utilizar testimonios para acompañar a sus retratos, Sheikh eligió simpatías, pequeños dichos, mezcla de folclore y religión, que los trabajadores utilizan como guía en sus vidas.

Moksha, India (2003-2005). En 2003 Sheikh realizó su primera visita a Vrindavan, en el norte de la India. Esta ciudad es conocida en toda la India como el santuario de miles de viudas hindúes que llegan allí todos los años, la mayoría para quedarse hasta su muerte. Cuando Sheikh tuvo más información sobre las viudas, quiso encontrar la forma de hacer algún trabajo documental sobre ellas y atraer la atención hacia el sistema represivo que gobernaba sus vidas.

Ladli, India (2005-2008). Esta serie completa el retrato sobre la discriminación que sufren las mujeres en la India. Trabajó principalmente en el norte, en Gujarat, Punjab, así como en el centro y los suburbios de Nueva Delhi.

PERFORMANCE Juan Andrés Posada, pionero del action art en Colombia

2010-02-12T05:10:00.001-08:00

La música y la pintura armonizan de la mano del artista permitiéndole al público disfrutar de una performance llena de arte.

El action art es conocido en el mundo como una performance en que los artistas que lo realizan utilizan la música y su imaginación para crear bellas obras de arte muchas veces abstractas y algunas otras tan reales que impresiona la rapidez con que fueron realizadas. Influenciado por el pop art, Juan Andrés Posada es uno de los pioneros de esta técnica en Colombia, siendo catalogado por muchos como el pintor más rápido del país ya que logra terminar una pieza en gran formato en menos de 15 minutos.

Para conocer un poco más de su trayectoria EL NUEVO SIGLO habló con él para conocer un poco de esa técnica.

EL NUEVO SIGLO: ¿Qué es el action art?
JUAN ANDRÉS POSADA; Es un espectáculo en donde la música y el arte se fusionan dejando como resultado magníficas creaciones; podría definirse como una performance en donde los espectadores pueden acercarse a lo que sucede al interior del taller de un pintor pero con la diferencia que sucede en corto tiempo.

ENS: ¿Cómo fueron sus inicios en el arte y particularmente en esta técnica?
JAP: Bueno, yo comencé a interesarme por el mundo de las artes plásticas desde mi infancia, pero a los 20 años fue que comencé de una manera autodidacta a experimentar y a incursionar más en serio en el tema de la pintura pasando por diferentes estilos como el expresionismo, el abstracto, entre muchos otros. Pero hace 4 años me empezó a llamar la atención la manera en que algunos artistas norteamericanos y europeos lograban en un mismo lugar armonizar a sus seguidores y sus obras mientras las realizaban ofreciendo siempre un espectáculo diferente.

ENS: ¿Qué lo diferencia a usted de los demás artistas que realizan action art en el mundo?
JAP: Es importante resaltar que somos muy pocos los artistas que nos dedicamos a esto ya que es necesario tener mucha creatividad para lograr que los espectadores salgan con algo más que haber pasado un buen rato viendo el performance. Creo que me diferencia el ser baterista y pintar retratos al ritmo de mis piezas musicales y que lo hago de manera rápida.

ENS: ¿Qué lo inspira al momento de pintar en tan corto tiempo?
JAP: La música, esa es mi musa en todos mis espectáculos, al igual que el ambiente que se mueve alrededor; creo que esto es fundamental para mí a la hora de pintar.

ENS: ¿Qué materiales e insumos utiliza en su espectáculo?
JAP: Bueno, yo uso elementos poco comunes en el arte tradicional como lo son las brochas, rodillos, espumas, escobas y las manos; creo que eso es lo que más llama la atención ya que al hacer piezas en gran formato a los espectadores les sorprende que se logre en tan corto tiempo. En el caso de la pintura utilizo los vinilos para que tengan un secado rápido después de terminados los cuadros.

ENS: ¿Qué artistas lo han influenciado a lo largo de su carrera?
JAP: Principalmente Andy Warhol, la manera en que manejó el pop art es algo que me ha ayudado a trazar una corriente a la hora de pintar mis cuadros. Así mismo el pintor francés Jean Francois Detaille; desde el momento que vi su trabajo supe que podía hacerlo igual o mejor que él y en esto llevo ya 4 años.

ENS: ¿Qué es lo más importante que se debe tener a la hora de realizar esta técnica?
JAP: Tener conocimiento de los materiales que se van a utilizar y sobre todo tener la creatividad y la concentración para lograr grandes obras maestras en un ambiente poco convencional; así mismo definir qué estilo se va a utilizar, si el abstracto, el impresionista, el realismo, etc., para no cometer errores delante del público.

CABELLOS CON ESTILO CASUAL Y AIRE RETRO Regresan los peinados de los 90’s

2010-02-12T05:09:00.001-08:00

Lo “in” está en lucir cortes que brinden una apariencia de libertad, seguridad y glamour. Los flequillos, las extensiones, lo “punk”, los rizos y un aspecto natural mandan la parada.

Según el estilista Emir Kent, las mujeres este año tienen la ventaja de que no hay parámetros definidos para esta temporada, los peinados se inclinan a retomar los estilos casuales y con aires retro de los años 90, según expresó el estilista Emir Kent.
“Existen varios looks de donde se pueden sacar ideas y así poder crear un estilo personal”, comenta, por su parte, el también estilista Norberto.

Los estilistas se la juegan por una apariencia natural y versátil. Los flequillos se están usando de nuevo. Éstos pueden usarse al lado derecho o izquierdo del rostro. “Este tipo de peinado, por ejemplo, ayuda a estilizar las facciones del rostro”, afirmó Kent.

Los copetes que se usaron en los años 90 son ahora un ‘look’ muy solicitado y de los cuales se pueden realizar muchas variaciones. Lo más importante es no usar gel sino dejar que se vea lo más natural posible.
“Este tipo de estilo de peinado se asemeja mucho al que usa la artista Gwen Stefani, que es sin duda un buen referente”, señaló Norberto.

Formas y colores

Otras tendencias de las cuales se inspira la moda de este año, es el estilo punk un poco más reservado. Regresan las puntas hacia arriba, los ‘mohaks’, y los colores vistosos continuarán usándose durante todo el año, pues este tipo de peinados ayuda a lucir casual y moderno al mismo tiempo.

Para las mujeres que tienen el pelo liso y escaso, la recomendación son los cortes ‘degrafilados’ o en capas con las puntas definidas, esto afina y alarga el rostro. Así mismo contrasta con aquellos peinados que dan volumen y los ‘looks’ que dan la impresión de estar recién levantado.

Aquellas mujeres de cabello ondulado deberían volver a los ‘rizos retorcidos’ y rulos a la mitad del cabello, pues son la opción indicada, dice Norberto.
“La gracia de llevar este tipo de peinados está en mostrar una forma definida y creativa, manejando de esta manera el volumen de este tipo de cabello”, agregó el estilista.

Accesorios

En lo que a accesorios se refiere, hebillas, trinches, caimanes, diademas y demás deben ser de colores vivos, ya que hacen lucir de una forma diferente los peinados. Así mismo las extensiones se pueden considerar como una alternativa para reemplazar las iluminaciones, pues tiene la ventaja de no tener que esconder la raíz del cabello y así mantenerlo saludable.

En el caso de los colores para esta temporada, Emir Kent dice que la tendencia son los tonos oscuros como castaños, rojos y chocolates. Lo ideal es usar, en vez de una sola tonalidad, varias de la misma gama, dándole así profundidad y variedad al cabello.

“Las tonalidades rubias ya no estarán tan de moda como antes, sino más bien el estilo latino”, señala Kent, quien a tiempo asegura que la tendencia de oscurecer el cabello está siendo muy usada en Europa y Estados Unidos.

“Lo mejor de lucir al natural y con un cabello saludable es evitar someterlo a cambios continuos, a secadoras y a los efectos dañinos de la plancha y las tinturas que al final terminan con el brillo”, opina Norberto.

“Adiós cabellos pisoteados todos los días, ‘colas de caballo’ o rizos sin definición, porque los peinados de esta temporada no son nada complicados de realizar, pero sí que sean elegantes”, afirmó Norberto.

Este año podrán lucir como las estrellas de la película “Vaselina” y otras series que causaron sensación en décadas pasadas, apostando a una apariencia fashion y retro, pero sobre todo natural, coincidieron los estilistas.

De todas formas lo más importante es que sin prestar atención al corte que quiera llevar, lo principal es sentirse cómodo con la apariencia y cuidar la salud del cabello.

UNA “CULTURA” QUE TOMA FUERZA EN COLOMBIA El anime manga es más que una expresión artística

2010-02-12T05:04:00.001-08:00

Aunque su origen fue para darle una opción de literatura diferente a los adultos, en la actualidad su cantidad de géneros cubre todas las edades

PARA ENTENDER la animación japonesa hay que tener claro que se divide en dos partes: el manga y el anime. El manga es un libro de caricaturas que se lee de derecha a izquierda y comienza de atrás para adelante. Tiene una serie de entregas, igual que los comics occidentales.

Por su parte, el anime son las mismas historietas pero llevadas a la televisión.
La principal característica de este género es que los dibujos de los personajes tienen ojos grandes y cuerpos casi esculturales, en donde sobresale la anatomía humana en todo su esplendor.

Tanto en el papel, como en la televisión, el manejo que se le da a los planos es en cámara lenta y por lo general, la temática está relacionada con casos de la vida real. Prueba de ellos son conocidas series de televisión como Candy Candy y Supercampeones, entre otras.

Historia del manga

Este tipo de animación japonesa data del siglo XVII , pero llegó al mundo occidental a finales de los años 60, cuando Osamu Tezuka le dio movimiento a los mangas y los llevó a la televisión, con el objetivo de hacerle competencia a las series de animación occidentales. Tezuka le añade a estas historietas planos y movimientos de cámara que se usaban en el cine por esa época.

En Colombia incursiona este nuevo tipo de animación en los años 80 con la famosa serie Astroboy. Dado su éxito, comenzaron a llegar más series como Meteoro, Mazinger Z, Candy Candy, etc.

Por esa época era muy poco lo que se conocía del manejo de estas series en Japón y se catalogaron como programas infantiles sin serlo, por lo que desde ese momento ha causado una gran polémica, ya que muchos de sus contenidos son dirigidos para adultos, pero se presentan en horarios familiares.

Los seguidores

A raíz del auge de estas series en Colombia, aquellos niños que crecieron viéndolas, crearon un movimiento alrededor de este tipo de arte y fundaron clubes de fanáticos donde se realizan cine foros en las universidades y otros centros culturales.

Uno de estos casos es el grupo Sekai Anime conformado por estudiantes de la Universidad de la Sabana, que semanalmente realizan proyecciones para todos los amantes de este género.

Los otakus colombianos, en japonés la palabra otaku se utiliza para denominar a una persona que es fanática de algo, se han encargado de promover el anime con proyecciones de películas y venta de artículos originales de las series. Este es el caso del grupo Daigaku Manga que lo conforman estudiantes de la Universidad Nacional, los cuales anualmente realizan festivales, congresos y foros con el fin de mostrar este arte en toda su expresión al público bogotano, y desde el año 2002 tienen a la venta una revista mensual llamada Zenku, en donde se puede encontrar toda la información de la evolución del anime manga en Colombia.

“El ser fanático del anime no es sólo seguir una serie, es vivir por el anime, sentirlo, es investigar acerca del trasfondo real de la historia que se está siguiendo”, expresa Jorge Martínez, un afiebrado otaku.

Algunas de las series que son proyectadas en la televisión son llevadas al cine y se convierten en sagas de hasta cuatro o más películas. Este es el caso de Caballeros del Zodiaco, que en la pantalla gigante tuvo cuatro continuaciones.

Así mismo, han surgido clubes o lugares donde los fanáticos de este género pueden aprender a dibujar manga. Según Liz Mogollón, quien tiene un taller de dibujo en Bogotá, “lo que caracteriza principalmente a este tipo de animación son los trazos simples que se manejan, ya que éstos no sólo embellecen las figuras que se hacen, sino que su elaboración es fascinante”.

Los cursos para aprender a dibujar manga no son largos, por el contrario, tienen una duración máxima de un mes y su costo no supera los cuarenta mil pesos. Tan sólo son necesarios un buen juego de lápices, colores, papel e interés por esta expresión artística para empezar a dibujar.

PARA ESTE PRIMER SEMESTRE Pantalones estrechos, colores oscuros y estilo ‘vintage’ se tomaron las pasarelas en Milán

2010-02-12T05:03:00.000-08:00

Pantalones estrechos, colores oscuros y estilo ‘vintage’ se tomaron las pasarelas en Milán

UN espíritu rebelde dominó las colecciones masculinas presentadas el domingo pasado en Milán por los diseñadores de moda, que para el invierno proponen una tendencia rock puro y duro, el estilo tenebroso o la inspiración militar.

Tony Mayer vuelve, para Bottega Veneta, al estilo roquero con pantalones estrechos o jeans doblados a la altura del tobillo que dejan ver calcetines blancos y zapatos con suelas gruesas.

Corbatas tipo western usadas con camisas arrugadas completan esta pinta un tanto pasada de moda. La colección, de colores oscuros con toques intensos (rojo, violeta) propone igualmente conjuntos más deportivos en nylon ultra ligero.

El estilo rock-and-roll también se impone en la casa Roberto Cavalli, que hace del pantalón la pieza clave de la colección. Apretado y muy recto se usa corto sobre zapatos rangers, en todas las versiones posibles del cuero: simple y dúctil, roto y deshilachado, trabajado en finas tiras trenzadas de diferentes colores, esculpido o con motivos impresos.

De su lado, Frankie Morello abandona su acostumbrado humor para hacer resurgir el lado raro y oscuro del hombre. Los pantalones recuerdan los uniformes de los jugadores de fútbol americano, apretados y reforzados con rodilleras o acolchonados, incluso claveteados.

Con aires pendencieros los muchachos se pavonean a veces con el torso desnudo o con cargadores, el rostro cubierto con pañuelos estilo hooligans. Para exagerar la provocación no dudan en llevar sobre los pantalones unas falditas plisadas o unos pullovers largos que parecen ropas.
La diseñadora Vivienne Westwood también se mostró muy desafiante.

El primer modelo salió de un albergue de cartón vestido con un suéter en forma de capuchón, el pantalón metido dentro de altos calcetines y una lanilla cubriéndole los hombros.
Otro andaba con un colchón de espuma enrollado bajo el brazo, un cuello tortuga todo agujerado.

Las siluetas de estos hombres extravagantes de la jungla urbana es una verdadera colcha de retazos de materia y motivos disparatados, que alternan con trajes más clásicos de saco, pantalón y chaleco o un kilt modernizado.

En un estilo opuesto, Salvatore Ferragamo propuso un guardarropa suave de estanciero de la Pampa con sombrero de fieltro, botas, largas bufandas de franjas tejidas y gruesos abrigos en piel de oveja, al revés. Los colores cálidos recuerdan el otoño: malva, chocolate, óxido, morado.

El hombre de Gianfranco Ferrè se protege también contra las bajas temperaturas envuelto en largos abrigos hasta los tobillos que parecen capotas militares, con cuellos de pieles y protección acolchonada contra el viento cosida en la parte superior de la espalda.

Como un príncipe de la tundra, lleva con comodidad vestidos fluidos de grandes chaquetas apretadas en la cintura con una fina correa y pantalones anchos.
Prada reduce de su lado el vestuario masculino a lo esencial, con sólo algunos sacos a manera de accesorios y piezas clásicas para muchachos tranquilos, vestidos en tonos beige, negro, crema o azul.

La chaqueta muy simple se lleva sobre un suéter encogido, del que sobrepasa la tradicional camisa azul cielo./AFP

LO ÚLTIMO EN ACCESORIOS Las piedras volcánicas ahora en la joyería artesanal

2010-02-12T05:01:00.004-08:00

Formas, colores y texturas se combinan en una creación exclusiva en la que los anillos, aretes, gargantillas y mancornas se destacan por su simpleza y armonía

ELEGANCIA, exclusividad y mucha química surgen entre la piel femenina y las joyas artesanales. Ahora los quilates no son los únicos que coquetean con las camisetas y los vestidos. Las piedras naturales combinadas con metales se imponen y pisan fuerte en el mercado nacional y extranjero.

Carolina Arbeláez es una de las diseñadoras colombianas que desde hace algunos años viene innovando en la creación de joyas hechas a mano, plasmando en ellas formas y colores en una combinación entre el metal y las piedras, que le dan un aire sencillo pero elegante a cada uno de sus diseños.

“Toda la vida he sido amante de los accesorios y por ello, me dediqué a estudiar joyería, formas y texturas. Desde entonces, comencé a elaborarlas yo misma y empecé por los anillos, también uso piedras y de hay nacen muchos diseños”, señala Arbeláez.

Entre sus creaciones predominan el oro, la plata y las piedras naturales de muchos colores trabajadas sin molde, por lo cual todas sus joyas son exclusivas, rescatando la parte artesanal que es lo que más gusta entre los clientes.

“Generalmente las personas a la hora de comprar tienen muy en cuenta el diseño y el hecho de que sean piezas únicas y por ello, trabajo bastante para que queden muy bien terminadas y no se vean como una joya barata y simple, pero tampoco demasiado costosa. Siempre mantengo el equilibrio”, asegura Arbeláez.

Los anillos, aretes, gargantillas y mancuernas se destacan entre sus trabajos. Esta diseñadora todo lo elabora a partir del fundido. “Utilizo plata en bruto y después le hago la aleación para fundir y buscar la forma que yo quiera”, comenta.

Las creaciones de Carolina Arbeláez son elaboradas para jóvenes y señoras que buscan joyería artesanal. La diseñadora asegura que lo más vendido en el país es la plata, no sólo por su belleza y estética sino por seguridad y costo.

“Siempre que vendo mis joyas asesoro a mi cliente, analizo la forma de su rostro si es en cuestión de aretes, o para los anillos siempre tengo en cuenta el tamaño de las manos y de acuerdo a ello, le aconsejo que diseño le queda mejor, pero finalmente es él quien escoge lo que quiere usar y yo siempre lo satisfago de acuerdo a sus necesidades”, explica la diseñadora colombiana.

Las texturas, colores y formas se mezclan en una creación exclusiva de joyas que se pueden utilizar con cualquier prenda formal o informal, logrando un complemento ideal para proyectar la imagen propia y única de quien las luce.

“Mi inspiración es mi propio estilo, me gusta que sea sencillo pero moderno todo lo combino y manejo muy bien los colores desde los cafés hasta los más fuertes como los morados, fucsias y azules”, agrega Arbelaez.

Talento para exportar

Dada la exclusividad artesanal que maneja Arbeláez en sus diseños, algunos compradores mexicanos, puertorriqueños y norteamericanos importan sus trabajos por lo cual, muchas de sus colecciones además de venderse en Colombia tienen gran acogida en estos países.

“En el exterior lo que más les ha gustado es la plata. Por ejemplo, en Estados Unidos no tienen problemas en usar el oro por costo o seguridad, sin embargo, este metal les llama mucho la atención porque lo ven más artesanal, más latino y eso gusta bastante”, asegura.

En la próxima colección, Carolina Arbeláez sacará cuarzos, realizando una mezcla con todo tipo de piedras naturales destacando las amatistas y las ágatas, para que los clientes continúen deleitándose con los trabajos exclusivos de la joven diseñadora que ya ha franqueado fronteras llegando a los exigentes mercados extranjeros.

TIPS PARA ESCOGER ESTE ACCESORIO El bolso también refleja la personalidad

2010-02-12T05:01:00.003-08:00

Las carteras pequeñas de colores vivos con estampados y en materiales nunca utilizados como la seda bordada y perdería incrustada, son la fiebre de esta temporada.

El mundo de los accesorios femeninos es cada vez más amplio y para la mujer, el uso de los bolsos es algo indispensable. Por esta razón, EL NUEVO SIGLO habló con varios diseñadores para que orientaran sobre lo que se está usando en esta temporada.

El bolso es básico en el guardarropa y revela mucho quien lo usa. “Por eso la mujer debe poner mucha atención en el uso de los accesorios”, señaló Martina Sánchez, diseñadora de modas, experta en imagen.

“Las carteras son el complemento imprescindible para cualquier temporada u ocasión, bien sea para una salida elegante, el uso diario o para un día de campo. Además de ser un accesorio que da comodidad a la mujer, es símbolo de la personalidad de quien lo lleva”, aseguró la creadora María Clara Castaño. Los bolsos ayudan a reforzar las principales tendencias de moda y los accesorios claves no lo son por capricho, lo son por derecho, porque sin ellos el “look” total no existiría.

Aferrándose con firmeza a la mano, los bolsos de asa corta cobran protagonismo en la moda, por ello están siendo confeccionados en multitud de formas y tamaños. Los grandes diseñadores se sirven de elaboradas pieles o llamativas telas y abalorios para fabricar este accesorio de reducido tamaño en el que se debe llevar sólo lo imprescindible.

¿Cómo elegirlo?

Si piensa que cualquier tipo puede usarse, está en un error. Y si hasta ahora ha comprado algunos sólo porque la gustan, debe saber que necesita tomar en cuenta los siguientes aspectos, antes de hacer una nueva adquisición:

* Debe adecuarlo con su cuerpo, forma de ser y estilo de vestir. La experta en imagen recomienda usar dos tipos distintos de bolso: uno grande para el trabajo o la escuela y uno pequeño y ligero para llevar sólo lo necesario. En el bolso pequeño guardar únicamente lo indispensable: dinero, llaves, celular, lentes y maquillaje.
* No forzosamente debe cambiarlo con la temporada, es aconsejable (y económico) optar por uno en un color neutro, de estilo clásico y combinable con la mayor parte del guardarropa.
* A la hora de elegir uno nuevo, debe tener en cuenta su estatura, talla y estilo, porque así como puede hacer brillar la apariencia, también la puede destrozarla. Si persona es de baja estatura, los bolsos que mejor se adaptan son los pequeños, pues uno grande dará la impresión de ser más grande que la persona, asegura Rodríguez.
* Si la mujer es de talle alto, la mejor opción es utilizar bolsos medianos y grandes, ya que logran un equilibrio y armonía con el cuerpo. Si opta por uno pequeño, puede llegar a pasar como desapercibido.
* Los bolsos en piel nunca pasaran de moda, ya que queda bien con todo y hace lucir bien en todos lados. No olvidar los clásicos negro o café.
* Llevar igual el bolso y los zapatos es sofisticado y además resuelve el conflicto de combinación.

¿Qué bolsos están de moda?

Las carteras pequeñas con borde dorado o plateado añaden un toque de elegancia a la imagen deseada. Durante este comienzo de año, se llevarán bolsos rígidos como los de terciopelo con flores bordados, adornos metálicos o lentejuelas como las de piel trenzada o las de satén adornado con lazos de charol.

Este ‘coqueto’ complemento debe de tener el tamaño ideal para llevarlo en la mano sin que moleste. Resulta ideal para salir por la noche tanto con vaqueros como un delicado vestido de seda o una chaqueta entallada y una falda globo.

Lo artesanal

En el campo de la moda artesanal y deportiva se impone el uso de mochilas y bolsos hechos en materiales como el algodón y yute. Los estilos son muy variados, como los estampados de flores, formas geométricas y de animales, mochilas trianguladas, de asa cruzada, que también son muy útiles para usarse como cartera. Y la fiebre en este campo artesanal es la implementación de materiales que nunca se pensaron ver bordados en seda de piedra, bandoleras, y pieles.
Los decorados con bordados y confeccionados en cuero mezclado con tela estampada, lideran una colección sin desperdicios.

Finalmente nuestra experta en imagen recuerda que la moda es sentirse bien y dice que lo cierto es lo que cada uno se impone para lucir mejor y en cuestión de accesorios, todo se vale.

ELEGANTE, SOFISTICADO, MISTERIOSO Y SEDUCTOR En moda, el negro es un aliado perfecto

2010-02-12T05:01:00.001-08:00

Este es uno de los colores que se mantiene en todas las temporadas y para esta época entra con mayor fuerza en todas las prendas.

En accesorios y ropa, el negro es un color imprescindible en el armario de cualquier mujer. Elegante y sofisticado, misterioso y seductor, este tono vuelve a la escena demostrando que siempre está vigente en la moda.

Todas las mujeres se han encontrado alguna vez frente al dilema de: ¿qué me pongo? y generalmente la respuesta es: ¡algo negro! Y es que éste es un color que saca a cualquiera de un apuro sin que parezca un recurso improvisado.

Probablemente este es uno de los tonos que más se vende, y el que más se usa (todo el mundo tiene al menos una prenda negra) y tal vez por eso se le conoce en el mundo de la moda como el “comodín”, pues además de ser muy versátil y adaptarse a todas las tendencias, se ve bien en cualquier situación, ya sea en un momento elegante o uno informal.

Si bien el negro parece nunca haber desaparecido de la escena de la moda, ha ‘revivido’, presentándose como un elemento de equilibrio frente a la estética opulenta y el maximalismo que se vio a lo largo de los primeros cinco años de este siglo.

Juan Pablo Martínez, diseñador colombiano que tiene una relación estrecha con el negro y lo incluye en todas sus colecciones, explicó que “el resurgimiento del negro que se dio en la temporada de otoño – invierno, fue un resurgimiento a nivel editorial, no a nivel real de comercio, pues en este renglón el negro siempre se ha vendido y se ha mantenido; es un color que se va a mantener los próximos años como símbolo de elegancia, de protección, de rebeldía y de status”.

¿Por qué decirle sí?

Aunque históricamente el negro se ha asociado al luto y a la tristeza, ésta carga negativa contrasta con los verdaderos valores de este color, que más allá de comunicar sobriedad y estilizar la figura, expresa seguridad, irradiando una energía que favorece ciertas actitudes.

El primer valor del negro para una mujer es que visualmente estiliza la figura, haciéndola lucir más delgada. A nivel inconsciente el negro induce a los demás a explorarnos, a abrirse, a confiarnos secretos, incluso al amor.

Cuando una mujer quiere sentirse sexy y atraer las miradas de todos los que la rodean, generalmente opta por el negro. Sin importar la edad, este es un color que favorece a cualquier mujer, según Martínez.
Vigente en cualquier temporada, por ser un color neutro, el negro es fácil de combinar con otras tonalidades y las opciones son ilimitadas, pues va muy bien con cualquier tipo de accesorios.

Tal vez lo más importante, que lo hace único y aliado de cualquier mujer, es que este color siempre ha sido símbolo de elegancia y refinamiento.

No todo es color de ‘rosa’

No hay duda de que el negro tiene todas las virtudes para ser el color favorito de las mujeres, pero una de cada dos confiesa no usar este color por temor a las antiestéticas manchas blancas que deja el desodorante en las prendas oscuras.

Este problema puede arruinar la mejor de las noches, y a la más costosa prenda, haciendo que la inversión en tiempo y dinero que implica estar a la moda se pierda. ¿La solución? Fijarse bien en las características de las telas para tener un adecuado cuidado y evitar situaciones embarazosas.

Lo imprescindible

El famoso ‘Little black dress’ (“vestidito” negro) de corte simple o clásico puede ser el mejor aliado para salir elegante de día o seductora de noche.

Cualquier mujer se ve delgada con un pantalón negro de buen corte y caída, que incluso puede dar el efecto de hacer ver a las personas más altas.

Un sastre negro servirá para una reunión ejecutiva en el día, un funeral, una comida o una exposición en la noche. Un saco negro en V o cuello tortuga le dará un toque muy elegante a la pinta más informal.

Una cartera negra para la noche saldría perfecta con cualquier atuendo. Así como las botas o zapatos negros, preferiblemente de punta o destalonados, pues son un complemento que no pasa desapercibido.

TEMPORADA
‘Look’ informal, una cuestión seria

La moda casual para los caballeros no es sólo cuestión de romper relaciones con la elegancia, es elegir el atuendo correcto para las ocasiones relajadas sin perder el estilo y la comodidad.

LOS HOMBRES no se quedan atrás cuando de moda se trata. La elegancia informal prevalece en las propuestas de moda masculina. El uso de prendas suaves y los colores pastel es lo que este tipo de prendas permite.

Para la moda informal se recomienda el uso de tonos claros en el traje y la camisa en las jornadas de día; en cambio para la noche, lo mejor es usar camisas oscuras y elaboradas en seda pura.

En cuanto a los materiales de los trajes predominan la lana y las mezclas con fibras naturales como seda, lino, algodón y viscosa. Los diseños que prevalecen son las líneas gruesas y las de tipo alfiler, y la ‘raya tiza’ con filamentos en contraste, es decir que va acompañada de vetas de otro color.

Lo más importante es la coordinación en el atuendo y mantener, sobre todo, la comodidad. Cabe recordar que las chaquetas se están usando cortas y en colores sólidos combinados con piezas a rayas.

Para los que estén pasados de peso, se recomienda el uso de la camisa y el pantalón en un mismo tono, debido a que la uniformidad del color crea una silueta que no acentúa las curvas del cuerpo, lo que hace que la persona se vea más delgada.

Los colores que se permiten dentro de la moda informal son el blanco, gris, azul marino, caqui y negro, pero se imponen con más fuerza los colores pastel, especialmente rosa, celeste, verde agua y amarillo claro.

Las camisas en tanto que sean menos llamativas se verán mucho mejor. Debe optarse por el uso de las denominadas ‘lisas’ o de una sola tonalidad. También es recomendable vestir las que son rayadas. Así mismo, los cuadros pueden ser una opción, siempre y cuando éstos sean sutiles y poco llamativos. Otra opción interesante es el manejo de los buzos con cuello en algodón ya que éstos a pesar de ser deportivos, pueden verse elegantes al mismo tiempo.

Para los más atrevidos el uso de las famosas camisas ‘guayaberas’ (de manga corta y estampados) es lo indicado, en tonos oscuros para los más clásicos, y en colores ácidos y brillantes para los más lanzados.

No hay que olvidar que siempre es una buena opción tener en el guardarropa un bleizer o chaqueta de paño azul. Con esta, el hombre siempre se verá bien vestido, pues combinándola con un pantalón de paño o un jean da un aspecto juvenil. La diseñadora masculina Lina Cantillo recomienda el uso de este tipo de sacos con un solo botón en cada manga, en colores ‘agua’ y con prenses en los bolsillos.

Si de chaquetas en ‘denim’ se trata, éstas pueden usarse con muchos bolsillos y parches; entre más rústicas tendrán un aspecto más moderno, ya que lo que se impone en el uso de estas prendas es la frescura y comodidad.

En cuanto a pantalones se refiere, el diseñador Ricardo Pava indicó que para el segundo semestre del año vienen más ajustados al cuerpo, ya que los prenses tienden a desaparecer. La bota es estilo ‘tubo’ y los materiales que se manejan en estas prendas son la pana, el dril, el paño y el tradicional jean o denim.
El uso de tonalidades oscuras como el negro o el café se mantiene, pero es permitido para aquellos más atrevidos el uso de tonos claros y pasteles. Lo más importante es la innovación y la creación de un estilo propio.

Como siempre, antes de usar aquellas prendas que están de moda, debe tenerse en cuenta que es de acuerdo con la edad y estilo de la persona que deben escogerse, ya que no en todas las ocasiones queda bien a una persona. Lo importante es mantener una imagen propia.

TENDENCIA
Moda infantil, un asunto grande

Diversa y llena de color, como el mismo espíritu de los niños colombianos, será la moda que ellos disfrutarán en la temporada de fin de año.

Las prendas para ocasiones especiales o ceremonias estarán influenciadas en la época del romanticismo y en el estilo náutico o marinero mientras que las más informales estarán inspiradas en la cultura latina, los deportes tradicionales y en la aventura, desde lo safari hasta la de los personajes de las caricaturas.

En esta temporada se verán los tonos claros, bañados de blanco en el tema del romance; diferentes intensidades de azul mezcladas con el rojo y el blanco en lo marinero. En lo latino prevalecerán los colores fuertes y brillantes, los estampados en las prendas deportivas y para las safari, los verdes secos, verdes profundos, crudos, caquis y cafés, con acentos naranjas y amarillos.

En las niñas el concepto que manda la parada es el de amor platónico, que es visto desde la óptica de los corazones que aparecerán en siluetas, apliques y accesorios.

Las rosas rojas también estarán en las prendas de las niñas, bien sea estampadas o sobre cueros. Los moños y los animales de series de Disney World serán también protagonistas.

Las faldas rotondas en telas suaves como tules y las batas tipo tienda serán prendas de mucho uso en las niñas.

Estos conceptos se desarrollan en colores como el azul pastel, el rosa, el rojo cereza y se complementa con el blanco y el beige.

Otra gran influencia será la de pasión por la naturaleza, que está inspirada en animales, plantas y paisajes. En cueros y herrajes sobresaldrán las siluetas naturales como las texturas de hojas, de árboles y de cortezas, los colores de las alas de las mariposas y los tejidos con fibras naturales como el yute y la cabuya.

Los colores para estas prendas serán terracota, caqui, combinados con tonalidades de azul turquesa, naranja otoñal y el morado.

Para los niños, la inspiración que se impondrá viene de la realeza, basada en verdes, azules y rojos oscuros, llenos de emblemas, insignias y escudos. También estará la visión futurista, en donde los robots y las naves espaciales de los años sesenta y setenta se hacen presentes literalmente.

“Todos estos nuevos conceptos de moda serán insumo fundamental en la creatividad de los diseñadores del sector, en su afán de generar colecciones con identidad colombiana, que causen un alto impacto en los mercados internacionales y nacionales”, aseguró Catalina Navia, directora del Taller Conceptos de Moda.

Sensibilidad

Gran parte de la inspiración proviene de décadas pasadas, con prendas elegantes, sofisticadas y glamorosas, basadas en las épocas de María Antonieta, la reina Victoria y el romanticismo.

Las telas que prevalecen son las sedas, el algodón con diseños de follajes y flores; bases livianas como las etaminas, los chifones, tules. También se hacen presentes los bordados con diseños clásicos y tradicionales.

Esta sensibilidad integra los conceptos de decoración: el estilo victoriano, con siluetas ajustadas en los torsos y grandes volúmenes en la parte inferior, y el romance, donde lo femenino, las transparencias, bordados, encajes, blondas y ojalillos son los protagonistas.

Otra influencia es la de la década de los 50 con la silueta reloj de arena en vestidos y con torsos ajustados que dan énfasis a la cintura y tienen grandes volúmenes en las faldas. Sobresalen aquí las flores, los estampados, los lunares o puntos grandes, los encajes y boleros, las mangas bombachas y los cuellos bebé.

Según Navia, “en las tendencias de esta temporada se mantiene el concepto de amor renacentista. Esta percepción funciona muy bien para el mercado infantil de los climas fríos porque nos habla de abrigos, de materiales pesados mezclados con sedas, blondas, terciopelos y encajes. Es el tema de la corsetería aplicado en vestuario y accesorios, con inspiraciones napoleónicas y cortes imperio”.

Los imprescindibles

Lo que no puede faltar en las colecciones del momento, en el caso de los niños, son los jeans que ahora traen muchos detalles de confección: bordados, decorados, taches, remaches, procesos de lavandería, desde los desgastes irregulares hasta índigos muy profundos.

Se mantienen las prendas de color verde, tanto en el tejido de punto como en el plano. Reaparece el amarillo como el tono protagonista para mezclarlo con el azul o el blanco.

Otras prendas imprescindibles son las elaboradas en algodón o mezclados con el lino, en rayas bicolores o teñidos con pigmentos naturales.

En las niñas una prenda infaltable será la minifalda, ya sea con cinco bolsillos o influenciada por las diferentes culturas, con mezclas de materiales.
Igualmente, están las prendas de doble propósito como el pantalón se convierte en una bermuda o en un capri; la chaqueta en chaleco y que permite más combinaciones para diferentes climas.

ESTILO AL SENTARSE A LA MESA Wok And Roll le dice adiós a los palillos chinos

2010-02-12T05:00:00.001-08:00

La comida rápida también ha llegado a los platos orientales, dándoles una opción a los ejecutivos y personas que no tienen tiempo de degustar un plato sano y de calidad de manera práctica.

Cuando hablamos de sushi es inevitable remitirnos a la idea de una comida sana, deliciosa y diferente, y es precisamente este concepto el que retomó este nuevo restaurante donde la idea de comida rápida junto a comida asiática se funde en una solo. Esta nueva corriente llega a Bogotá a revolucionar la forma en la que tradicionalmente disfrutamos un plato de sushi o de arroz oriental preparado al wok.

La idea de montar un restaurante como Wok and Roll nace de dos jóvenes bogotanos interesados en dar a conocer en Colombia la más innovadora forma de disfrutar la comida asiática, sin la necesidad de emplear cubiertos o de sentarse a esperar largo tiempo a ser atendido, utilizando el concepto de comida lista para llevar, o take away, que es muy popular en Australia y Argentina, donde esta técnica no solamente nació sino que también está muy desarrollada. Este tipo de platos es una excelente opción para quienes buscan comida original, saludable y nutritiva hecha con los más altos estándares de calidad, donde el visitante podrá encontrar no solamente la rapidez sino también la alta calidad y buena presentación con que se entrega la comida en este lugar.

Tradicionalmente podemos ver en las películas que la comida oriental se consume en recipientes de cartón. Este nuevo concepto lo trae este establecimiento de manera innovadora permitiendo al comensal encontrar dentro del empaque todo lo que necesita para hacer del plato una experiencia gastronómica irrepetible y una carta inigualable en sabores, texturas y presentación. Definitivamente, una de las mejores propuestas en comida gourmet oriental, saludable y nutritiva que hay en la ciudad.

La carta se enfoca en la comida asiática tradicional, complementada con los mejores sabores y texturas que le imprimen el misticismo característico de esa cultura en una perfecta conjunción con la idea de modernidad, practicidad y dinamismo de la nuestra, convirtiéndola así en un viaje imperdible que va desde deliciosos y variados sabores de sushi hasta los más exquisitos woks y tempuras, acompañados de refrescantes smoothies –batidos frutas- hechos en base de yogurt. Una experiencia sencillamente deliciosa y rápida. Perfecta para quienes disfrutan de la comida gourmet de la más alta calidad, saludable, natural y deliciosa además de rápida, fácil de consumir, perfecta para cualquier hora del día.

El local, ubicado en la Calle 90 No. 13ª-58, ofrece a los visitantes y amigos un espacio colorido, cálido, con excelente diseño y acorde a la tónica medioambiental del restaurante, con una terraza perfecta para la comodidad de los comensales. Atendido por sus propietarios se constituye como una alternativa excelente para los bogotanos así mismo. Los precios de los platos son accesibles ya que oscilan entre los diez mil y veinte mil pesos.

Además de la deliciosa propuesta gastronómica que ofrece, también defiende la causa medioambiental, pues todos sus productos vienen empacados en envases y envolturas hechas de materiales reciclados e invitan a quienes los usan a colaborar con esta causa, depositándolos en los puntos apropiados ubicados dentro del local.

DISEÑOS PARA EL 2010 El minimalismo se tomará los espacios de los hogares

2010-02-12T04:59:00.001-08:00

Los espacios amplios con tonalidades claras y muebles geométricos en un solo tono, es lo que se impondrá para la ambientación de las casas el próximo año.

Así como en la moda, anualmente las tendencias de decoración del hogar varían. Durante el 2010 se impondrá mucho la sencillez en la decoración, al igual que la ambientación con flores y plantas, que le darán ese toque de color a los espacios.

ARTE & ESTILOS indagó entre los expertos para conocer un poco más acerca de las corrientes que dominarán los ambientes de los hogares y oficinas el próximo año.

¿Cuál piso elegir?

Un cambio de piso puede marcar el éxito de una renovación de espacios interiores y exteriores. Los porcelanattos europeos siguen mandando la parada en materia de pisos, por su versatilidad, la relación calidad-precio y la necesidad casi nula de mantenimiento, sumado a un alto componente en diseño que para 2010 traerá presentaciones en colores fríos como el blanco, negro y el beige.

En cuanto a la forma, la tendencia de 2010 apunta a los formatos alargados, ideales para ampliar la sensación de espacio y generar un alto impacto óptico.
Las superficies semipulidas, usadas con éxito en los revestimientos de las chimeneas y paredes, aptas para otros usos por su alto nivel de soporte a temperaturas extremas, ya que muchas de las referencias provienen de zonas volcánicas.

En otro nivel se encuentran el granito y el mármol, con tratamientos especiales que realzan su textura, apreciada por la durabilidad, calidad e historia. Estos materiales se presentan con un aspecto destonificado y discontinuo que en algunas clases como la del mármol blanco viene acompañado de rayas y matices negros.

Por su parte, las granillas representan la dureza y durabilidad del porcelanatto tipo sal y pimienta, que transmite diversas las emociones estéticas en un acabado y en un formato únicos.

Un baño vanguardista

Los muebles de baño se caracterizan este nuevo año, por tener acabados con texturas y vetas del estilo de la madera natural y amplias opciones de colores, que permite darle amplitud y elegancia a este importante lugar de la casa. El tamaño compacto de los muebles es importante ya que facilita su instalación.

Los nuevos muebles están diseñados para evitar el contacto de la madera con el piso, previniendo posibles averías por la exposición a la humedad.
Además del diseño, los muebles se destacan por sus estructuras fuertes, la calidad de los acabados en los bordes que los protegen del agua y les brindan una mayor resistencia al impacto y por tener el respaldo abierto con el propósito de prevenir malos olores, daños por humedad y facilitar la instalación y reparaciones de plomería. Poseen elementos que hacen más cómodo el uso de bisagras de cierre suave para las puertas y rieles de extensión total para los cajones. La grifería indicada para usar en este nuevo año es aquella que sea simple. Los platones del lavamanos en vidrio dan espacio y claridad al ambiente, al igual que los acabados en tonalidades plata y de formas geométricas.

¿Como decorar un espacio?

Actualmente se puede ver que los espacios y ambientes de los hogares son cada vez mas reducidos. Por esta razón a la hora de pintar o poner un piso al cuarto, es necesario utilizar tonalidades claras para hacerlo ver un poco más amplio. Asimismo, es importante combinar esos espacios con mobiliarios limpios, sin que lleven tramados o decoraciones, pues entre más simples sean mucho mejor. Lo mismo sucede con los adornos, ya entran en desuso los de estilo rococó y se imponen aquellos que son minimalistas donde predominen las formas geométricas.

Por otro lado, por el daño que causan a las paredes, no es recomendable utilizar cuadros sino apliques en vinilo o Contact, que le dan un toque especial a la sala o el comedor o donde se decida decorar con esta técnica.

Los apliques de vinilo permiten lograr una renovación total en los espacios donde se instalen, ya que incorpora nuevos estilos a la habitación. Los diseños se hacen de forma acorde al gusto del comprador y se adaptan al lugar de instalación, conforme a las necesidades de espacio y gusto de la persona que desee comprarlos. Las posibilidades que brinda son extraordinarias ya que permite aplicarse en la pared y en las ventanas.

Flores y frutos, dulce aroma

Las tonalidades de las flores son ideales para decorar un espacio, además de dar un gran aroma a la habitación. Para darle ese toque de elegancia a una sala o a una habitación se puede elegir el armar ramos de una sola clase de flor. Es importante utilizar recipientes que sean acorde a las tonalidades de los pétalos de la especie que se escoja y que sean de formas cónicas y lisas en vidrio cristal o cerámica.

2. El rojo es cálido, sensual y muy energético. Si se eligen flores de este tono, se pueden elegir rosas, francesillas, o frutos como cerezas. Estas flores y frutos llenarán de un aroma dulce la habitación. En este caso, se deben escoger recipientes de cristal o de color blanco, que neutralizarán la intensidad del color.

3. Las flores de color rosa son ideales para dormitorios infantiles o de adolescentes. Las flores de este tono transmiten tranquilidad y delicadeza. Para armar un ramo se debe tener en cuenta que las flores queden muy bien combinadas con dos o tres tipos de verde, ya sea en hojas o hiedras. Los mejores tipos de recipiente para los ramos rosas y verdes son los de cerámica o cristal, que resaltan más los colores de la vegetación.

4 Las flores blancas transmiten paz y tranquilidad. Se pueden elegir rosas o jazmines, ya que quedan muy bien combinadas con otras plantas de color verde claro. En este caso, se deben evitar recipientes del mismo tono ya que le restan el protagonismo al ramo. Para esto se recomienda utilizar jarrones en mármol o madera o que sean de tonalidades oscuras.

JOYERÍA ARTESANAL Adriana Roa ‘juega’ con lo simple, lo cotidiano y lo exótico

2010-02-12T04:58:00.002-08:00

En su última colección incluye el carbón, elemento que en sus manos adquiere belleza y se transforma en una joya.

Adriana Roa es una Diseñadora Industrial que por la abundancia de materia prima que hay en Colombia decidió experimentar con diversos elementos fusionándolos con el arte de la alta joyería permitiendo crear piezas únicas y 100 por ciento colombianas.

El Nuevo Siglo habló con ella para conocer un poco más del motivo de su inspiración y del por qué decidió incluir materiales como el cuero, las piedras volcánicas y la caña flecha en sus diseños.

EL NUEVO SIGLO: ¿Por qué decidió utilizar materiales como el cuero y la caña flecha en sus diseños?
ADRIANA ROA: Bueno, primero que todo porque son materiales agradecidos a la hora de trabajarlos y caracterizan a Colombia en el exterior, además porque a mi parecer conforman un conjunto no solo original sino también elegante e interesante con los materiales preciosos y porque le dan un sello particular colombiano en los diseños.

ENS: ¿Qué la inspira a la hora de realizar sus diseños?
AR: En realidad me inspira Colombia, ver cómo un artesano trabaja la caña flecha con tanto adiestramiento cuando hace los sombreros vueltiaos, al igual que los colores de nuestra tierra, es lo que más llega a mi mente a la hora de crear los diseños. Creo que eso es lo que más ha gustado a la gente de Europa y America Latina, ver como materiales tan simples como las piedras volcánicas, o tan cotidianos como el cuero, o exóticos como el cacho, pueden hacer un conjunto perfecto con el oro o la plata.

ENS: ¿En su concepto, qué la diferencia de los demás diseñadores de joyas colombianos?
AR: Pienso que mi idea de experimentar con materiales artesanales es lo que me diferencia de los demás y mi constante investigación y estudio de cómo fusionar nuevos materiales con los metales preciosos; por ejemplo, hace poco descubrí que algo tan cotidiano como la piedra pómez hace un conjunto perfecto con la plata, lo mismo sucede con la seda, que por sus colores y textura tan especial hacen ver a la joya como algo único. Así mismo, el tener el reconocimiento del sello de hecho a mano, lo que ha tenido una gran acogida en el exterior.

ENS: ¿Aparte de los diseños, cual cree que es su mayor aporte para la sociedad y cultura colombiana?
AR: Bueno, algo que no sabe la gente es que gran parte de los costos de las joyas que diseño va para la población artesanal, pues creo que hay que apoyar y financiar a aquellos que permiten que nos identifiquemos en el exterior con algo tan especial como un sombrero vueltiao o un carriel, por lo que no sólo genero empleo a los artesanos sino que también apoyo fundaciones y obras sociales para aquellos que lo necesitan.

ENS: ¿Con qué otros materiales está experimentando en este momento para sus diseños?
AR: Con el carbón, ese es el material predominante en mi última colección. Es sorprendente como algo tan simple y de uso común puede crear tanta belleza en una joya; lo mismo sucede con el cacho, que aunque para nosotros es de uso cotidiano es algo exótico en México y Europa.

ENS: ¿Cuáles cree que son los mejores consejos para las mujeres a la hora de usar una joya?
AR: Pienso que la identidad y la sencillez son lo que hace que el uso de las joyas sea elegante. Es importante que la persona se sienta cómoda a la hora de usar las piezas, esto es lo que hace que se vean elegantes; no recomiendo usar muchas joyas al mismo tiempo y recargarlas, ya que hacen que las piezas pierdan su belleza y elegancia, por lo que invito a que use una sola para que se vea la belleza del diseño de la joya.

ENS: ¿En su opinión, cuáles cree que serán las tendencias para el próximo año en joyería?
AR: Las piezas sencillas y coloridas, eso es lo que se ha visto mucho en las pasarelas en Europa; asimismo, el mezclar materiales como las piedras preciosas con materiales cotidianos.

LA FRAGANCIA ES LO QUE CUENTA Atraiga las miradas con su ‘bouquet’

2010-02-12T04:58:00.001-08:00

Perfumes. Todos los aromas nos traen recuerdos; por eso, si quiere que evoquen lo mejor de usted, sepa cómo usar y decidir la fragancia adecuada.

El escoger una fragancia es algo tan importante que no se puede hacer a la ligera, pues debe siempre tenerse en cuenta qué tipo de aromas nos favorecen ante los demás. El Nuevo Siglo decidió hablar con algunos expertos para saber cómo seleccionar la fragancia apropiada y su adecuado uso.
“Adoptar una fragancia para usarla a diario es darnos la oportunidad de permitir que los demás nos identifiquen con ese aroma y debemos recordar que siempre nos recordarán por él y será un olor que nos acompañará durante toda nuestra vida”, dijo la experta en perfumes Diana Carvajal, pues, según ella, elegir una loción, agua de colonia o perfume como tal se trata de una decisión personal que determinará ante los demás un referente permanente que podrá traer a su mente gratos recuerdos de nosotros.

Cómo seleccionar

Nuestras abuelas siempre nos han dicho que el mejor lugar para probar un perfume a la hora de aplicarlo es el interior de la muñeca, y es completamente cierto, ya que por las pulsaciones y el alto calor que se produce en esta parte del cuerpo podemos determinar si esa fragancia nos favorece o no. Lo mismo sucede en la parte interior de las rodillas. La alta temperatura que tienen estas áreas de la anatomía humana, permiten que las fragancias que conforman el producto se desplieguen de manera independiente y de manera rápida. La manera correcta de hacerlo es rociar un poco a una distancia de 4 centímetros y esperar a que el líquido se seque en la piel, porque el perfume al contener alcohol puede llegar a saturar inicialmente.
Es importante tener en cuenta que el perfume o loción que se va a elegir vaya de acuerdo con su personalidad y recordar que es recomendable que solamente se prueben de dos a tres fragancias, para de esta manera evitar una posible confusión y mezcla a la hora de apreciarlos.
Es muy importante que cuando se pida la muestra de un perfume que desee adquirir, sea aplicado en algún lugar del cuerpo que tenga pulso, como las muñecas, en la parte interna del brazo, en el cuello o detrás de las orejas, pues la fragancia no se percibe igual en los aplicadores de cartón que ofrecen en los almacenes ya que en la piel se puede comportar de manera diferente a la deseada, debido a que los aceites que componen estos productos están elaborados para que se puedan apreciar al contacto del calor corporal.

Dónde se aplica

Además de las partes del cuerpo más frecuentes para aplicarse un perfume (muñecas, codos, cuello o escote), también se recomienda tener prendas aromatizadas como un pañuelo, la ropa o el bolso de mano. Muchas fragancias tienden a comportarse de una manera especial y duradera con las prendas que son elaboradas con materias primas poco procesadas como lo es el caso de la lana, el cuero, la seda y el paño.

Tipo de presentaciones

Antes de comprar debemos saber diferenciar los tres tipos de presentación que tienen los productos de las casas más reconocidas de fragancias en el mundo que ofrecen al público.
Eau de Toilette: Es la presentación más económica, pues en su composición contiene una mayor concentración de alcohol y un menor porcentaje de la esencia del perfume.
Eau de Parfum: En este tipo de loción, se encuentra una mayor cantidad de aceites de la esencia del perfume, razón por la cual su presentación es un poco más espesa y concentrada que el Eau de Toliette.
Parfum: Muy pocas casas de fragancias ofrecen al público este tipo de presentaciones por su alto costo a la hora de comercializarlo, ya que el "Parfum" suele ser la presentación pura de la esencia del perfume.

Cómo diferenciar entre alta o baja calidad

Los perfumes de baja calidad se pueden distinguir por su textura áspera, con un olor algo metálico y amargo o también porque su presentación es muy grasosa y la piel no la asimila fácilmente. Estas fragancias pueden ofrecer un aroma agrio o viejo, y más si se percibe fuertemente la presencia del alcohol. Esto sucede cuando la fragancia es fabricada con poca esencia o esta es demasiado débil.
Para cuidar el perfume, se recomienda mantenerlo en un lugar fresco alejado de la luz del sol, ya que estos elementos pueden evaporar el producto y dañar su aroma.

Clases de aromas

Las fragancias se encuentran agrupadas en grupos específicas por medio de los cuales los perfumeros pueden elaborar nuestras lociones preferidas. Cada una de estas clasificaciones tiene características únicas. Por lo general las bases que se utilizan para elaborar fragancias femeninas son las siguientes:
Floral: Pueden tener en su esencia, notas de rosa, jazmín, ylang-ylang, violeta y lirios del valle, acentuados con aromas frutales como mandarina, coco, durazno o maracuyá, así como esencia de ámbar, clavo, vainilla, heliotropos y madera de cedro.
Chipre: Ofrecen un contraste entre olores a cedro y cítricos, aunque se pueden usar otras clases de maderas como el ámbar y patchulí.
Oriental: Elaborado a base de ámbar, patchulí, musgo, madera, vainilla, clavo, canela y resinas, que se armonizan con frutas y flores exóticas.
Aldehydic: Contiene un ramillete de aldehídos (imitaciones de esencias naturales) que incluye aromas a sándalo, violetas y esencias florales, en las que predominan las rosas.
En las fragancias masculinas, podemos encontrar frecuentemente este tipo de aceites y elementos:
Aromatic: Compuestos a base de almizcle, semillas de anís, lima, musgo de cedro, madera de sándalo, salvia, junípero, romero, coriandro, cedro, artemisa, flor de naranjo, vetyver y jazmín.
Citrus: Estos perfumes contienen notas de limón y toronja mezcladas con tonos más complejos como musgo de roble, ámbar, sándalo y almizcle. Estos aromas, en su intermedio, contienen esencias de lirios, vetyver, clavel y madera de sándalo.
Chipre: Esta familia de fragancias para caballero está formada por una base de patchulí, incienso, vetyver, almizcle, musgo de roble, algalia y ámbar gris, acentuada con coriandro, rosas, canela, jazmín, clavo, romero, hierbas silvestres y armoise.
Woody: Compuesta por sándalo, limón, hierbabuena, madera de sándalo, vetyver y madera de cedro, combinados con notas florales.
Oriental: Es una mezcla exótica y rica, que incluye vainilla, patchulí, ámbar y madera de sándalo. Se enfatiza su fragancia con toques de limón, sándalo y lavanda suave.

SECRETOS DE UNA CULTURA MILENARIA Anandita Basu, una representante de la India en Colombia

2010-02-12T04:57:00.000-08:00

La cultura indostana en Latinoamérica es conocida por su música, tradiciones y bailes, pero lo que se desconoce es el origen de éstos y sus verdaderos significados, los cuales trascienden hacia la comunicación con ellos mismos y con Dios.

Por: Ángela María Calderón
Especial para El Nuevo Siglo

Conocer las culturas orientales genera una curiosidad apasionante en nuestro país y por eso es importante saber cuáles son las diferencias que existen entre cada una de ellas. Para acercarnos un poco más a las tradiciones de la India, Arte & Estilo contactó a Anandita Basu, bailarina, cantante y compositora hindú que desde hace dos años y medio está radicada en nuestro país.
ARTE & ESTILO: ¿Cómo fueron sus inicios en el mundo artístico?
ANANDITA BASU: Yo canto y bailo desde los cuatros años de edad, ya que mi madre en la India también es una artista reconocida, pero a través de los años me he ido especializando en el canto y la danza clásica, especialmente en los géneros de sufi y gawalli, que es una mezcla entre los cantos clásicos Urdu, Hindi y Punjabi. Estas son oraciones cantadas a los dioses y diosas de nuestro país. Ya he grabado 7 producciones discográficas que son muy apetecidas en mi país, tanto como en Europa, Australia, Medio Oriente y Estados Unidos. En cuanto al baile, mi primera maestra fue mi madre y con el tiempo empecé a estudiar y a sentirme atraída por otros géneros, por lo que ya logré tener una maestría en baile y música clásica, que me ha otorgado títulos y reconocimientos, como lo son Sangeet Visharad y Sangeet Prabakar, que son los galardones más altos de mi país.
A&E: ¿Cuál es el verdadero significado de la danza india?
AB: Para empezar, la danza nuestra no ha sido creada para ganar dinero, ya que es una manera que utilizamos para meditar y acercarnos a nuestro dios, por medio de los movimientos y la música que siempre es de alabanza y de reconocimiento hacia el ser supremo. Por esa razón, no está bien que se quiera aprender para seducir o para atraer al sexo opuesto. La danza, como la meditación y el hata yoga, ayuda a conocerse a uno mismo y a acercarse y potenciar el área espiritual de cada individuo.
A&E: ¿Qué clases de bailes existen en la India y qué características especiales tienen?
AB: Hay danzas clásicas que siempre están dirigidas a los dioses y diosas, las personas que representan respeto para nosotros, por eso utilizamos tanto las manos, porque utilizamos mudras o mantras que expresan la esencia de la canción. Esto quiere decir que cada movimiento que hacemos, debe significar lo mismo de la letra de la canción, al igual que el gesto de las manos y los pasos de los bailes. Cada mudra tiene muchos significados, pero dependiendo de la letra y significado de la canción, utilizamos pasos específicos para poder transmitir el mismo mensaje que tiene la música. Por esa razón es que nuestras películas que vendrían a denominarse bollywood, tienen tantos bailes, y al tener aproximadamente 25 idiomas oficiales, ayudan a orientar a los espectadores que ven la trama o historia de la cinta.
A&E: Las mujeres hindúes utilizan trajes muy adornados y muchas joyas a la hora de bailar. ¿Por qué es esto?
AB: Depende de la región, así mismo es el traje, pero el más conocido es el sari, el cual tiene muchos diseños y estilos, ya que nunca un sari es igual a otro. Siempre son diferentes y creados de manera única. En cuanto a las joyas, lo que sucede es que dentro de nuestra cultura, la mujer es considerada una diosa y por esta razón, al utilizar nuestras joyas atraemos la prosperidad a nuestras casas. En el baile también utilizamos las pulseras de las manos como las de los pies para hacer marcaciones en los pasos y en las coreografías.
A&E: ¿Qué necesita tener una persona que desee aprender algún tipo de baile hindú?
AB: Primero que todo, tener en claro qué quiere en la vida, ya que, como dije anteriormente, la danza y la meditación ayudan a que la persona pueda conocerse mejor a sí misma y entender que esto le servirá para acercarse a su dios y a su área espiritual. También tener en claro que esto no es sólo por diversión, sino que es algo que le puede ayudar a mejorar su vida en todos los aspectos, tanto física como espiritual y orgánicamente. Nuestra danza también sirve como una terapia especial y diferente para cada persona.

LA ESTÉTICA DE LA MAFIA El narc decó se abre paso con Tráquira

2010-02-12T04:41:00.001-08:00

Piezas decoradas estrafalariamente, armas con incrustaciones en oro y diamantes son algunas de las que el artista usó para su nueva creación: el narcotráfico hecho arte

LOS NOTICIEROS de televisión colombianos de los años 80 y 90 nos mostraban insistentemente imágenes de incautaciones a los narcotraficantes, de caletas llenas de dólares y fastuosas mansiones como la de Gonzalo Rodríguez Gacha, donde en cada uno de los acabados en escaleras, grifos, picaportes y lámparas predominaba el dorado y el brillo excesivo, como símbolo de su poder económico.

El fenómeno social del narcotráfico que invade todas las formas de vestir, hablar, trabajar, vivir y morir en Colombia, no escapa en ningún momento a los ojos de los artistas colombianos. Este es el caso de Víctor Escobar, quien ha manifestado interés profundo en este tema y en los últimos años ha puesto en evidencia las huellas que el narcotráfico ha dejado en nuestro país.

Ese mundo cargado de lujo, piscina, mármoles importados, porcelanas costosas, carros deportivos, mujeres hermosas, fajos de dólares y diamantes por doquier, le indicaban a los espectadores la irrupción de una nueva estética que se impondría en adelante con la llegada de estos nuevos ricos.

De ese recuerdo surgió la inquietud del artista, al tomar esos elementos extravagantes para convertirlos en la obra denominada Tráquira, que desde el pasado 28 de enero puede apreciarse en la galería Valenzuela Klenner.

Con objetos estrafalarios, formas poco comunes de atesorar fortuna, macabras escenas de muerte y desolación cubiertas con terciopelo, el artista impresiona en sus últimas obras. Transporta al observador a un mundo de glamour absurdo y abstracto, incrustado en la ya llamada cultura “traqueta”.

A lo largo de dos pisos de la Galería, los visitantes pueden apreciar objetos como artesanías tradicionales cubiertas de “diamantes”, esculturas en barro convertidas en piezas de joyería extravagante, esmeraldas y piedras preciosas incrustadas en adornos y vestuario, abstracciones hechas con terciopelos brillantes, un conjunto que transporta hacia esa realidad de las mafias que no sólo impusieron el crimen y el horror en Colombia, sino también su estilo.

Para el curador de la obra, Jaime Ceron, el caso de Víctor Escobar y su interés en las imágenes que se asocian al fenómeno social y cultural del narcotráfico, que funcionan como indicios culturales y políticos en el sentido que define la realidad , desde el punto de vista de Colombia .

El artista, en su proyecto Guaca-la, presentado en Bogotá hace un par de años, ya había estado indagando por la manera como los excesos del narcotráfico, presentes en la caletas de dólares y oro enterrados o emparedados por doquier, paradójicamente llegan a poner en cuestión la lógica del capital.

Siguiendo sus parangones, el artista se apropia de bellezas artesanales que se producen en muchos municipios de Colombia y los recubre con diamantes, todo esto en una clara metáfora de la aparente opulencia y desenfreno que algunas veces se apodera de nuestras sencillas tierras y costumbres en el campo colombiano.

En Tráquira, el artista apela nuevamente a la exhibición de los excesos cometidos diariamente por muchos de los actores armados en el país, especialmente los paramilitares y aborda el tema desde otra perspectiva: la del sufrimiento y la transformación del campo, un campo en donde la riqueza y el brillo pueden transformarse rápidamente en causales de masacres, muerte, desangre y la desolación

EXPOSICIÓN Una mirada artística y reveladora del cuerpo humano

2010-02-12T04:38:00.000-08:00

Bodies: Real + Fascinante, una de las exhibiciones más impactantes de los últimos tiempos, estará tres meses en Bogotá para educar y sorprender a sus visitantes.

RECONOCIDA como una exposición original, educativa e innovadora, que tiene como propósito acercar a quienes la visitan a la complejidad del cuerpo humano y a su vez despertar conciencia sobre el cuidado y prevención de enfermedades, es Bodies.

Lo que hasta ahora era un privilegio exclusivo de los médicos, la exploración y el conocimiento detallado del cuerpo humano, puede verse en vivo y en directo gracias a esta exposición, en donde se devela el funcionamiento de los órganos y la armoniosa orquestación entre ellos.

"El impacto pedagógico de esta exposición es inconmensurable ", afirma Roy Glover, profesor emérito de anatomía y de biología celular en la Universidad de Michigan y director médico en jefe de Bodies.

““Desde hace siglos el mundo médico descubre y estudia el funcionamiento interno del cuerpo humano con la ayuda de cuerpos. Hoy, gracias a esta exposición, el público también tiene acceso al mismo conocimiento profundo", agrega.

La exhibición que ha recorrido más de 200 ciudades, entre ellas New York, París, Berlín, Madrid, Barcelona, Seúl, Taipei, Londres, Munich, Los Ángeles, Chicago, Singapur, Toronto, Frankfurt y Sao Paulo estuvo a fin de año en Medellín, donde asistieron mas de 120 mil visitantes. Desde el pasado sábado está en Corferias y allí permanecerá hasta el 17 de mayo, para que los capitalinos puedan apreciarla. Posteriormente irá al Museo La Tertulia en Cali, donde se presentará a finales de mayo.

Esta muestra compuesta por 12 cuerpos y más de 200 órganos humanos reales conservados por medio de un proceso denominado plastinación, está diseñada con el único objetivo de educar. A diferencia de los modelos que idealizan el cuerpo a través de los ojos de un artista, esta exhibición muestra el cuerpo y sus partes como son en realidad.

“El abrirse a un mejor conocimiento de sus propio cuerpo, los capacitará para tomar mejores decisiones y bien informadas acerca de su cuidado y mantenimiento. Si se logra esto, entonces las largas horas de trabajo dedicadas a desarrollar y preparar esta exhibición, para que ustedes la disfruten, habrán sido ampliamente recompensadas”, afirmó Glover.

¿Qué es la plastinación?

Es una técnica utilizada para preservar los cuerpos y los tejidos humanos de forma permanente con la ayuda de caucho de silicona líquida. El proceso natural de descomposición del cuerpo se detiene para permitir su estudio durante un período indefinido.
El proceso consiste en extraer agua de los tejidos del cuerpo mediante sumergimiento en acetona.

Posteriormente en una cámara, por efecto de vacío, se extrae también la acetona y el espacio de los tejidos que se encontraban llenos de acetona se impregnan o llenan con caucho de silicona líquida.

Finalmente, se procede al endurecimiento del polímero –silicona- y queda de eso una muestra seca y conservada de modo permanente y sin contenidos tóxicos.

Los bogotanos contaran adicionalmente con una amplia agenda académica en el pabellón 9 de Corferias, en donde los visitantes podrán asistir a conferencias relacionadas con la salud dictada por especialistas y que tienen como fin que las personas tomen conciencia sobre la importancia de mejorar su estilo de vida.

EL ESTILO PARTICULAR DE MILTOS MANETAS Neen llega a Colombia para revolucionar el arte

2010-02-12T04:37:00.001-08:00

Lienzos inundados de cables y otros elementos de los computadores terminan siendo las herramientas de este creador griego que combina en sus obras el diseño gráfico, música, arquitectura e Internet

MILTOS MANETAS es padre, precursor e inventor del concepto artístico Neen, a través del cual se busca definir la forma en que el ser humano interactúa con la tecnología.

Para lograrlo este griego combina en sus obras, que se puede ver en físico o a través de páginas web, elementos de moda, literatura, filosofía… La idea es transmitir un estilo de vida.

Para conocer más sobre su obra y la forma en que el público se interrelaciona con ella, EL NUEVO SIGLO lo localizó en su taller en Bogotá . Desde allí nos respondió el siguiente cuestionario.

EL NUEVO SIGLO: ¿Cómo decidió incursionar en el mundo de las artes plásticas?
MILTOS MANETAS. Comencé en la década de los 90, exactamente en 1995, cuando hice el Árbol triste, una pintura de tres árboles, donde dos de ellos son fuertes y el otro está inclinado, debilitado por el viento. Esta pintura se expuso en la mítica muestra Traffic curada por Nicolás Boudriaud en Bordeux (Francia). Esa fue mi primera incursión formal en el arte, pero no me sentí cómodo. Fue por ello que en 1996 comencé a pintar computadores y elementos que veía que eran catalogados como de última tecnología y que jamás habían sido pintados. Con la llegada del siglo XXI, vinieron nuevos retos y poco a poco fue naciendo Neen en mis exposiciones

E N S: ¿Qué es exactamente Neen?
M.M: Neen es un concepto que fue descubierto por casualidad y que tiene que ver con las sensaciones que tenemos de una manera inconsciente, a través de la pantalla de un computador, junto con la vida. Fuera del PC es un concepto. Para mi, con Neen, pasa lo mismo que con el concepto de arte, ya que en mi concepto cualquier persona con un computador ya es un artista. La cuestión real de Neen es cómo nos relacionamos con todo eso, qué cosas nos siguen gustando considerándolas en cierto modo personales, y qué cosas no son más que negocio.

E.N.S: ¿Cuál es el estilo pictórico que más lo identifica?
M.M: El estilo que me identifica es el realista. Aunque personalmente no creo en técnica o en estilos, pues sigo partiendo de la idea de que todos somos artistas, para mi el arte es algo que sale de uno mismo, cuando se siente una fuerte atracción por algo en especifico, es el resultado de ese sentimiento y puedo considerarlo como tal.

E.N.S: ¿Con que técnica artístíca se siente más identificado?
M.M: Aunque he producido pintura y animación con flash no creo en técnicas y no me identifico con ninguna. Cuando uno siente que es importante hacer algo busca la manera de hacer esa idea realidad, de la manera que sea. Precisamente por esto me interese mucho en logar una fusión entre la pintura y la animación con flash, experimento que ha sido exitoso ya que logro que las piezas se identifiquen con ambas técnicas al mismo tiempo. Pienso que la forma de hacer cosas es algo que se materializa a la vez que uno hace lo que le apasiona.

E.N.S: ¿En qué se inspira a la hora de crear sus obras de arte?
M.M: Lo que más me inspira es la oportunidad que ofrece el vacío, por esto me gusta el lienzo en blanco y el Internet. Yo no soy gran amigo de instalaciones y del arte conceptual, porque incluso el cuarto más desocupado esta lleno en términos de conceptos.

E.N.S: ¿Tiene nuevos proyectos o exposiciones para este año?
M.M: Los proyectos crecen como hongos, lo que es importante es salir de ellos siendo algo más que un decorador, un entretenedor o un payaso.

E.N.S: ¿Qué artistas lo han influenciado a lo largo de su carrera?
M.M: Estos días sólo recuerdo a Picasso, estoy seguro de que ha habido otros. Los artistas que me influencian son con los que colaboro. Aquí hay algunos nombres: Rafaele Rozendaal, Harm van den Dorpel y Ángelo Plessas.

TALENTO CRIOLLO DE EXPORTACIÓN Sánchez Lalinde, el maestro de la obra lúdica

2010-02-12T04:36:00.001-08:00

Sus creaciones elementales, modulares y universales han sido apreciadas en varios países de Medio Oriente y América Latina

RODOLFO Sánchez Lalinde se ha destacado en el campo de las artes plásticas colombianas por el manejo de la abstracción dentro del arte pictórico de sus cuadros, la mayoría de ellos realizados en gran formato. De igual forma, el minimalismo que maneja en sus esculturas se ha convertido en otro factor de éxito de este talento colombiano, cuyo trabajo ha trascendido fronteras.

Para conocer un poco más de su obra, de sus fuentes de inspiración, su trayectoria y su propuesta artística, EL NUEVO SIGLO habló con él.

EL NUEVO SIGLO: ¿Cuándo nace la pasión por pintar y esculpir?
RODOLFO SÁNCHEZ. A la edad de 7 años participé en un concurso de pintura por la Paz al Aire Libre en la Plaza de Bolívar, junto a cientos de niños, donde realizábamos pinturas en papel. Al final, una señora se acerca a mí, muy dulce, y me pregunta sobre el significado de mi trabajo. Luego, al momento de la premiación, tuve mi primer deja-vù, sabía que sería galardonado. Fue en ese momento inexplicable cuando me inicié en la pintura. Casi paralelamente fue mi incursión en la escultura cuando descubrí, como algo mágico, que arrastraba una casita plana a sus tres dimensiones con tan sólo trazar otra línea, la de profundidad.

E.N.S: Usted ha manejado las especialidades pintura y escultura, ¿con cuál se siente más identificado?
R.S.: He trabajado e investigado los diferentes posibilidades experimentales y de procedimiento que tiene cada material, y así logre determinar qué aplicación es la más adecuada dentro de la propuesta artística. Cada uno es un lenguaje diferente, pero los he identificado por un concepto, una dinámica y una filosofía común, la del “menos es más”, la de la obra abierta y lúdica. Para mí realmente ambas transcurren como un juego transitorio, en el que parece hay una regla: que son diferentes pero inseparables.

E.N.S: ¿Qué estilo pictórico y el escultórico siente usted, lo representa?
R.S: El pictórico es el de la abstracción y el escultórico es el conceptual, el minimalismo.

E.N.S: ¿Cuál es la musa que lo inspira en sus creaciones?
R.S: La imagen que se va develando, que se va descubriendo por sí misma, poco a poco capa tras capa, plano tras plano.

E.N.S: ¿Cómo define su obra en la actualidad?
R.S: Como un juego transitorio, como la lúdica entre lo permanente y lo efímero, como el lenguaje entre lo perceptible y lo imperceptible, como la búsqueda entre los cambios de las dimensiones, como un recreo en medio de planos y elementos básicos que se muestran múltiples y como espacios de una obra abierta y habitable.

E.N.S: ¿Qué elementos destaca de su última exposición?
R.S: En pintura, una gira individual organizada por la Dirección de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores, en el marco del Plan de Promoción de Colombia en el exterior, me permitió presentar una obra en el espacio museístico de varios países en el Medio Oriente. Así mismo, presenté mis creaciones en la ciudad argentina de La Plata donde pude ver cómo el público se sentía identificado con la obra, constatando su carácter universal, ya que puede tener múltiples lecturas y apuntar a un acercamiento con diferentes culturas.
En el campo de la escultura participé en la Colección Villacero que fue presentada en el Museo de Arte contemporáneo de Monterrey, México. En esta muestra participé con maestros como Anthony Caro (Inglaterra), Gilberto Salvador (Brasil), Francisco Gacitúa (Chile), y Piotr Twardowski (Polonia).

E.N.S: ¿Qué artistas considera han influido durante su carrera?
R.S: Miguel Ángel Buonarroti, Kandinsky, Mondrian, Oteiza, Beuys, Donald Judd, y Francesc Toorres.

E.N.S: ¿Qué es lo más importante a tenerse en cuenta en la creación de una obra de arte?
R.S: Que sea creativa, que siga una filosofía y una razón de ser.

NUEVAS PROPUESTAS EN EXPRESIONISMO ABSTRACTO Calderón y sus huellas del mundo

2010-02-12T04:35:00.001-08:00

La antropología, el periodismo y la religión le permiten a esta artista comunicar lo que para ella es el pasado, el presente y futuro de la humanidad.

EL EXPRESIONISMO abstracto a través de las pinturas en acrílico es un estilo de arte poco convencional ya que exige a los artistas excelencia en su técnica.

Vivian Calderón es una representante de esta corriente, quien en sus cuadros revela la magia de un universo colorido que impacta a quien los ve. Ella fusiona sus conocimientos en antropología con la pintura.

EL NUEVO SIGLO: ¿Hace cuanto comenzó en el mundo de la pintura?
VIVIAN CALDERON: He pintado toda mi vida, siempre que caía un papel en mi poder, me dedicaba a hacer dibujos con volúmenes, sobre todo en las clases y así me lograba concentrar. Pero llevo pintando 12 años oficialmente.

E.N.S: ¿Cuál es el estilo pictórico que más lo identifica?
V.C: El tipo de arte que yo hago lo es una fusión entre expresionismo abstracto y la antropología, en los que uno diferentes conceptos del mundo haciendo una investigación llamada huellas de la tierra, las cuales hacen parte de un universo mágico, el cual refleja el paso del hombre en el mundo que registran el pasado, el presente y el futuro.

E.N.S: ¿Usted ha manejado otras técnicas diferentes a la pintura en acrílico?
V.C: Claro que sí, he usado pasteles, carboncillo, óleo y acuarelas, He hecho escultura también. Pero el acrílico es mi pasión, además porque con él cree mi propia técnica, ya que mis cuadros llevan relieve porque mezclo diferentes elementos como estuco y arena.

E.N.S: ¿En qué se inspira para crear sus obras de arte?
V.C: Me inspiro en la vida misma, en el mundo que nos rodea. En el hombre y en el paso que dejan sus huellas. Las huellas son relacionadas con un universo mágico de color, de arena y en algunas cenizas, las cuales se transforman en varias cosas, es un gesto, es un paso, un movimiento. Es la tierra, la vida y al mismo tiempo la muerte. Es lo que está y lo que se fue; pero también es lo que duele, lo que alegra; lo que marca. Y como marca, queda impresa por siempre en la memoria, como impronta digital que deja huellas en la tierra; huellas mágicas dentro de un mundo pictórico.

E.N.S: ¿Durante estos años cómo definiría su obra?
V.C: Mis obras son el reflejo de mis investigaciones, son mundos mágicos llenos de color, dedicación inspiración y arduo trabajo. Ha sido todo un proceso de aprendizaje durante 12 años de estudio y entrega del cual no dejo de aprender y estudiar.

E.N.S: ¿Qué puede destacar de su última exposición?
V.C: Mi última exposición fue en Cartagena de Indias en el Hotel Hilton, en donde estaba asistiendo a un congreso. Fue una experiencia muy grata porque a la exposición asistieron personas de todo Latinoamérica y eso me dio la oportunidad de mostrar más allá mi trabajo, que gustó mucho. El problema fue que al enviar unas obras de vuelta a Bogotá, no se sabe si se robaron una, se refundió o se quedó en Cartagena. Pero ya podemos decir que cada obra tiene su propia historia.

E.N.S: ¿Qué artistas la han influenciado a lo largo de su carrera?
V.C: Puedo decir que artistas como Rothko, Malevich, Kandinsky, Pollok, Mondrian, Picasso, Miró, Jacanamijoy y Carlos Orrea han sido gran influencia en mi aprendizaje, además de la admiración y el gran respeto que siento por ellos, sobre todo por el maestro Carlos Orrea, al cual le debo todo mi aprendizaje.

E.N.S: ¿Qué es lo más importante que se debe tener a la hora de realizar una obra de arte?
V.C: Creatividad, habilidad, conocimiento pictórico y dedicación.

E.N.S: ¿Tiene nuevos proyectos o exposiciones para este año?
V.C: Aspiro poder exponer pronto. Estoy en la búsqueda de un espacio para poder mostrar mis obras pero el tema de las galerías es muy complicado en Colombia. Muchas te reciben pero no siempre ven el material que les dejas. Hoy en día el arte está enfocado hacia el arte conceptual y yo no soy conceptual, soy expresionista abstracta. Así que como proyecto principal, en este momento estoy en la búsqueda de un espacio para hacer mi próxima exposición que va a estar llena de color, movimiento y magia.

EL RESPLANDOR DEL METAL HECHO ARTE La confusión en el universo sensorial de Hakim

2010-02-12T04:34:00.001-08:00

Aros de acero y repuestos automotrices son fusionados por la escultora bogotana con el fin de crear una dimensión propia.

CUANDO el espectador entra a las instalaciones de la Galería Mundo se puede sumergir en otra dimensión, una creada por la artista Claudia Hakim, quien desde esta semana expone su más reciente creación llamada “Resplandor”, una muestra desarrollada con piezas en gran formato con materiales industriales como el acero, la tortillería, los retales de la industria automotriz, entre otros.

Para “Resplandor”, la artista bogotana hizo del metal un gran protagonista, pues en la galería se pueden observar 43 metros de cortinas tejidas con aros de acero, los cuales componen un gran laberinto donde el visitante tiene la oportunidad de entrar en una dimensión sensorial, de encontrar barreras, de seguir un recorrido, para finalmente ver la luz.

En esta monumental obra se evidencia el juego de la contradicción planteada por Hakim entre la luz y la sombra, los tonos dorados y plateados del metal, el reflejo y la oscuridad, que introducen al espectador en un ambiente que le devuelve su propio reflejo, redimensionando la relación creador-espectador y creador-espacio.

“Busco cambiar algunos elementos de la escultura tradicional, para poder elaborar otros conceptos de tridimensionalidad y alterar la manera de vivir el espacio. En “Resplandor” el visitante está compenetrado con la obra que lo envuelve, lo direcciona, y su vivencia en ésta es la que termina reconstruyéndola”, dice la artista.

Se podrán apreciar alrededor de diez piezas que caracterizan su trabajo escultórico, elaboradas en materiales fuertes y pesados como: los metales, tuercas, tornillos y residuos extraídos de talleres de metalmecánica, con los que logra movimiento y liviandad, generando una dualidad en la forma de percibir su obra.

Sobre la artista

Claudia Hakim obtuvo en 1975 el título de diseñadora textil de la Universidad de los Andes y luego trabajó por varios años en la industria textil como directora en departamentos de estampación y color en las ciudades de Cali y Bogotá.

Se vinculó a la Universidad de los Andes como docente en el taller de textiles entre 1980 y 1985, y como directora del programa de Tésis durante 1993 y 1994.

Desde 1980 ha realizado varias exposiciones colectivas en el campo textil en las ciudades de Bogotá y Medellín. Encuentro del Minitextil en Argentina y Uruguay y “Arte textil fibras USA”. Participó en el salón Nacional de Artistas de 1993 y de 1994. Viajó a Inglaterra en 1996 y recibió el diploma en estudios de Cerámica y Escultura en Oxford College.

Desde 1998 se dedica a la escultura trabajando diferentes materiales como concreto fundido, acero y cristal con especial interés en el manejo de la obra en el espacio público.

Ha expuesto en diferentes parques de Bogotá y su obra se encuentra en forma permanente tanto en el espacio público como colecciones privadas. En 2003 fue escogida para participar en el Primer Salón Andino de Escultura, Museo Municipal de Arte Moderno, Cuenca, Ecuador. Fue invitada a la Galería Nacional de Arte Moderno de Nueva Delhi, a inaugurar la sala temporal de exposiciones.

Sobre el ciclo

Ésta es la cuarta exposición del ciclo Diez por 10 + uno, donde once artistas colombianos, de distintas generaciones, con diversidad de temáticas y a través de sus propias voces y visiones, muestran las particularidades y problemáticas del mundo contemporáneo.

Dentro de este grupo de artistas, Claudia Hakim plantea confusión a partir de un universo sensorial, Carolina Convers se acerca a la particularidad de encontrar una voz femenina en la memoria, Nohemí Pérez muestra la problemática social y de poderes que está cambiando el rumbo de la historia; Iván Rickenmann aborda el tema de los objetos cotidianos y cómo los seres humanos se relacionan con los mismos; Germán Botero cuestiona, a su vez, los imaginarios, los deseos y los sueños; Gonzalo Fuenmayor increpa sobre la identidad y la historia.

Otros artistas invitados que se estarán presentando más adelante en este ciclo de exposiciones son: Carlos Salas, Eduard Moreno, Eva Celín, Darío Ortíz, Fernando Pareja y Leidy Chavéz.

ESTARÁ PRESENTE EN EL CÍRCULO DE LA MODA Las noches invernales de Mabel Palacio

2010-02-12T04:32:00.000-08:00

Vestidos ceñidos, pantalones entubados y blusas en seda son algunas de las prendas que conforman su nueva colección

MABEL PALACIO siempre ha cautivado al público femenino con sus innovadoras propuestas para vestir y su estilo característico. EL NUEVO SIGLO habló con ella sobre su más reciente colección “Noches de invierno”’.

EL NUEVO SIGLO: ¿Qué elementos utilizó para la creación de la nueva colección “Noches de invierno”?
MABEL PALACIO: Esta es una colección de alta costura, por ello me inspiré, como su nombre lo dice, en la temporada invernal, en el romance que se percibe en el aire en esas noches italianas, donde el glamour y la belleza se combinan para mostrar una mujer muy glamorosa y sofisticada. Decidí usar esos sentimientos al momento de crear la colección. Diseñé los vestidos pensando en la gente, en qué podrían usar en esos instantes especiales con su pareja. Son elegantes, pero al mismo tiempo frescos y fáciles de usar.

ENS: ¿Cuántas prendas conforman la colección y de qué tipo son?
MP: Son un total de 70 prendas, donde se pueden ver vestidos ceñidos al cuerpo y pantalones entubados, con cortes asimétricos para la noche. Exploro la combinación de los materiales como la seda, el cuero y la gamuza, entre otros. También se ven algunos con falda en tubo, chaquetas y abrigos en cuero ajustados, que son los más importantes de la colección.

ENS: ¿Qué colores y materiales utilizó?
M.P: Bueno, en realidad trabajé con los tonos tierra, acentuando el vinotinto, el verde y el amarillo quemado. En cuanto a los materiales, como dije anteriormente uso como base la seda, y juego mucho combinándola con cuero, gamuza, tafetán, paños y chantilly

E.N.S: ¿A qué tipo de mujer esta dirigida la colección?
M.P: A una mujer muy glamorosa, femenina, actual y que le guste estar siempre al tanto de la moda.

E.N.S: Se dice que la moda no es para todo el mundo, si una mujer no tiene un cuerpo escultural pero desea estar a la moda ¿qué es lo más recomendable?
M.P: Primero lo que yo miro como diseñadora es el tono de la piel de la persona, el color del cabello, los atributos tiene y cuál es la parte que más se destaca en ella. No existen diseños establecidos para cada persona, lo que se debe tener en cuenta siempre es qué colores le quedan mejor y qué cortes. Pero en general lo más recomendable son los colores oscuros, para reducir un poco el volumen, usar cortes rectos, y materiales livianos porque ayudan a aquellos que son pesados verse un poco menos rellenos.

E.N.S: ¿Cómo es el proceso de investigación que realiza un diseñador?
M.P: Primero, viajar mucho. En mi caso voy a Europa y a Nueva York. Segundo, mirar qué se va a usar a futuro y tener en cuenta a que nivel social se va a diseñar. Tercero, elegir qué colores se van a usar porque varían si es una colección deportiva, de alta costura, etc. Luego, se empiezan a mirar qué materiales se van a utilizar, qué cortes, qué tendencias se puede adecuar a la colección, pero sobre todo mirar mucho el clima del lugar en donde uno piensa exponer o vender su colección. Es importante, diseñar pensando en si la persona lo va a usar o no, pues muchas veces se diseñan cosas que son obras de arte pero no son funcionales. En realidad, en la moda todo ya está inventado, todas las tendencias ya están establecidas, lo único nuevo en la moda son las telas que nacen día a día.

E.N.S: ¿Qué es lo que diferencia a Mabel Palacio de los demás diseñadores?
M.P: Lo que me define a mí como diseñadora es la línea, el estilo, el glamour. En mí caso, me esfuerzo en marcar la elegancia.

CAMARGO Y LA BUSQUEDA DE LA ESENCIA DE MUTIS Tiquete artístico para una expedición botánica en el siglo XXI

2010-02-12T04:31:00.000-08:00

A través de pinturas de gran y pequeño formato, se eterniza una parte de lo que puede llegar a extinguirse causando en el espectador sensaciones que lo transportan a su niñez

La galería Arte Consultores, en compañía de la galería Francisco Quintana Arte, presenta una muestra de 29 pinturas del artista Hermann Camargo, que estará abierta al público hasta el 18 de febrero.

Esta será la primera de una serie de exposiciones, que proponen rescatar para la historia imágenes de tradicionales frutos colombianos, algunos de ellos ya en el olvido ante la presión sobre las selvas y bosques nativos.

Hermann Camargo Ofrece una nueva muestra de pinturas en su tradicional lenguaje hiperrealista. La preocupación del artista por construir un testimonio y rescatar aquella Colombia que está perdiéndose en la mutación de la naturaleza, los paisajes y las costumbres, lo llevó a recorrer en los últimos años, zonas del territorio nacional en busca de esos frutos tradicionales y exóticos.

En esta búsqueda Camargo se da cuenta de que a medida que transcurre el tiempo, estos frutos han sufrido diferentes tipos de mutaciones para así adaptarse a cada época. Son sabores, formas y aromas han sido incorporados por distintas culturas, híbridos de una transculturación de encuentros y choques, paisajes transformados por el paso del tiempo y la mano del hombre.

Para guardar testimonio todo lo que alguna vez fue y en el futuro puede ya no ser, el artista se convierte con sus cuadros en una especie de “guardián” de la historia, procurando realizar una recopilación de un “Patrimonio Mutante” y quizás perecedero, para poder conservar la imagen y quizás el imaginario sensorial de toda la riqueza natural de Colombia.

El artista logra una fiel reproducción de los frutos causando un deleite visual que estimula papilas gustativas y olfativas del visitante, logrando una remembranza de un antaño en el cual era común en casas y fincas encontrar frondosos árboles o pequeños arbustos o humildes enredaderas en sus jardines que ofrecían toda clase de frutos.

Inmortales

Mamey, zapote, papayuela, lulo, mamoncillo, tomate de árbol, mango biche, maracuyá, guayaba verde, pitaya, pomarrosa, carambolos, mangostinos, y arazá, también otros exóticos y glamorosos manjares Y algunos eternos como el cacao y totumo. Todos ellos han acompañado generaciones creando recuerdos y aventuras. un minucioso ejercicio de pintura al óleo donde se pueden apreciar el colorido, la luz y las formas de frutos autóctonos puestos sobre un paisaje de hojas que captura los infinitos tonos de verde preservando todo esto para la posteridad.

Cada una de las obras están bautizadas con los nombres científicos de las frutas recordando las exploraciones y testimonios realizadas por Mutis en la “Expedición Botánica”.

Acompañando a estas pinturas se encuentran dos óleos de gran formato donde dos gigantescas mandarinas juegan entre sí creando un díptico casi surrealista mostrándonos la dualidad entre lo masculino y lo femenino, y el carácter de la individualidad de cada fruto.

ISABELLA SANTODOMINGO, 90% DE REALIDAD Y 10% DE FICCIÓN Mujer multifacética que se apasiona por las letras

2010-02-12T04:30:00.001-08:00

Por Ángela María Calderón
Periodista de El Nuevo Siglo

Sony Entertainment Televisión produce una serie con el mismo nombre de uno de sus libros, Los caballeros las prefieren brutas.

Como una mujer sencilla y luchadora se autodefine Isabella Santodomingo, un personaje que en Colombia no sólo ha sobresalido por su talento actoral sino también por haber brillado con luz propia en cada una de las facetas que ha decidido experimentar para darse cuenta que su verdadera pasión es el contarle al mundo su particular manera de ver la vida por medio de la escritura.

Para este año, la actriz tiene muchos planes, entre ellos el estreno de la película colombo panameña Chance -donde debuta como protagonista-, organizar su próximo stand up comedy que aunque no tiene claro cómo titulará el espectáculo tiene en mente los nombres “Sexorcismo” (igual que un libro de su autoría) o “Diamante en bruto”, y el desarrollo de proyectos de la compañía dedicada a la creación y producción de contenidos que tiene con la también actriz Paola Turbay, llamada Partida de Ideotas, y piensa estudiar una temporada en Los Ángeles.

Tras el éxito hace unos años de su libro Los caballeros las prefieren brutas, este año la productora en Latinoamérica Sony Entertainment Televisión decidió adaptar un guión del tema con el mismo nombre para una serie que saldrá al aire este mes y en donde brillará el talento colombiano. Productora que para la autora logró captar la esencia de lo que ella quiere transmitir por medio del texto al lector.

A pesar de ser considerada como una figura de culto entre las mujeres por sus escritos y causar gran expectativa cuando comienza a hablar de lo próximo que va a hacer, es algo que en realidad no le afecta. ‘‘Yo no lo estoy haciendo por lucrarme, yo sólo me divierto mientras escribo y narro lo que me sucede a mí y a las personas que me rodean; si la gente me quiere interpretar mal, a mí como persona, no en libros, lo fácil es decir ‘ella se cree psicóloga, se cree que sabe’. En el libro digo que no sé, como no sabemos ninguna, y no vamos a saber nunca. Lo único que hago es divertirme mientras comparto mis dudas y mis vivencias a los demás”.

Su filosofía la define como 90 por ciento de reflejo de su visión de la realidad y 10 por ciento de ficción. ‘‘Cuando lancé el libro fue tímido, y fue gracias al boca a boca que se fue dando, y hoy por hoy soy una figura de culto. Se siente bonito, pero no me siento más farándula”, dice con toda seguridad.

Su acercamiento a la escritura comenzó a los 13 años con la realización, edición y distribución de una caricatura llamada Chela, que intentó vender sin éxito en el edificio donde vivía en esa época con su familia. Este comienzo marcó su vida ya que a pesar de que a nadie le gustaba por lo mala que era, para ella tenía gracia y fue algo que puede decirse que le dio un punto de partida en el mundo de las letras.

Asimismo su apellido y talento le abrieron puertas para desempeñar su faceta periodística en diarios de su natal Barranquilla como El Heraldo y El Caribe, y al llegar a Bogotá le permitieron ser columnista de El Tiempo y Soho y crear las revistas Shock y Control TV, al igual que ser directora de la revista Carrusel durante 4 años.

La actuación llegó por casualidad a su vida, y se convirtió en una pasión, la cual intercala con sus demás responsabilidades y le ha dado grandes satisfacciones a su vida pero que no la ha apartado y le ha ayudado a confirmar que lo suyo son las letras y el contar cuentos que diviertan a los demás. En cuanto al stand up comedy, Isabella Santodomingo dice que es una experiencia maravillosa ya que nunca se sabe qué va a suceder, pues el interactuar con el público permite que cada presentación sea diferente. Todas las experiencias de su vida las tiene compiladas en su computador, pues todas las noches llega a escribir cómo fue su día, elementos que utiliza para la realización de sus libros.

La falta del gen del miedo es lo que ha hecho que esta talentosa mujer se haya movido en tantas facetas, logrando así consolidar una exitosa carrera que sigue en ascenso, pues considera que aunque la vida no es tan elemental como se cree hay que vivirla, aprender de los errores y avanzar sin arrepentirse de nada.

Contratos electrónicos generan inconvenientes a las pyme de A.L.

2009-09-10T06:00:00.000-07:00

Actualmente, hay pocos países del continente donde esta legalizada la firma y los documentos digitales. Lo que se evidencia es que la reglamentación existe, sin embargo, no esta legítimamente constituida como una acción legal.

Un porcentaje significativo de las pyme de América Latina aún celebran sus contratos de manera tradicional y no en forma electrónica. Según un estudio realizado por la firma RGX, 20 por ciento de los hombres de negocios realiza sus negociaciones por medio de una factura pro forma, mientras que 42 por ciento lo hace mediante las herramientas digitales.

El problema de este tipo de transacciones, radica en que en la mayoría de los países del continente, las firmas y documentos digitales no forman parte de un elemento probatorio en el caso de un proceso judicial.

Esto significa que los mencionados documentos no son validos, situación que ha causado un vacío legal que obliga a las empresas a formalizar los acuerdos por medio del correo tradicional o vía fax. Lo anterior lleva a que en muchos casos en muchos casos se retrase la transacción o aumente los costos de la misma.

Ante la falta de legislación en la firna digital, la solución que ve el analista, Mariano Mastrangelo, representante de RGX sobre este tema es que el exportador se acoja a las leyes de los países que ya trabajan con esta normatividad para evitar problemas a futuro con la ejecución de los contratos y de esa manera poder realizarlos vía electrónica. Los países que en este momento tienen reglamentadas este tipo de transacciones son Estados Unidos, Chile, México y Colombia.

En el caso colombiano, la legislación de documentos y firmas digitales está vigente desde hace dos años, lo que permite que los exportadores se acojan a la normatividad colombiana con miras a que documentos validos legalmente.

Para el presidente de Analdex, Javier Díaz Molina, este es un tema que se ha trabajado con las cámaras de comercio y Confecámaras, gremio con el que se creó un ente centralizado cómo Certicámaras que es el encargado de registrar y almacenar las firmas electrónicas. Está certificación permite que los documentos enviados por Internet tengan validez.

Según Díaz Molina lo más importante es que “los empresarios sepan que pueden realizar sus transacciones por este medio que posibilita el ahorro de tiempo siempre y cuando estén bajo las reglas.

El estudio

Según el director de la firma RGX, Diego Frediani lo más importante de este estudio fue
conocer la realidad sobre el estado y la operatividad de las pyme en Latinoamérica. En su concepto, el mismo permite sugerir la corrección de errores y hacer un mayor hincapié en los aciertos para así proyectar un mejor crecimiento del comercio exterior dentro de este sector sobre unas bases sólidas.

La investigación se realizó sobre los hábitos operativos de exportación de las pyme en Latinoamérica. Donde por medio de un dossier dividido en dos partes se ven las mejores prácticas que ya están realizando las empresas en materia de operatividad y las oportunidades de mejora que se observan. Además, en el mismo se ofrece una completa comparación sobre como se encuentran posicionadas pequeñas y medianas empresas colombianas respecto a sus pares regionales.

Dentro del estudio se analizaron diversos aspectos vinculados al desarrollo de contratos, contenidos, inconterms, forma de cobro y envío al exterior, así como la organización operativa del departamento de exportación.

Algunos de los datos obtenidos en el estudio indican que 46 por ciento de las pyme de la región poseen estructuras dedicadas exclusivamente al comercio exterior, en el caso colombiano esa cantidad sube al 57 por ciento.

Bogotá tiene una alta vocación exportadora

En el contexto local, es el director de la pyme exportadora el que realiza la gestión de venta al exterior en 33 por ciento de los casos. El total de la muestra para la realización del estudio fueron 230 empresas que tuvieran un costo de importaciones entre los 45 mil dólares y un millón de dólares. En el caso de Colombia, participaron 30 compañías donde 50 por ciento de ellas se encuentran ubicadas en Bogotá.

RELACIONES El romanticismo se ha perdido por la tecnología

2009-06-14T14:45:00.000-07:00

Por Ángela Maria Calderón
Periodista EL NUEVO SIGLO

La Internet, la falta de tiempo y el poco
interés de los jóvenes por comunicarse con los demás son algunos de los factores que afectan las relaciones de pareja en la actualidad

ATRÁS HAN quedado las cartas de amor y el envío de ramos de flores, los poemas y las serenatas a la hora de conquistar. Al parecer, estas muestras de cariño, con el paso del tiempo, han perdido importancia al momento de cortejar a la persona amada.
Para Diana Matta y Camilo Casas, estudiantes universitarios, la razón principal de la pérdida del romanticismo en los jóvenes es que ya no se piensa en pareja sino de manera individual, “pues a medida que crecemos, nos volvemos más egoístas e individualistas, por lo que es un reto conseguir pareja o en muchos casos mantenerla, ya que no tenemos tolerancia para aguantar al otro”, concluye Matta.
Para la psicóloga y terapeuta de parejas Doris Meza, la razón principal por la cual los jóvenes se comunican menos en la actualidad es porque muchos de ellos no fueron educados por sus padres sino por el colegio, sus amigos y en muchos casos, por las niñeras o empleadas de servicio, por lo que esta falta de afecto familiar creó en ellos una coraza en la cual ocultan sus sentimientos para no ser lastimados, lo que dificulta la comunicación al momento de buscar pareja

Relaciones virtuales

Para muchos hombres como Diego González, estudiante universitario, la tecnología tiene muchas ventajas, ya que se pueden conocer a personas de todo el mundo y entablar ‘relaciones virtuales’, en donde en teoría se tiene cierta libertad, y lo único que se necesita para mantener esos lazos es mandar un correo electrónico para recordar ocasiones especiales, como el día que se cumple un mes de haberse conocido.
Según la psicóloga Alejandra Borja, “el aumento de las relaciones de este tipo se debe a que los jóvenes prefieren ocultar sus sentimientos por temor a que los lastimen, por esta razón prefieren en muchos casos entablarlas por medio del chat, ya que les da cierta libertad de no tener a alguien que los moleste pero sin darse cuenta de que por este medio también pueden crearse ilusiones y aunque para muchos es un juego, sin darse cuenta terminan lastimando a la otra persona con la que supuestamente entablan una relación sentimental”, concluye la terapeuta.
Así mismo, la existencia de este tipo de comunicación ha hecho que se pierda el contacto físico que es fundamental en toda relación, ya que el envío de postales y cartas, las cuales en el pasado eran las que alimentaban las expresiones de amor, ahora han pasado a un segundo plano por las tarjetas electrónicas o un ‘e mail’, que se explica en la facilidad que implica mandar un correo de este tipo y lo económico que resulta. Adicionalmente, los avances en multimedia hacen un poco más creativa la manera de dar ese mensaje especial.
Esto no quiere decir que en todos los casos pase lo mismo, porque existen parejas que por este mismo medio han podido entablar un trato mucho más personal e incluso han llegado al matrimonio.

Romances a la antigua

Pero para otros jóvenes como Sergio Hernández, la Internet ha alejado más a las parejas "pues irónicamente, al tener más medios para comunicarnos menos lo hacemos, por lo que en mi caso lo que trato de hacer es comportarme con mi novia a la antigua. Esto quiere decir que le envío flores, le doy serenatas y la invito a comer de vez en cuando”.
Según la psicóloga Martha Jiménez, el retorno a este tipo de comportamientos se debe a que muchos sienten la necesidad de vivir la emoción de conquistar y ser conquistado, por lo que necesitan acudir a los rituales clásicos para acercarse al sexo opuesto.

Para Meza, el deseo de los jóvenes de regresar a estas tradiciones de conquista a la antigua confirma la ausencia de amor en las nuevas generaciones, pues desgraciadamente, los medios de comunicación han creado la concepción del amor sufrido estilo novela, el cual entre más trágico sea, mejor. Esto genera muchos temores tanto en jóvenes como en adultos para aventurarse en una relación sentimental, pues desde antes de comenzar, ya tienen temores y una idea preconcebida de que no va a funcionar.

¿Qué hacer para perder ese temor?

La manera más fácil de no intimidarse y poder comprometerse en una relación es arriesgándose a vivir la vida sin complicaciones. Lo más aconsejable en estos casos es salir, conocer gente, regalarle una sonrisa a alguien, así no se conozca a la persona.
Debe procurarse entablar amistades sin tener que usar el computador, para de esta manera salir de esa zona de confort en la cual la persona se siente bien sin ser agredida por nadie, entablando relaciones por el chat y sin tener un contacto físico.
Para poder tener una socialización sana es necesario arriesgarse y frecuentar lugares como bares, bibliotecas y centros comerciales. En conclusión, los jóvenes necesitan romper las barreras que les impiden relacionarse con las personas del sexo opuesto a la hora de conseguir pareja.

ADAPTACIÓN DE GEORGE TABORI EL R-101 'desnuda' a Mi Lucha de Adolfo Hitler

2009-03-09T17:21:00.001-07:00

Por: Ángela María Calderón

Por medio del humor negro y el uso adecuado
de la farsa medieval, el grupo de teatro R-101 logra una acertada adaptación de la obra de George Tabori

Pese a que la obra trata un tema complejo como lo fue la Segunda Guerra Mundial, la propuesta del grupo es acertada debido a que logra, por medio del humor negro, acercar estos hechos históricos a nuestra realidad nacional, pues como dice el autor “en el centro de cada chiste, se esconde un pequeño holocausto”.
Mi lucha -farsa- es un maravilloso y terrible ejemplo de cómo expresar las grandes tragedias del hombre por medio de la literatura. Es además la respuesta a la pregunta sobre cómo seguir viviendo después del imperio del miedo. El resultado es una obra genial, emergida del horror más absoluto, a la altura de los grandes clásicos. La obra describe literalmente la inesperada relación entre Schhlomo Herzl, un judío improvisado pero bastante informado, y el tosco Adolfo Hitler que acaba de llegar a Viena con la ilusión de triunfar en el mundo del arte.
En esta puesta en escena se cuenta la historia de Hitler, basándose en su propio manifiesto ideológico. Tabori no ridiculiza a este histórico personaje, simplemente lo cita. Esta pieza está llena de símbolos, de metalenguajes, de situaciones cotidianas y de temas trascendentales, enmarcados en un suceso histórico que sigue presente en lo más profundo del “conciente colectivo”.
El grupo logra, por medio del humor negro, que el público tome consciencia no solo de algo que sucedió en Europa hace 50 años, si no también de la situación actual de nuestro país haciendo, por medio de las referencias históricas, una adecuada crítica sobre el sistema político y religioso que vivimos actualmente. Para Álvaro Franco uno de los actores “lo más importante que hay que rescatar es el hecho de que la obra fue escrita casi en un lenguaje universal algo que permite que se pueda adaptar en cualquier lugar y en cualquier época”, concluye el actor.
Para el director Hernando Parra, lo más gratificante para el grupo con la presentación de esta obra, fue haber traído por primera vez a nuestro país una obra de este autor pues a pesar de ser un gran dramaturgo no es muy conocido en Colombia “por lo que para nosotros es un orgullo traer este montaje por primera vez a Colombia después de que ha recorrido muchos países alrededor del mundo después de haber sido escrita en 1987”. Afirmó el director.

Utilidad de ISA crece 134 por ciento, a marzo

2008-12-18T23:46:00.000-08:00

Por: AngelaMaria Calderon

El Grupo continúa registrando resultados favorables en sus indicadores financieros. Durante el primer trimestre del año, la utilidad neta registrada por la empresa fue de 145.775 millones de pesos, lo cual representó un incremento de 134 por ciento, proveniente de los resultados operacionales y de los ingresos no operacionales derivados de la diferencia en cambio de la deuda.

El resultado de los primeros tres meses reportado por las operaciones de la compañía fue de 425.437 millones de pesos, con un incremento de 65 por ciento frente a la cifra de 2007, producto de los mayores ingresos y de los menores costos y gastos operacionales.

Por su parte, la utilidad consolidada por el Grupo Nacional de Chocolates, se ubicó al cierre de los tres primeros meses del año en 64.484 millones de pesos, mostrando un alza de 52,8 por ciento con respecto a la alcanzada en marzo del año anterior. Las ventas consolidadas de la compañía, ascendieron a 876.511 millones de pesos lo que representó un aumento de 13,9 por ciento con respecto a las del mismo período del año anterior.

En el caso de Industrias Estra las utilidades fueron de 383 millones de pesos evidenciando un crecimiento de 363 por ciento frente a las obtenidas el año anterior en este mismo lapso, las cuales sumaron 82 millones de pesos.

En el caso de los ingresos operacionales se presentó una baja de 7,5 por ciento. Este año el monto ascendió a 17.178 millones de pesos mientras que el año anterior sumó 18.580 millones de pesos.

Los tres primeros meses del año también fueron favorables para Telefonica Móviles. Las ganancias netas de esta firma operadora de telecomunicaciones fueron 69.167 millones de pesos, comparadas con un saldo en rojo de 72.670 millones de pesos al término del tercer mes de 2007.

En ingresos operacionales de la empresa totalizaron este trimestre 531.651 millones de pesos, un crecimiento de 17 por ciento.

Más resultados

En el caso de Cinecolombia las utilidades bajaron 10 por ciento comparadas con las del ejercicio anterior. La ganancia sumó 6.696 millones de pesos este año mientras que en 2007 fue 7.163 millones de pesos.

Las utilidades de la constructora Conconcreto, entre tanto, crecieron 76 por ciento, mientras que los pasivos se redujeron cinco por ciento frente a 2007 con un total de 132.261 millones de pesos. Los ingresos operacionales de la compañía fueron 92.368 millones de pesos creciendo 57 por ciento.

En el sector de los ingenios azucareros, Riopaila S.A registró ventas por 7.504 millones de pesos evidenciando un aumento de 4,7 por ciento frente a los 7.868 millones de pesos reportados en 2007.

Así mismo, la empresa mostró pérdidas de 2.674 millones de pesos, 4,14 menos que el saldo en rojo totalizado el año anterior por 2.790 millones de pesos.

Situación similar se presentó con la Promotora de Café de Colombia, que sigue arrojando pérdidas a pesar de que el volumen disminuyó 24 por ciento frente al mismo trimestre del año anterior al sumar 3.515 millones de pesos.

Los ingresos operacionales totalizaron 16.162 millones de pesos, 80 por ciento más que el año anterior que sumó 8.999 millones de pesos.

Las ventas netas de la textilera Enka alcanzaron entre enero y marzo, 97.624 millones de pesos, evidenciando una reducción de 25 por ciento. Las exportaciones alcanzaron 13,8 millones de dolares, equivalentes a 27 por ciento de las ventas totales.

Los ingresos en pesos tuvieron un impacto negativo de 43.877 millones de pesos, como consecuencia de la revaluación del peso. El resultado neto del período analizado muestra una pérdida de 3.841 millones de pesos.

Mientras las firmas reportan a la Superfinanciera, Isagen inició el pago de dividendos a los accionistas por valor de 135.485 millones de pesos equivalentes a 49,70 pesos por acción.

Los dividendos se pagarán, de acuerdo con lo aprobado en la Asamblea Ordinaria de Accionistas, en dos cuotas iguales de 24,85 pesos por acción. En cada pago se cancelará un total de 67.742 millones de pesos. El primer pago se realizó el pasado miércoles 30 de abril a los más de 66 mil socios de la empresa y el segundo pago se llevará a cabo el 30 de octubre de 2008.

RESTAURANTES Lemaître Plaza: cocina costeña con toque ‘internacional’

2008-08-10T18:04:00.000-07:00

Este restaurante toma el concepto de fusionar y destacar los sabores de la región, pero le da una sazón especial para que cada preparación sea una experiencia diferente.

“COMIDA costeña con estilo propio”. Así define el chef Juan Camilo Lemaître las preparaciones del restaurante “Lemaître Plaza”, el cual, desde enero de este año deleita a los visitantes de una de las zonas más exclusivas de la Bogotá con los sabores de la comida caribeña
Ubicado en la calle 93 con carrera 12, este restaurante ofrece a sus clientes un plato diferente e improvisado por el chef. Pese a que las preparaciones siempre llevan el mismo nombre, su elaboración no siempre es la misma.
Lemaître denomina este estilo como cocina personal, debido a que al momento de preparar los platos nunca se guía por una receta, sólo se toma la de los platos y se acomoda al gusto del chef. Esto le da característica al restaurante, es decir, que no siempre los sabores van a ser los mismos. En sus preparaciones se pueden apreciar los sabores del mango, el coco, el jengibre y la pimienta.
La influencia caribeña se ve en los platos tipo cartageneros que se sirven los viernes como la carne desmechada, el mote de queso, la posta negra, el sancocho de pescado y el arroz apastelado. Todos los viernes el menú varía y se sirven platos 100% de La Heroica’.
Los domingos, el especial de Lemaître es el "Brunch cartagenero", que puede incluir variedad de preparaciones, como las carimañolas, la arepa de huevo y los buñuelos de maíz, entre otros típicos de la región
En cuanto a las bebidas se maneja una gran variedad caribeña en como el jugo de borojó y corozo; cocteles cartageneros como el que viene preparado con ron y kola roman, y el curazao que viene endulzado con leche condensada. Claro que no falta el coctel de la casa que viene preparado a base de jugo de mango biche.
Por estar al interior del hotel Pavilion Royal deben tener una gran variedad de platos y cocteles y adaptarlos a la comida internacional.
El restaurante maneja dos cartas: una para los huéspedes y otra para los clientes. La primera trae platos más sencillos, pero con la característica del toque personal.
Según Lemaître “parte de las grandes barreras que se presentan con el cliente de fuera es que nos vean como el restaurante del hotel, ya que en Colombia no se tiene la cultura de comer en este tipo de restaurantes. A pesar de estar al interior del hotel, los precios de los platos son asequibles, eso si, sin perjudicar la calidad de los platos” afirmó.
El diseño del restaurante es agradable. Presenta dos ambientes: el interno, dirigido a aquellas personas que quieren pasar un rato íntimo, y la terraza, en el cual los visitantes tienen más contacto con el ambiente del parque de la 93 y disfrutar de un espacio cálido y tranquilo.
El lugar es visitado en su gran mayoría por ejecutivos y extranjeros pero también hay cabida para aquellos jóvenes universitarios que desean pasar una agradable velada en un tranquilo lugar del parque de la 93.
La arquitectura del establecimiento se presta para una rumba calmada, pues está diseñado pensando en aquellos que sólo desean hablar y tomarse unos tragos con los amigos, disfrutando de una buena comida.
El costo de los platos oscila entre los 10 y 70 mil pesos.

El chef

Desde su infancia, Juan Camilo Lemaître experimentó en las veladas familiares la preparación de diferentes platos. Esto lo impulsó a desarrollarse profesionalmente en este campo.
Al preguntarle sobre el por qué de la definición de ‘cocina personal’ y no de ‘cocina de autor’, declara que su trabajo no es inventar los platos sino adaptarlos a su gusto y darle su toque personal a los ya establecidos, dándo así su aporte original al arte culinario.

2008-08-07T11:19:00.000-07:00

ÁNGELA MARIA JOSÉ CALDERÓN MEZA

COMUNICADORA SOCIAL PERIODISTA POLITÉCNICO GRANCOLOMBIANO

amcalde@gmail.com

Comunicadora social periodista Con experiencia en producción y manejo de discursos comunicativos periodísticos en radio prensa, televisión e internet. Con conocimientos de diseño gráfico y redacción digital. Adicionalmente con capacidades para manejar desde el ámbito organizacional una empresa en el área de relaciones publicas con experiencia en jefatura de prensa, y trabajo dentro de la comunidad.

ASPIRACIONES

Como comunicadora social con énfasis en periodismo del Politécnico Grancolombiano, quisiera informar de manera transparente los diferentes acontecimientos del campo económico, político y cultural del país de manera altruista. Soy una profesional capacitada en le manejo de Microsoft windows, Microsoft Office (Word, Excel, Powerpoint, Front Page, Publisher Y Outlook Express) manejo de programas de diseño gráfico y digital Corel Draw., Corel Photo Paint Flash Macromedia, Fireworks Macromedia, Dreamweaver, Freehand Adobe Photoshop, Adobe Pagemaker. Conocimientos sobre planeación estratégica y realización de proyectos, capacitación para reportería grafica con cámara de 35 mm procesos de revelado y ampliación. Así mismo conocimientos sobre estadística aplicada, administrativos y conocimientos de comunicación organizacional

ESTUDIOS REALIZADOS

UNIVERSIDAD DE ALCALÁ (MADRID – ESPAÑA)	MAESTRIA PERIODISMO DIGITAL (virtual) Actualmente
UNIVERSIDAD JORGE TADEO LOZANO	ESPECIALIZACION PERIODISMO DIGITAL Actualmente
PONTIFICIA UNIVERSIDAD JAVERIANA	DIPLOMADO PERIODISMO DIGITAL Octubre 2008
POLITÉCNICO GRANCOLOMBIANO	DIPLOMADO GERENCIA DE LA COMUNICACIÓN Agosto 2006
POLITÉCNICO GRANCOLOMBIANO	COMUNICADOR SOCIAL PERIODISTA Agosto 2006
COLEGIO ANDINO – IBAGUÉ	BACHILLER Noviembre de 1999

SEMINARIOS DE ACTUALIZACIÓN

Seminario sobre noticias en televisión ACL Bogotá mayo 2004
Expedición Rotaractson distrital clubes Rotaract distrito 4290 Melgar julio 2002

Conferencia distrital Rotaract por la Colombia que queremos Ibagué marzo 2003
Seminario El Futuro es ahora Diario EL NUEVO SIGLO Girardot – mayo 2006
Seminario La Libertad de prensa y derechos fundamentales Bogotá – Julio 2006
Curso en macromedia (dreamweaver, flash, fireworks, freehand) Politécnico Grancolombiano Bogotá junio 2007
Curso de ingles O.G ENTRETAINMENT, Finalizado en febrero de 2009

IDIOMAS

Español – nativo
Ingles - intermedio

PUBLICACIONES

Diario EL NUEVO SIGLO, artículos publicados con periodicidad semanal en las separatas Age. Vigor, Arte y estilos y sección cultural desde enero 2006 hasta marzo 2008
Diario LA REPÚBLICA artículos diarios publicados en la sección empresarial desde abril hasta junio de 2008
Revista VOLAR de SATENA articulo sobre Yopal publicado en junio de 2007
Diario EL COLOMBIANO artículos de economía de bolsillo escritos en el mes de abril de 2008.
Revista CAMBIO artículos escritos para los especiales de las ediciones 782 pág. 98, 786 págs. 140 - 141 y 787 págs. 120 – 121, edición 789 pág 92, edición 791 págs 86 y 87.

ACTIVIDADES EN LA COMUNIDAD

Desde el año 1998 hasta 2004, pertenecí a Rotary International. Aprendí a trabajar en la comunidad y a realizar proyectos para el beneficio de la sociedad. Entre los años 1998 y 2000 en la ciudad de Ibagué, siendo miembro activo del club Interact Nuevo Ibagué, las actividades y eventos se concentraban en conseguir fondos para el hogar del menor y el niño de la calle y el hogar de la mujer. Desde el año 2002, fui miembro de los clubes Bogotá Chico y Bogotá Suba, a este último ayude a conformarlo.

Así mismo, se realizaron eventos en ciudad bolívar y en el barrio Bilbao de suba en navidad las cuales consistieron en regalar 500 mercados y regalos para los habitantes del sector. Igualmente como club colaboramos con el hogar para niños con sida Fundamor con visitas y consecución de fondos para el hogar. En esta organización aprendí a trabajar en equipo, fortalecí mi liderazgo y sobre todo tuve conocimiento en como organizar y efectuar eventos exitosos en beneficio de la organización y de la comunidad.

EXPERIENCIA Y PRINCIPALES LOGROS

BAKANO MEDIA
(www.bakano.tv)

Junio 2004 – diciembre 2006

Editora de la sección de nación y política de la página web desde junio del año 2004 hasta Diciembre de 2006. Así mismo, cumplí con las funciones de corrección de estilo de los periodistas y de redactora de nación y administradora de la página web.

REVISTA VOLAR SATENA

Edición de junio 2007

Para la edición de junio de 2007 de la revista VOLAR de la aerolínea Satena, realicé un reportaje sobre la ciudad de Yopal

PATRICIA DUARTE COMUNICACIONES

Junio – Agosto 2005

Ejecutiva de cuenta Hoteles Royal y Aruba. Adquirí experiencia en elaboración de boletines de prensa. Así mismo colabore en elaboración de eventos y estrategias para las cuentas.

AGENCIA DE NOTICIAS ORBITA Y PRESSPERU

Enero 2007 – enero 2008

(freelance)

Cumplí con la función de enviar información diaria aproximadamente de 5 a 10 notas diarias relacionadas con el acontecer nacional: política, economía, espectáculos, orden público. Así mismo, soy la primera corresponsal en Colombia de esta agencia. pagina web: www.pressperu.com

CENTRO EVANGELISTICO INTERNACIONAL – ASAMBLEAS DE DIOS COLOMBIA

Enero 2005 – Actualmente

(freelance)

Siendo miembro de esta iglesia, durante los fines de semana ayudo para la producción, grabación del programa de televisión Palabras Que Dan Vida y Especiales De Las Sociedades Bíblicas que es transmitido en Canal 1 los días miércoles a las 6 de la mañana. Así mismo, pongo a servicio de la iglesia mis conocimientos de periodista para elaboración de videos institucionales de jóvenes.

DIARIO EL NUEVO SIGLO

Enero 2006 – Actualmente

Cumplo funciones como periodista de actualidad de las separatas AGE, Vigor, Arte y estilo y la sección cultural. Asi mismo desde diciembre de 2009 soy la editora del magazine Arte & Estilo. También, soy la persona responsable de la información publicada en la página web del periódico, durante tres ocasiones he remplazado exitosamente al editor fotográfico, permitiendo así que pudiera ejercer el cargo cuando está persona no se estaba disponible

SANDRA CASTRO COMUNICACIONES

Marzo 2008

(freelance)

Ejecutiva de cuenta de Yanbal. Adquirí experiencia en elaboración de boletines de prensa. Así mismo colabore en elaboración de eventos y estrategias para la cuenta.

DIARIO LA REPÚBLICA

Abril – Junio 2008

Periodista de la sección empresarial del diario, cubrí fuentes relacionadas con temas empresariales de textiles, transportes, hotelería y turismo. Así mismo realicé el cubrimiento de temas relacionados con Pymes, Eps y artículos de economía de bolsillo enviadas al diario EL COLOMBIANO que eran publicados los sábados.

REVISTA CAMBIO

- Edición 782 especial Comercio Y Competitividad 26 de Junio al 2 de Julio 2008

- Edición 786 especial Valle del cauca 24 al 30 de julio 2008

- Edición787 Especial expansión hotelera y comercial. Julio 31 al 6 de agosto 2008

- Edición 789 Especial Sector Agricultura. Agosto 14 al 20 de agosto.

- Edición 791 Especial Eje Cafetero. Agosto 28 al 3 de septiembre

Para esta publicación, he realizado diferentes tipos de artículos en las ediciones especiales de la revista.

- Especial Comercio Y Competitividad edición 782 INTERCAMBIO PROVECHOSO pagina 98

- Especial Del Valle Del Cauca, edición 786 CON LICENCIA pagina 140 – DULCE PORVENIR pagina 141.

- Especial Expansión Hotelera Y Comercial edición 787 A SU SERVICIO paginas 120 y 121.

- Especial Sector Agricultura NEGOCIO NACIENTE edición 789 página 92.

- Especial Eje Cafetero edición 791MUCHO MÁS QUE CAFÉ páginas 86 y 87.

PREDICARTE

Julio 2008 – Abril 2009

(freelance)

Para esta empresa de diseño, desempeñe el cargo de jefe de prensa realizando eventos y posicionando la marca de la empresa en diferentes medios de comunicación

FUNDACION MUJERES POR COLOMBIA

Marzo – Abril 2009

(freelance)

Para esta fundación pertenecí al equipo de organización del evento Foro de mujeres universitarias de negocios que se realiza anualmente. Mi función, era la de difundir el evento en las diferentes universidades del país y de manejar la red de colaboradoras al interior de las universidades.

MEDIOS & DIFUSION COMUNICACIONES

Abril 2009 - Agosto 2009

(freelance)

Desempeñe funciones de asesora de contenidos de la agencia de comunicaciones, al igual que desarrolle labores de investigación de clientes en la parte comercial y desarrollo de formatos para el manejo de los clientes. Así mismo, realice labores de implantación de nuevas tecnologías en el campo de paginas Web e Internet

EMISORA RADIO SANTAFE

septiembre 2009 - diciembre 2009

(freelance)

Periodista freelance en el manejo de la pagina web de la emisora, mi labor era la de montar las noticias a la pagina, y redactarlas para la emision del noticiero de la noche. asi mismo colaboraba en la produccion y elaboracion de las notas del noticiero de la mañana el dia anterior

REFERENCIAS

MARCELA MARTAN

PREDICARTE

Socia y dueña de la empresa

Bogotá Colombia

SERGIO CASTILLO

Jefe de redacción RADIO SANTAFE

Bogotá

EDUARDO PAÉZ

Revista CAMBIO

Editor especiales

Bogotá Colombia

JOSÉ PEÑUELA

Diario EL NUEVO SIGLO

Asesor editorial

Bogotá Colombia

ANGÉLICA RAIGOSO

Diario LA REPÚBLICA

Editora sección empresas

Bogotá Colombia

SANDRA CASTRO

Sandra Castro Comunicaciones

Gerente

Bogotá Colombia

PATRICIA DUARTE

Expedia Ltda – Patricia Duarte Comunicaciones

Gerente

Bogotá Colombia

IVONNE BUITRAGO

Centro Evangelistico Internacional

Productora de televisión programa Palabras Que dan Vida

Bogotá Colombia

JESÚS MUÑOZ

TVE Internacional

Periodista y Productor de televisión en Colombia

Bogotá Colombia

OSCAR DÍAZ DEL CASTILLO

Bakano Media Ltda.

Gerente

Bogotá – Colombia

MAURICIO JARAMILLO

Medios & Difusión comunicaciones

Director de Innovación

Bogotá Colombia

ISABEL LONDOÑO

Fundación Mujeres por Colombia

Directora

Bogotá - Colombia

ÁNGELA MARIA JOSÉ CALDERON MEZA

TRANSPORTE Easy Fly: primera empresa de bajo costo uno de los proyectos de la aerolínea es incursionar en nuevos mercados

2008-08-04T17:55:00.000-07:00

Por: Angela Maria Calderon
Periodista LA REPUBLICA

La llegada al mercado de Easy Fly ha creado un nuevo espacio en el sector aeronáutico nacional dándole paso a las compañías de bajo costo. Bajo la dirección de Alfonso Ávila, quien en el pasado fue el encargado de poner a volar a Aero República, la marca se ha dirigido a destinos que por ser considerados como trayectos cortos eran desatendidos por otras firmas del sector.
En seis meses que lleva de funcionamiento, ha logrado un nivel de ocupación de 52 por ciento transportando diariamente un promedio de once mil pasajeros en 140 vuelos semanales a
7 destinos dentro de los que se incluyen Neiva, Ibagué, Armenia, Manizales, Pasto, Popayán, Cartago, Yopal, Villavicencio, Arauca, Barrancabermeja, Corozal y Valledupar.

Desde este año la aerolínea no solo volará desde Bogotá sino que incursiona en ciudades como Bucaramanga y Medellín con rutas hacia Quibdó, Cúcuta y Montería. Cuando se concibió la idea de crear la empresa, se hizo pensando en el vacío de servicio en las ciudades intermedias que tienen un potencial de desarrollo y que experimentan un crecimiento más dinámico que el de las llamadas ciudades grandes, según dice su presidente.
“Esto lo vemos en el mercado aéreo pues por citar un ejemplo, mientras el tráfico nacional tiene en las ciudades principales un crecimiento de 9 por ciento, el volumen de pasajeros en las ciudades intermedias está creciendo a una tasa de 15 por ciento, por lo menos en las trece escogidas y que ratifican que el potencial hoy está en esos destinos”, sostiene.
El empresario anotó que muchas ciudades intermedias no contaban con un buen servicio de transporte aéreo y en otras el asunto fue tan complicado que la prestación del mismo era necesaria como es el caso de Cartago en el Valle del Cauca. “Otras ciudades tenían un solo operador y algunas contaban con uno o dos, pero no brindaban el número necesario de vuelos para atender la demanda, restándoles opciones a los pasajeros”, asegura el empresario.

Dice que con el ingreso de cinco nuevas aeronaves tipo chárter, a diciembre de este año, espera cumplir 50 vuelos semanales, lo que representa transportar alrededor de 34.000 pasajeros.

Estas cifras muestran, el crecimiento de la aerolínea, ya que en noviembre de 2007 cuando inició operaciones transportó 3.500 pasajeros, en el diciembre pasó a 7.500, y durante los primeros dos meses de 2008 movilizó un total de 10.500 turistas.

Este ascenso no sólo ha sido en materia de pasajeros, también en la generación de empleo, pues Easy Fly actualmente emplea a más de 120 personas de forma directa. Adicionalmente, genera cerca de 600 puestos de trabajo indirectos.

A PROPÓSITO DEL ‘DÌA DE AMOR Y AMISTAD’ Pase un fin de semana romántico en hoteles de Bogotá

2008-07-23T09:23:00.000-07:00

Por: Angela Maria Calderon
Periodista EL NUEVO SIGLO

Ya no es necesario salir de la ciudad para poder disfrutar con su pareja de una exquisita cena, un buen vino y una elegante suite. Los mejores hoteles ofrecen planes para aquellos que desean pasar una inolvidable velada

Los denominados ‘planes de bodas’ no son sólo para los recién casados. Por el contrario, están diseñados para todo aquel que esté interesado en pasar una noche romántica con su pareja, y ser atendido como si estuviera de vacaciones, pero sin salir de la ciudad.
A continuación, EL NUEVO SIGLO, le presenta algunos de los planes que ofrecen los hoteles más importantes de la ciudad y que se convierten en un programa perfecto para la próxima celebración del Día de Amor y Amistad.

Hotel Bogotá Royal

Ubicado en la calle 100 con carrera octava, ofrece a sus huéspedes un plan para parejas llamado ‘Momentos La Fragata Bogotá Royal’, el cual, por un costo de 389 mil pesos les brinda: alojamiento en la suite principal del hotel, una cena especial que puede ser escogida con anterioridad en el restaurante La Fragata, media botella de champagne o vino, según el gusto de la pareja, productos tipo spa y un desayuno llevado a la habitación al día siguiente.

Hotel Radisson

Este hotel ubicado en la calle 116 con carrera 9, ofrece dos tipos de planes para las parejas que estén interesadas en escaparse un fin de semana. Para empezar está el plan de ‘Noche de Bodas’, que tiene un costo de 329 mil pesos y que incluye: hospedaje en habitación de lujo, lencería especial, cena para dos personas en el restaurante del hotel, una botella de champagne en la habitación junto con productos especiales para la tina y desayuno con servicio a la habitación al día siguiente. Así mismo, el hotel también cuenta con un programa especial denominado ‘Escápese’, el cual ofrece los mismos servicios que el anterior pero añade el acceso a los servicios del hotel entre los que destacan, como gran atractivo: piscina, spa y gimnasio. El plan tiene un costo de 380 mil pesos

Hotel Cosmos 100

Este exclusivo hotel de la capital, ubicado en la calle 100 cerca de la autopista norte, ofrece dos planes para parejas denominados: ‘Noche de Bodas’ y ‘Aniversario’, en los cuales, por costos que no sobrepasan los 400 mil pesos, los interesados pueden disfrutar de comodidades como: una suite del hotel por dos días y una noche, cena y desayuno a la habitación, botella de champagne y frutas exóticas. Así mismo, y como algo adicional, brinda para aquellos que vienen de otras ciudades o desean viajar después de pasar un espectacular fin de semana en este hotel, el servicio de traslado al aeropuerto.

Hotel La Fontana

Siendo este uno de los hoteles más importantes del norte de la capital del país, se destaca por ofertar a las parejas dos tipos de planes a muy bajo costo. Así está el plan ‘Aniversario’, que tiene un valor de 380 mil pesos y que ofrece alojamiento en la suite del hotel, desayuno y cena en la habitación o en el restaurante del hotel según la preferencia de los huéspedes y una botella de vino. Otro es el ‘Noche de bodas’ cuyo costo es de 450 mil pesos y entrega los mismos servicios que el plan anterior, pero se diferencia, en que incluye una cena especial de aniversario, un mes después de haber estado hospedado.

Hotel Dann Norte

El hotel ubicado en la calle 114 con carrera 15 brinda tres opciones de alojamiento para las parejas interesadas en pasar un romántico fin de semana. En este lugar los tradicionales planes de ‘Bodas’ y ‘Aniversario’ tienen como características: alojamiento en la suite del hotel, desayuno y cena especial en la habitación o en el restaurante según la preferencia, lencería de lujo, acceso al gimnasio y al spa. El hotel también ofrece el plan denominado ‘Fines de Semana’ el cual a su vez se subdivide en tres opciones, de acuerdo con algunas actividades turísticas programadas.
Las tres opciones de este plan incluyen: alojamiento en una habitación de lujo, cóctel de bienvenida, y dependiendo los lugares que se desee visitar como Maloka, los museos de la ciudad y algunas poblaciones aledañas a Bogotá, su costo cambia de valor.
Lo más importante para decidir en qué hotel hospedarse para pasar un fin de semana romántico y que es un plan ideal para disfrutar en pareja con motivo de la celebración del ‘Día de Amor y Amistad’, es tener claro con qué monto se cuenta. Así que decídase, cambie de rutina y programe para esa celebración algo diferente, romántico y con mucho estilo.

VOCACIÓN Y SERVICIO Misioneros: dejar todo para dar todo

2008-07-21T20:50:00.000-07:00

Por Ángela María Calderón
Especial para EL NUEVO SIGLO

SIN REPARAR en las dificultades que tendrán que enfrentar, los jóvenes misioneros deciden abandonar lo que tienen para ir, en muchos casos a lejanos países, para evangelizar y ayudar a los necesitados.
Sacrificar la vida juvenil por realizar una labor social es para muchos una opción de vida real. No importa el lugar al que les encomienden ir, ni la tarea que tengan que realizar, el llamado del misionero sólo tiene una explicación: vocación.
Este es el caso de Samuel Díaz, un misionero religioso hondureño que vive en Colombia hace 8 meses y ha tomado el camino de educar a los niños y jóvenes, no sólo de su iglesia, sino también de las comunidades cercanas a donde reside. Hace reuniones diarias en su casa para estudiar la Biblia y apoyar así a los menores en su formación integral. Así mismo entrega una palabra de aliento a aquellas personas que lo necesitan.
Para otros que como Samuel han optado por esta vocación, su tarea puede verse rodeada de más dificultades. Es el caso de aquellos que atienden el llamado de ir al África. Las condiciones sociales, políticas y religiosas de muchos países de este continente, son barreras reales, como lo comprobó Amanda *, quien lo tomó como un reto.

Testimonios

Amanda tiene 30 años y en los próximos días partirá hacia Etiopía en un viaje de 4 años para realizar allí su llamado misionero. “Lo más difícil de todo esto no es tomar la decisión, sino el enfrentarse a la realidad de que la vida de uno corre peligro en un territorio como éstos, dónde no sólo existe la pobreza, la hambruna, sino también una religión que no es la tuya y debes acoplarte al modo de vida del lugar”, señaló Amanda.
Y aunque más cerca en comparación al destino de Amanda, las cosas para Miguel García fueron algo similares, guardadas las proporciones, por las condiciones donde realizó su labor. El estuvo en Istmina, Chocó, donde según dijo, lo más complicado de su trabajo en tres años fue sobrevivir en las agrestes condiciones de esa región.
“Lo más sorprendente es que un territorio tan cercano a ciudades metropolitanas del país, tenga que vivir sin la prestación de servicios públicos y falta de atención médica. Es sorprendente que en pleno siglo XXI aún haya gente que viva como si estuviera en la Edad Media y que el Gobierno no haga nada”, declaró García.
Para Cristine Drew quien fue misionera en el Amazonas, no hubo nada difícil, según ella porque “Dios me levantó siempre a pesar de las incomodidades y adversidades durante los cuatro años que viví allí y las cuatro veces me dio fiebre amarilla me recuperé satisfactoriamente. Nada de eso impidió que mi proceso de evangelización se interrumpiera. Por el contrario me dio más fuerzas para continuar con esta labor”.
La familia Williams* al llegar a Bogotá en misión hace 11 años, tuvo que lidiar con grupos guerrilleros que habitaban la localidad de Ciudad Bolívar, donde realizaban su labor.
Según John Williams* “los guerrilleros marcaban las puertas de nuestros hogares, y así sabían a quienes secuestrar y a quienes matar, pues no querían que evangelizáramos y más al ser nosotros norteamericanos. Fue una época difícil pero a pesar de todas las cosas que se levantaron en nuestra contra nos ha servido, ya que actualmente tenemos una iglesia en este sector y continuamos nuestra labor en este bello país”.

Y si quiero ser misionero...

Lo primordial para emprender una misión de ayuda humanitaria es tener información del lugar al que se va a ir, conocer la lengua materna de la zona, tener claro que se va a vivir en condiciones que jamás llegaría a imaginarse y ubicar una organización que trabaje en esa zona.
“Lo más importante es que la persona tenga pleno convencimiento del llamado que le ha hecho Dios de difundir su Palabra”, comentó Sean Preston, líder de misiones del Episcopado en Estados Unidos.
Sí de requisitos se trata, hay que ser mayor de 18 años, tener permiso de los padres, tener autorización del líder de la comunidad a la que pertenezca la persona, bien sea esta católica o cristiana, además del respaldo del destino que le fue asignado. Después de ésto se debe estudiar y tener una capacitación, que puede durar uno o dos años, antes de viajar.
Estos cursos capacitan al misionero sobre su trabajo en la región; al candidato se le confronta en decidir, incluso en esta etapa, si quiere ir o no, pues se le muestran las condiciones en que vivirá y los obstáculos que se le presentarán estando en el lugar. “Este es un momento crucial de la opción, pues cuando esté en el país que le ha sido asignado, no puede dar marcha atrás”, indicó Preston.
La idea es que las personas estén dispuestas a servir, bien sea en la formación religiosa, o llevando ayuda humanitaria en salud o educación a los lugares donde se está necesitando. En esta labor las manos nunca sobran, y quienes lo hacen afirman volver a sus hogares siendo mejores seres humanos.
*Los nombres fueron cambiados por seguridad de las fuentes consultadas

CONCIERTO Amaral, por primera vez en nuestro país

2008-07-21T20:49:00.001-07:00

Por: Angela Maria Calderon
Especial para EL NUEVO SIGLO

MÚSICA. Hoy se presenta en el Estadio Nemesio Camacho El Campín, el grupo español Amaral, en compañía de figuras internacionales como Coti, Miranda, Cristian Castro y San Alejo.

Amaral ha sido catalogado en España como el mejor grupo de música pop, según una encuesta realizada por el diario ‘El País’.

Está conformado por Eva Amaral y Juan Aguirre, que llevan 8 años tocando. Después de trabajar ambos por mucho tiempo, decidieron hacer el grupo sin imaginar el éxito que llegarían a tener con el paso del tiempo.

Después de su llegada a Colombia, EL NUEVO SIGLO conversó con ellos para conocer más sobre su trayectoria musical y su experiencia en el escenario internacional.

EL NUEVO SIGLO: ¿Cómo nace el grupo Amaral?
EVA AMARAL: Nos conocimos a mediado de los años noventa en Zaragoza, y pertenecíamos al ambiente musical de la ciudad. Casualmente coincidimos en un bar donde se reunían los grupos de la época y desde ese momento comenzamos una gran amistad, pues la verdad desde un comienzo tuvimos una conexión muy fuerte en la manera de ver la vida, de ver la música, etcétera. Sin pensar en ningún momento que esto llegaría a alguna parte, pues siempre pensamos en hacer las cosas para pasarla bien.
E.N.S.: Actualmente Amaral está catalogado como el mejor grupo de pop español, ¿cómo ha sido esta experiencia?
JUAN AGUIRRE: La verdad nunca nos imaginamos tener ese nombramiento. El desarrollo ha sido paulatino ya que nuestro primer disco fue lanzado en 1998 y el último en el 2005. La experiencia ha sido espectacular ya que hemos conocido nuestro país de punta a punta y viajar a lugares donde nunca nos imaginamos estar, es muy enriquecedor ya que hemos logrado tocar nuestra música en estos sitios. Estamos encantados porque lo que hacemos a la gente le gusta, y eso es lo que nosotros amamos.
E.N.S.: ¿Qué elementos utilizan al momento de escribir las canciones?
E.A.: La verdad sólo escribimos lo que sentimos, pues en el momento que llegamos a casa cogemos la guitarra y de esa manera empiezan a fluir las letras. Yo creo que es algo mágico que tiene un momento increíble en el que sientes como si la canción estuviera en el aire y ella te buscara a ti para que la sientas y la toques, y sobre todo, la des a conocer, esto es algo indescriptible ya que siempre que sucede, es una sensación maravillosa.
E.N.S.: ¿Cómo un estudiante de arqueología, y una estudiante de escultura terminan con un grupo musical tan exitoso?
J.A: Todo comenzó en la facultad, en donde nos gustaba tocar como hobbie y pues mucho antes de conocernos ya estábamos encaminados y empapados del ámbito musical de nuestra ciudad. Yo creo que fue de una manera natural, todo surgió sin darnos cuenta y llega en la vida un momento en que debes decidir qué hacer. Para nosotros la música es muy importante y creo que así no hubiéramos grabado discos igual lo estaríamos haciendo.
E.A.: En mi caso siempre estuve relacionada con el ambiente artístico y siempre estaba buscando un medio para expresar lo que sentía, lo que pensaba y desde niña estuve rodeada por gente que estaba metida en el mundo musical de nuestra ciudad. Al momento que se nos presentó la oportunidad decidí apuntármele al asunto, y como dice Juan para nosotros la música es muy importante, estoy de acuerdo con él en que así no hubiera surgido con el grupo y todo lo que ha sucedido, estaríamos tocando igual pues es algo que nos apasiona.
E.N.S.: Para cualquier grupo musical es difícil empezar, en el caso de ustedes ¿cómo fue esta experiencia?
E.A.: Los comienzos siempre son complicados, yo creo que la música a pesar de haber sido un hobbie siempre la tomamos muy en serio y era un horizonte tan lejano, complicado y estabas rodeado de gente que te decía que te dedicaras a algo serio. Nunca nos hicimos muchas ilusiones para no tener un disgusto, así que nos lo tomamos muy tranquilamente. Esta parte es la más difícil, el resto es más fácil, pues así el ambiente sea adverso estas haciendo lo que te gusta, tienes fuerzas suficientes para luchar y sacar adelante tus sueños. En el campo financiero, bueno ahí todo es más complicado ya que casi nunca consigues apoyo, pero a la final todo surge a medida que pasa el tiempo
E.N.S: ¿Ustedes utilizan sus experiencias para escribir las letras de las canciones que componen?
J.A.: Intentamos hacer temas que sean reales, que tengan todo tipo de sensaciones y sobre todo experiencias que cualquier ser humano pueda tener, ya que nos gusta hablar sobre las relaciones interpersonales, como la amistad, el noviazgo; las emociones como la tristeza, la felicidad, la nostalgia, etcétera. Una canción se puede construir con cualquier cosa, lo más importante es que tenga algo real. Yo creo que hemos reaccionado siempre en contra de los temas que tienen finales almibarados de tipo ‘hollywoodesco’, ya que parece que las hicieran máquinas y no personas, pues siempre hablan de lo mismo; la verdad a nosotros no nos interesa ese género, sino aquel que expresa aspectos reales de la vida, y que nuestro público se relacionen con ellas, y que de alguna manera sepan de lo que estamos hablando al momento de escucharlas.
E.N.S: ¿Qué ritmos se manejan en el disco?
J.A: Son variados, ya que todas las canciones tienen ritmos como reggae, rock y pop, nos encanta el sonido de las guitarras eléctricas. En realidad, nosotros no tenemos restricciones a la hora de realizar las mezclas, dejamos que todos los géneros participen y se fusionen en uno solo.
E.N.S: ¿Cómo les ha parecido Colombia en su primera visita?
E.A: Nos ha encantado la gente, el ambiente y sobre todo ver una ciudad llena de verde, es algo muy agradable ver como pueden fusionar la urbe citadina con la naturaleza. Las montañas, el aire fresco de la ciudad nos ha encantado.
J.A: Queremos ir a conocer La Candelaria, comer algo de la cocina típica del país y disfrutar de una ciudad que tiene tantos árboles. Me parece que eso ayuda a respirar bien, la gente ha sido muy amorosa con nosotros, lo cual nos sorprendió ya que no pensamos tener tantos seguidores en vuestro país. Lo que sí aseguramos es que esta no va a ser la última vez que vengamos a visitarlos.

GASTRONOMÍA URBANA El ‘podio’ de la comida en Bogotá

2008-07-21T20:47:00.002-07:00

Por Ángela María Calderón
Especial para EL NUEVO SIGLO

RESTAURANTES. Hace pocos días, se dieron a conocer los resultados de la encuesta realizada por la revista Restaurant Magazine, considerada como la ‘Biblia’ de la cocina internacional, que calificó al restaurante madrileño “El Bulli” como el mejor. Ahora el turno es el de ubicar la mejor mesa de Bogotá.

¿Y dónde comemos hoy? Esta es la eterna pregunta que se hacen muchas personas a la hora de escoger dónde ir a comer. Bogotá cuenta con una gran variedad de lugares que ofrecen diferentes tipos de sabores, cocinas y estilos, razón por lo cual era tiempo de encontrar el podio de los restaurantes capitalinos.

EL NUEVO SIGLO habló con periodistas especializados en gastronomía para saber cuál es el mejor restaurante de Bogotá, además para aprender cómo reconocer la calidad de un establecimiento y de sus platos.

Cómo reconocer un buen restaurante

“Para saber cuándo un restaurante cumple con altos estándares de calidad, es recomendable tener en cuenta la calidad del servicio, de la comida y el ambiente que se vive dentro del establecimiento; estos tres puntos son los más importantes pues la comida así sea oriental, árabe o latina toda es buena”, comentó Juanita Umaña, chef profesional y especialista en gastronomía de la revista Cromos.

En esto concuerda el periodista de la revista Diners, Óscar Castaño, quien opina que lo que se debe tener en cuenta principalmente es “que la comida sea de excelente calidad y que esté muy bien preparada, el servicio que se preste al cliente y por último el ambiente y la decoración que maneje el establecimiento”.

Para la periodista Alejandra Sánchez de la Revista Credencial, el servicio, la presentación y la temperatura de la comida son fundamentales al momento de evaluar un lugar, pues estos tres factores determinan el gusto y sabor un plato específico.

Tendencias gastronómicas

Bogotá actualmente es una plaza gastronómica muy importante en Suramérica. En un solo lugar usted puede encontrar desde comida tailandesa hasta rusa, además de la de todos los rincones de latinoamerica, por esta causa cada día nacen restaurantes de comidas fusionadas, que crean un excelente escenario para la cocina de autor, que en otras palabras es lo que esta de moda en este momento.

Para la especialista de la revista Plan B, Tatiana Márquez, “la tendencia más marcada en la comida internacional de la ciudad, que está tomando cada vez mayor posicionamiento es el estilo contemporáneo”. Éste consiste en la fusión de platos de diferentes lugares y sazonarlos de una manera especial con sabores característicos como la comida mexicana, francesa, peruana, entre otras. Un exponente de este género es el restaurante “29 Cocina Bar”.

Por su parte, Sánchez asegura que las tendencias que más se presentan últimamente tienen que ver con la proliferación de restaurantes de cocina de autor, esto consiste en que el sitio permite al chef jugar a libertad con su cocina, que experimente con diferentes olores texturas y sabores creando platos únicos y exclusivos del restaurante.

Según Umaña, lo que recientemente se está percibiendo dentro de la culinaria nacional es la incursión de restaurantes de comida latina, en especial la mexicana y la peruana, que están adquiriendo mayor posicionamiento en el mercado y gusto de los comensales, su éxito se debe al uso de fuertes contrastes de sabores, propios de estos países.

Y los mejores restaurantes

Cuando el NUEVO SIGLO le preguntó a los expertos sobre cuáles eran los 3 mejores restaurantes de la ciudad, algunos vacilaron en responder, como sucedió con Umaña quien señaló que, “todos los restaurantes son buenos pues la comida hace que cada uno de los sitios se caractericen bien sea por el sabor de su comida o por el ambiente que se vive en ellos”.

A la hora de hacer un consenso general con los especialistas entrevistados, los mejores restaurantes que cumplen con los estándares de calidad anteriormente mencionados son: Leo Cocina y Cava, Harry Sasson, y Tramonti.

Qué hay que tener en cuenta

Principalmente, qué tipo de comida le apetece, así puede elegir de una manera más fácil a dónde ir. Recuerde que en la ciudad existen restaurantes de comida de todos los rincones del mundo.

Asesórese bien antes de decidir un sitio en particular, puede llevarse sorpresas, pues aunque toda la comida es buena, no necesariamente satisface todos los gustos. Tenga en cuenta su presupuesto, la calidad y variedad de este tipo de comidas especializadas, no siempre son económicas.

No olvide que muchos de estos restaurantes exigen hacer una reservación, pues su capacidad muchas veces está copada hasta durante dos meses o más.

FUSIONES A Colombia la ‘toca’ una europea

2008-07-21T20:47:00.001-07:00

Por: Angela Maria Calderon
Especial para EL NUEVO SIGLO

TALENTO. Nathalie Gampert es una suiza que se hizo colombiana de corazón, y una bajista excepcional que además de interpretar jazz y reggae ha desarrollado un profundo sentimiento por los ritmos colombianos.

La bajista y compositora suiza Nathalie Gampert, quien lleva viviendo en nuestro país más de 14 años, se considera toda una colombiana que por medio de su música capta la belleza de los ritmos nacionales, en especial los de la costa caribeña.

Esta artista no sólo ha trabajado de modo independiente como intérprete y compositora de música folclórica, sino que también ha compartido su quehacer con figuras como Alejandro Martínez, Cabas, Adriana Botina, entre otras.

EL NUEVO SIGLO: ¿Hace cuánto y cómo llegó a Colombia?
NATHALIE GAMPERT: Llegué hace 20 años atraída más que todo por la música y una vez que estuve aquí me encantó el país, la gente y me identifiqué bastante con la cultura y el modo de vivir.
E.N.S: ¿Cómo comenzó su carrera musical en el país?
N.G: Comencé tocando reggae con grupos musicales como Lenmaja, que era un grupo de salsa femenino y que aún existe y se llama actualmente Cañabrava. Luego inicié un grupo que se llamó Reggae la Leche.
Después de viajar a los Estados Unidos para aprender más sobre instrumentos y estudiar música me enamoré del bajo. Viajé por Europa y varios países siempre tocando, pero con una enorme nostalgia de este país, por lo que regresé hace trece años. Al regresar me reencontré con mis amigos y conocidos, por lo que empecé a tocar de nuevo y aún continúo haciéndolo por amor a la música.
E.N.S: ¿Cómo ha sido su trayectoria profesional?
N.G: Como te venía diciendo, después de regresar al país toqué con personas como los hermanos Sandoval y un grupo llamado Fonopsis que era un grupo de jazz fusión; alternamente tenía mi grupo de reggae, así comencé a conectarme con el medio musical del país. También trabajé con Colcultura musicalizando los programas de televisión y los documentales de la entidad. Ya en el ámbito comercial he tocado con Alejandro Martínez, Amparo Sandino, Mario Duarte, La Derecha, Cabas durante mucho tiempo y ahora estoy acompañando a Adriana Botina en su próximo disco y alternamente trabajo en mi proyecto de Bajos Distintos.
E.N.S: ¿Por qué en su más reciente disco decide tocar jazz después de haber interpretado tantos y tan diversos géneros?
N.G: porque el jazz da mucha libertad, uno aprende mucho armónicamente, la teoría y la técnica le exigen a uno mucho como artista. Es un género que mezcla todos los géneros y técnicas musicales y aunque me encanta la salsa, el reggae y los ritmos tropicales, al escoger y enamorarme del bajo, me di cuenta que el mejor escenario para él era el jazz.
E.N.S: En Colombia hay muchos grupos de jazz de diferentes fusiones, especialmente en Bogotá, ¿cómo ha sido la experiencia de competir con estos grupos en una escena tan reducida como es la del jazz?
N.G: Yo no lo veo como una competencia, pues lo más importante es hacer primero lo que a uno le gusta, este gusto me lo di en este disco donde mezcle el funky, el jazz, los ritmos de la música tropical colombiana y, bueno, pues efectivamente hay muchos grupos que realizan este tipo de fusión.
Lo que sí es difícil es que hay muy pocos lugares donde tocar fuera de los conciertos y conversatorios organizados por el Distrito, pues yo creo que todos los que amamos el jazz estaríamos sin escenarios para expresarnos por medio de nuestra música. Aunque últimamente nos han abierto las puertas en bares y poco a poco se han ido abriendo las plazas, soy positiva en la idea que cada vez más vamos a tener más lugares donde tocar y así mismo mucho más publico.
E.N.S: En el país hay muchos jóvenes interesados en hacer música, con base en su experiencia ¿qué les puede aconsejar?
N.G: Que hagan lo que les gusta, que se expresen por medio de los instrumentos, que se sientan más cómodos, pues no siempre todo es virtuosismo ni tocar mil notas por segundo, siempre hay que pensar en la parte musical, dejar de lado la parte show, porque aunque todo es un proceso, lo mejor es siempre tener los pies bien puestos en la tierra.
E.N.S.: Con la inminente firma del TLC, ¿cómo cree que el escenario musical se verá afectado con este tratado?
N.G: No se si vaya a afectar o no, depende de como se vaya a manejar pues aunque siempre nos manejamos bajo el nivel underground, creo que seguiremos trabajando como hasta ahora dándole música a los que la quieren, y aunque nosotros trabajamos por amor al arte, siempre nos han explotado, y eso es muy duro pues es muy complicado luchar contra un precio, un estatus y unas condiciones ya que la gente sabe que uno va a tocar porque si no uno se apaga, lo que hay que hacer es mantenerse siempre firme y mantener posiciones al respecto.
E.N.S: ¿Cómo afecta la piratería a un músico?
N.G: Depende, pues los artistas que tienen disqueras les puede afectar económicamente porque las disqueras son las que dejan que ganar, ya que tienen el mayor porcentaje de lo que gana el artista. Si esto no existiera, por lo tanto recibiría más dinero, pero también es mucho lo que tiene que pagar un artista para que le dejen sacar su música y su trabajo.
En mi caso, no me afecta pues no creo que lo hagan con el mío ya que muy poca gente la conoce, claro que uno puede bajar cosas de Internet pero no es lo mismo ya que no es chévere tener el arte físico de los discos, la cartilla las letras eso es lo que vale la pena de adquirir un disco.

35 AÑOS DE HUMOR ‘VERDE’ La ‘Nena’ Jiménez no deja de burlarse de la vida

2008-07-21T20:46:00.001-07:00

Por Ángela María Calderón
Especial para EL NUEVO SIGLO

TRAYECTORIA. La ‘Nena’ Jiménez acaba de lanzar un video en el que además de presentar un exclusivo repertorio de chistes, hace un recuento de su vida artística.

La ‘Nena’ Jiménez está entre los humoristas colombianos que gozan de reconocimiento internacional, y hace pocos días cumplió 35 años en el oficio de hacer reír, razón por la cual se decidió a lanzar un libro y un DVD donde se recopila toda su vida artística. EL NUEVO SIGLO habló con ella.

EL NUEVO SIGLO: ¿Cómo comenzó su carrera en una actividad tan difícil de realizar como es el humor?
LA ‘NENA’ JIMÉNEZ: Yo creo que no comencé una carrera sino que nací siendo una comediante- humorista, pues toda la vida he hecho cosas graciosas. Le ponía atención desde niña a los refranes y chistes de toda mi familia, razón por la cual me llamaron hace poco de La Casa de la Cultura para que les dijera los refranes que yo había hecho y pues los que ya me sabía con anterioridad. Creo que el humorista debe nacer, yo misma nunca me di cuenta que iba a ser humorista, yo contaba mis chistes en reuniones y fiestas. Después que enviudé, mis amigos me invitaban a las reuniones para que las animara, y en una de éstas fueron los directivos de Discos Fuentes que me propusieron grabar un disco, esto fue en el año 1969 y ya van 35 años de hacer reír a la gente.

E.N.S: Cada humorista se destaca por manejar una temática específica, ¿cómo se dio cuenta que tenía la capacidad de contar chistes ‘verdes’?
L.N.J: Lo que sucede es que realmente a mí nunca me importaba si el cuento era muy ‘zanahorio’ o si tenía que decir alguna palabra fuerte, lo decía, eran chistes que había que darle un picante, una gracia para contarlo. Por esta razón, cuando Alfonso Lizarazo me llamó para que fuera a Sábados felices, cabe aclarar que yo no nací en este programa, lo amo con todo mi corazón, pero nunca tuve que hacer ni televisión, ni contar con la ayuda de ningún periodista para ser famosa. Cuando él me llamó, fue por una reseña de un periodista en Medellín sobre mis chistes, claro está que antes de esto yo salí en una fotografía de la “Cámara Indiscreta de Higel”, donde aparecía con una amiga en una agencia de viajes reclamando unos tiquetes, y hay unos niños mirando por debajo de mi falda, el nombre de esta foto fue “Lo que la niñez de hoy mira” y de aquí surgió el nombre de la ‘Nena’ Jiménez. Por lo que cuando empecé a contar chistes ya por esto casi todo el mundo me conocía.
E.N.S: En nuestro país es muy complicado ser artista, en su caso humorista, ¿cómo ha sido su experiencia en este campo?
L.N.J: Yo llegué a la escena internacional muy rápido, yo creo que uno nace programado, en realidad desde que comencé nunca le he puesto cuidado a lo que fueran a decir, si les iba a gustar. Yo solamente contaba mis chistes en las fiestas que me invitaban, cuando me llamaron de Sábados felices preparé algunos chistes ‘zanahorios’ y los conté, pero cuando esto pasó yo ya tenía tres discos de chistes grabados, entonces nunca me importó lo que fueran a decir los periodistas, yo sólo sabía que llenaba los sitios. Primero lo hice en Bucaramanga y después que hice el show salieron espectáculos en Venezuela y en Cúcuta, desde ahí todo ha sido como un tren, con presentaciones cada 8 ó 15 días, así que en realidad no he hecho mucho por ser la ‘Nena’ Jiménez, sólo hago lo que me gusta, contar chistes.
E.N.S: ¿Cómo maneja la creatividad para contar e inventar chistes y las palabras que emplea?
L.N.J: Eso nace con la persona, sí cada persona nació con dotes que son dones que le da Dios, pero sobre todo la inteligencia porque todo sale de la vida real pues hay que tener mucha agilidad mental y mucha memoria, porque la persona que tiene humor y la capacidad para hacer reír a la gente es muy inteligente ya que el humor es la forma más sutil de la inteligencia. Y el humor no tiene ni credos políticos, ni preferencia por género, el humor es algo libre que expresa la realidad que se está viviendo. Y en cuanto a las palabras, esto surgió porque hace 35 años que comencé, no podía llamar las cosas por su nombre, por lo que tenía que buscar la manera de hacerme entender y pues esto le añadió más gracia a los chistes sin que me diera cuenta.
E.N.S: Actualmente hay muchos jóvenes que quieren incursionar en el mundo de la comedia, con base en su experiencia ¿qué les puede aconsejar?
L.N.J: Que si nacieron con la vena artística lo deben hacer y siempre deben estar en eso, pero es muy diferente el humorista al comediante ya que el humorista es el que cuenta chistes y hace reír a la gente, pero el comediante es más de nivel actoral. En mi caso, no sirvo para ser actriz, yo sirvo para hacer lo que me gusta: contar chistes y hacer reír a la gente.

DIFICULTADES Y BONDADES Los medios universitarios, una elección diferente de la información

2008-07-21T20:45:00.001-07:00

Por: Ángela María Calderón
Especial para EL NUEVO SIGLO

PERIODISMO. Los medios de comunicación universitarios siguen luchando por permanecer, ofreciendo un espacio para que los estudiantes hagan su práctica profesional, además de participar en la formación de opinión pública.

A raíz de la falta de oportunidades en los medios masivos en Colombia, los estudiantes de periodismo y aún los de otras carreras han optado por crear medios alternativos, donde ellos puedan darse a conocer y practicar el ejercicio periodístico independiente.

Esto no es nada fácil, ya que el mayor obstáculo es la financiación, en principio para lograr publicar la primera edición y luego, todavía más difícil, sostener el proyecto en el tiempo.
Por esto EL NUEVO SIGLO habló con los directores de algunos medios universitarios para que comenten cómo ha sido su experiencia.

Es posible que las personas del común no dimensionen la responsabilidad y esfuerzo que implica crear un medio de comunicación, y aún más uno de carácter universitario, que lidie con el deber de otorgar información oportuna y veraz a la comunidad.

Según el director del periódico El Universitario, Camilo Isaza, para mantener vigente un medio de comunicación desde el momento en que fue creado, lo necesario “es pensar en una idea y establecerla claramente, buscar apoyo en inversionistas, periodistas, gente de los medios y en todos los grupos sociales y empezar a trabajar organizadamente, planeando las acciones y trabajando con amor”.

Al respecto, Óscar Díaz del Castillo, director de la página universitaria www.bakano.tv, señaló que para poder comenzar este tipo de empresas, “lo primero es tener una excelente idea y que sea innovadora, pero lo más importante es tener el compromiso de emprender las acciones necesarias con mucha disciplina, venciendo todos los obstáculos y nunca perder el optimismo”. “Después de eso, es muy importante estar siempre en contacto con el mercado al que se quiere llegar, para saber qué es lo que quieren y poderles ofrecer un producto a su medida”, agregó Díaz.

Recursos

La mayoría de las veces, el motivo para que un medio de comunicación muera o tenga muy poca distribución es la falta de recursos, pues los directores coinciden diciendo que ésto último es lo más complicado de conseguir, más si se trata de un medio nuevo y alternativo. Es el caso de la revista literaria El Gusano, que a pesar de llevar 14 años de publicaciones gratuitas, solamente circula con 100 ejemplares mensuales.

En lo que respecta al periódico El Universitario, que lleva tres años de fundado, Diego Carvajal, ex director, aseveró que la mayor dificultad de tener un medio de comunicación es hacerle entender a los estudiantes “que en términos de información este periódico les pertenece, al punto en que si lo que escriben es pobre se va a ir pobre porque nadie les va a hacer la tarea”.
Pero no sólo las ideas y el dinero son importantes, para los directivos de la revista literaria El Gusano, la perseverancia y contar con un equipo responsable y ‘luchador’ es lo que se debe tener para hacer funcionar un medio de comunicación que cambie de generación en generación.

Funciones

Actualmente, la función que cumplen los medios de comunicación universitarios va más allá de servir como campo de prácticas para los estudiantes de los programas de periodismo y afines, es claro que el principal objetivo es la difusión de información de actualidad local.

El manejo temático que dan los medios universitarios abarca desde la política hasta el entretenimiento y busca mostrar “rostros e historias más cercanos a la gente”, según lo afirmó la editora de la publicación Fe De Ratas, Verónica Murcia. Agregó que estos espacios son más propicios para la reflexión que para la noticia, motivo por el cual su fuerte deben ser géneros como la crónica y el reportaje.

En este campo, en el pasado Seminario Regional sobre Medios de Comunicación en América Latina y el Caribe, uno de los conferencistas, Germán Rey, opinó que los medios universitarios deben manejar un nuevo enfoque, “que no esté ni dentro de lo elitista, ni populista”, y que engrosé el debate de los aspectos “micro y macro” de la sociedad colombiana. “Hay que asumir los hechos locales, nacionales, globales, antes y ahora. No se puede caer simplemente en hacer un periodismo de hechos y dejar de lado el análisis”, concluyó Rey.

Requisitos

Igual de importante al equipo de trabajo y lo financiero es el aspecto legal, crear un medio de comunicación requiere cumplir con ciertas exigencias, como lo comentó el catedrático y abogado, Elker Buitrago. Dijo que en el caso de una emisora o canal de televisión es necesario acercarse al Ministerio de Comunicaciones y cumplir con los requisitos que el Gobierno exige. En lo que tiene que ver con medios impresos es más fácil, ya que sólo se necesitan ganas, buenos temas y dinero para imprimir, pues en esta área el Ministerio permite que se haga libremente.

El caso del Internet es distinto, pues no hay legislación al respecto. Quien quiera incursionar con su medio en la red, debe invertir en la compra del dominio (nombre de la página) y los programas, después tener un equipo responsable y constante, como lo comentó Díaz del Castillo frente al manejo de su portal en Internet.

En cuanto a la competencia con los medios masivos, las fuentes consultadas de los diferentes medios de comunicación alternativa dicen que contrario a lo que se creería, han encontrado un apoyo constante, tanto en el manejo de los contenidos como en la publicación de sus productos. Esto se debe a que cada vez más se quiere ejercer el derecho a la información de los colombianos.

MODA PRIMAVERA Colombia ahora se viste de Oriente

2008-07-21T20:43:00.000-07:00

Por: Ángela María Calderón
Especial para EL NUEVO SIGLO

TENDENCIAS. La moda en este segundo trimestre del año se impone con el uso de estampados orientales y tonalidades ácidas
La primavera a nivel mundial, es una estación que se encuentra entre el invierno y el verano, razón por la cual no hace ni frió ni calor. Los diseñadores, por ello, se enfocan en sacar nuevos diseños para esta época del año.
Para saber qué usar en esta época templada del año hablamos con aquellos diseñadores que estrenan colección para que nos orienten sobre qué usar y qué no en esta temporada.
Para la temporada primavera-verano 2006, los diseñadores han presentado en las pasarelas europeas, sus propuestas de ropa muy elegante pero a la vez sumamente práctica.
Este es el caso de la diseñadora Margarita Trujillo, quien en esta temporada expone una propuesta llena de colores ácidos y post-modernos que recuerdan los años 70.
Según la diseñadora, esta temporada estará llena de color y dejarán de usarse los tonos grises que son clásicos de las temporadas de invierno.
Las propuestas que predominan en los diseños de Andrea Castaño, están pensadas para vestir de forma sensual y romántica con diseños llenos de encaje y costuras delicadas que evocan el romanticismo del siglo XIX.
Según Castaño, “vienen mucho en boga los conjuntos clásicos y con aires marineros, en textiles como el lino, la seda y el algodón”. Por esta razón, enfocó sus diseños hacia el uso de estas tendencias.
Pero Trujillo opina que “el color viene en tonos intensos y llamativos, predominando los cafés, naranjas, morados, verdes y azules, sin olvidarse de los estampados”. Pero no hay que olvidarse que las tendencias del comienzo del año se mantienen en esta temporada en lo que mantendrá el uso de los blancos inmaculados y los tonos pastel.
También se mantendrá el uso de pantalones entubados encogidos, faldas encima o abajo de la rodilla y ausencia de puños en las blusas, como también el repetido uso de blusas de tirantes y mangas tres cuartos.
En cuanto a telas se presenta el uso de texturas suaves como la piel de un durazno acariciando el cuerpo, pero también toques de toalla, algodón, arrugados y craquelados.
El concepto del Ying y el Yang reaparece en siluetas de chaquetas con cuello tipo Mao, en botonaduras diagonales o cheosang, en camisas y faldas cruzadas. Las mangas se llevan sin puño y cuadradas, los pantalones rectos y a veces en negros gamuzados.
El satín se apodera del día y de la noche esta temporada, así como los colores rojo, negro y blanco; los vestidos con estampados grandes enmarcan la cintura y entalla las blusas. Cinturones, riatas y cordones amarran los trajes, faldas y pantalones que muchas veces son prolongaciones de la propia prenda, resalta la diseñadora Ana María López.
“Como novedad para esta época del año, entran los patchwork con apariencia de retazos y los variados, tranquilos, suaves y transparentes, colores que evocan la primavera”, señaló Trujillo.
Así mismo, se ven presentes en las prendas el uso de los estampados de hojas de bambú. Particularmente en los satines y las transparencias. Los kimonos estarán presentes en este segundo trimestre del año, como también se verán mucho estampados de porcelanas chinas, particularmente en los tejidos de punto.

Moda masculina de la temporada

Las rayas no sólo están de moda en el segmento femenino, también en el masculino, donde cobran vigencia las de tipo colchón. La novedad son las líneas preteñidas o estampadas, en contraste de color y fondos blancos. La camisería se torna ajustada al cuerpo, con cuellos y puños anchos que se llevan abiertos.
La paleta varonil tiene colores claros y naturales, desde el crudo hasta llegar al café, sin restar importancia a los grises.
Otros se atreven a usar la tendencia Cadetes Urbanos, basada en la influencia de las prendas militares de campaña, de paracaidistas, pilotos de combate, mecánicos, bomberos. Chaquetas bomber jacket, overoles con grandes bolsillos, tiras manipulables, cremalleras metálicas, costuras reforzadas, bloques de color y mangas, cuellos y puños trabajados en tejidos rectilíneos.

Entre telas

En la línea más informal se verán diversas texturas, colores, fondos y bases. El satín marca la pauta de la tendencia oriental.
Vuelven los camuflajes.
Las mallas aparecerán como complemento.
Las texturas livianas y brillantes tipo paracaídas estarán 'in'.
Así como las bases arrugadas, impermeables, con efectos satinados y toque sedoso.
Las telas de alta tecnología, las bases con toques algodonados y los gamuzados se imponen.
El tejido de punto, las transparencias y telas con mezclas de nylon también marcarán la pauta.